美术高考秘诀

作者:戴沈松

页数:60

出版时间:2006-12

价格:24.00元

isbn号码:9787536234611

具体描述

能成为美术院校众多考生中的佼佼者，取得这样的好成绩自己心里不免由衷庆幸。庆幸自己能在广州美术学院附中接受了中国最规范的美术基础素质教育，如没有这样的际遇，没有这样的教育，就没有今天的成绩！伴随着这个小小的成绩而来，许多家长以及考生开始向我讨教经验。一次，一位就读附中的师弟在跟我谈经验的过程中提出：“你讲经验头头是道，为何不出一本书？”现今市面上的书大多是各科作画的范本，而真正针对考生高考贴心地、详细地谈经验的书实则甚少。我凭着与广大考生有共同的语言、心理因素，知道考生最需要的信息，便由此萌生出写一本这样的书的念头。 绘画是一件感性之事，观察能力很重要。在一次又一次的培养观察能力的训练中，打破常规感性生动的作画，由此充分激发兴趣。只要通过努力，画画其实也是有方法及捷径的！ 本书包含了两个部分：一是本人从小一路走来的艺术经历以及本人内一部分作品赏析；二是从考生开始选择画室，考前训练的提高方法、心理调节，考前最后的总结突击，报考学校获取学校信息等等。根据自已曾经作为高考考生的经验，针对考生，在以上的各个不可缺少的环节都有一个详细的解答，这个部分是本书的重点。

用户评价

这本书在整体的阅读体验上，带给我一种久违的“被理解”的感觉。作者似乎非常了解我们这些长期处于应试状态的学生的困境：我们渴望技巧，但更渴望理解背后的原理；我们害怕失败，但更害怕努力了却看不到回报。这本书的语言风格，恰到好处地平衡了专业性和亲和力。它很少使用那种居高临下的说教口吻，而是用一种分享者的姿态，娓娓道来。尤其是在谈到速写和设计基础的交叉应用时，它提供了一个非常现代和前瞻性的视角，指出单纯的造型能力已经不再是唯一的评判标准，如何将设计思维融入到美术创作中，才是未来的趋势。这种对行业前沿的洞察，让这本书超越了一般的应试指南，更像是一本为未来打基础的“方法论”。读完合上书本时，我感觉自己不仅学到了一堆技术，更重要的是，找回了最初拿起画笔时那种纯粹的、探索未知的热情和信心。

这本书，说实话，我拿到手的时候，内心是充满了期待的，毕竟“秘诀”两个字总是带着一种魔力。我最开始翻阅的时候，就被它那种直击灵魂的洞察力给吸引住了。它不像市面上那些堆砌了大量理论和生僻术语的教辅那样让人望而生畏。相反，它像一位经验丰富的老前辈，坐在你身边，用最朴实无华的语言，告诉你那些真正能让你在考场上脱颖而出的“窍门”。比如，关于构图的章节，我以前总是在那里纠结于什么三分法、黄金分割，弄得自己束手束脚。可这本书里，它没有强行灌输那些刻板的规则，而是通过一系列非常具体的、从历年真题中提炼出来的“视觉逻辑点”，让我明白了，所谓的“美感”和“平衡”，其实都是有迹可循的“视觉语言”。它教你的不是怎么画得像，而是怎么画得“对”，怎么在有限的时间内，用最少的笔墨，传达出最丰富的信息量和最强的视觉冲击力。读完这部分，我感觉自己像是打通了任督二脉，看画的眼光都变了，不再是盲目地模仿，而是开始有意识地解构和重组画面元素。这种由内而外的转变，远比单纯的技巧堆砌要宝贵得多。

我必须得说，这本书对于色彩处理的讲解，简直是教科书级别的存在，但又完全摆脱了死板的教科书腔调。我之前在色彩上吃了不少亏，要么是画面灰暗沉闷，要么就是颜色乱窜，互相“打架”。这本书没有简单地罗列色环和调和比例，而是着重探讨了“情绪”与“光影”在色彩中的作用。它有一段关于如何通过“冷暖对比”来营造空间纵深感的论述，简直是醍醐灌顶。作者似乎非常清楚考生的痛点，他用了很多“如果你的画面看起来太平淡，可能是因为你的亮部不够亮，而暗部又没有足够强烈的‘底色’去支撑”这样直白的话语，直接把我以前画废的几张素描和色彩习作对号入座。更绝的是，它还提供了一套快速建立色彩关系的“心智模型”，让你在面对一张陌生的静物组合时，不再是拿到调色盘就手足无措，而是能迅速锁定主色调和辅助色，并知道该如何运用环境色去“统一”整个画面。这套方法论的实用性，是我在其他任何资料中都没有见识过的。

最让我感到惊喜的是，这本书对“应试策略”的探讨，简直是教科书级别的心理辅导。艺术高考，说到底，是一场在压力下进行的限时创作。很多时候，你的技术水平可能已经达到了，但就是因为紧张、时间分配不当，导致最终的成绩不理想。这本书在这方面给出的建议非常接地气，它不谈虚的，直接告诉你如何在考前一周进行“高强度模拟”，以及在考场上如何利用“先易后难”的顺序来最大化你的得分效率。例如，它详细拆解了一个考试时间为三小时的色彩静物，建议用前二十分钟完成整体布局和定调子，用中间段集中攻克主体结构和光影，而最后的半小时，则完全留给“提神点”和收尾处理。这种时间颗粒度的划分，精准到令人发指。它教会了我，艺术创作可以很自由，但应试创作必须是高度受控和目标明确的。这套“时间管理法”，我已经在几次模拟考中验证过了，效果显著，极大地缓解了我的焦虑感。

这本书的排版和配图选择，看得出作者是用心良苦的。它没有用那种高清到失真的数码渲染图来充斥篇幅，反而大量使用了那些带有“笔触感”和“现场感”的优秀习作或大师手稿。这种选择的意图非常明显：它在引导读者去关注“过程”而非仅仅是“结果”。特别是素描头像部分的讲解，作者没有过多地纠缠于五官的解剖学细节，而是花了很大篇幅去分析“神态”和“体积感”是如何通过光线和边缘处理巧妙地结合起来的。我记得其中有一页，用三张不同光照条件下的头部速写，清晰地展示了“结构线”和“明暗交界线”如何随着光线的角度发生根本性的变化。这种对比分析，比看一百遍结构图都要来得直观有效。它让我意识到，素描不是在“描摹”一个物体，而是在“塑造”一个光线下的三维实体。这种从二维到三维的思维转化，是本书对我最大的启发之一，也让我对“起稿”这个环节的态度发生了翻天覆地的变化。