New Musical Resources

出版者:Cambridge University Press

作者:Henry Cowell

页数:195

出版时间:1996-04-26

价格:CAD 42.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780521499743

具体描述

Since its original publication in 1930, Henry Cowell's New Musical Resources has become recognised as one of the few seminal technical studies to be written by a twentieth-century composer. In 1971, Virgil Thomson hailed it as 'a classic'. Cowell aimed to 'point out the influence the overtone series has exerted on music throughout its history, how many musical materials of all ages are related to it, and how ...a large palette of musical materials can be assembled'. In this respect Cowell was anticipating many of the ideas to be realized in electronic music by Stockhausen and others. For this 1996 edition, David Nicholls has provided an explanatory essay and annotations to Cowell's text. The essay traces the sources for the book and attempts to place Cowell's theories in the broader context of musical modernism.

用户评价

这本名为《新音乐资源》的书籍，在阅读过程中给我带来了不少震撼和启发。它似乎并非聚焦于传统的乐理分析或者作曲技巧，而是以一种非常现代、甚至有些前卫的视角，探讨了音乐在当今数字化、全球化时代中的“生命力”和“可能性”。书中对声音的解构和重构，尤其是在算法生成音乐和环境声景设计方面的论述，让我对“音乐是什么”这个问题有了更深层次的反思。作者似乎不满足于既有的音乐范式，而是积极地探索那些游离在主流之外的、尚未被充分发掘的声音领域。我记得其中有一章节详细描述了如何利用非传统乐器——比如工业废料或自然界的声音——来构建一个完整的音乐叙事结构，这种跨学科的融合手法，极大地拓宽了我对音乐素材的认知边界。它不像教科书那样枯燥，反而更像是一场充满哲思的对话，引导读者跳出舒适区，去倾听那些日常中被我们忽略的、充满潜能的声波纹理。阅读完后，我感觉自己对声音的敏感度都提高了，仿佛整个世界都变成了一个巨大的、等待被编排的“声音图书馆”。

这本书的结构设计非常巧妙，它不像一本直线叙事的书，而更像一个不断自我延伸的星系图。每一次翻阅，我都能从不同的角度进入它所构建的知识网络。对于我个人而言，最实用的收获在于其对“声音库建立与管理”的系统性方法论的介绍。作者详细阐述了如何从零开始，构建一个既符合个人创作习惯，又具备未来可扩展性的、高度分类和标记化的数字声音档案。这解决了许多实践者在面对海量采样素材时常常感到的无序和迷失。书中不仅提供了理论指导，还辅以流程图和工具推荐，使晦涩的元数据管理变得清晰可见。可以说，它提供了一套完整的、从理论到实践的“资源管理哲学”，帮助创作者将精力集中在真正有价值的创意输出上，而不是在寻找素材的泥潭中耗费时间。这本书是每一位严肃对待声音创作的人案头必备的工具书与思想指南。

我必须承认，这本书的某些章节对读者的背景知识提出了不低的要求，它似乎是为那些已经对音乐技术史或至少对前卫艺术思潮有一定了解的读者准备的。它深入挖掘了特定历史时期（比如二战后欧洲的电子音乐实验）对当前声音创作的深远影响，并清晰地勾勒出一条从早期磁带音乐到如今模块化合成器复兴的脉络。作者的论证逻辑严密得令人敬佩，他总能在看似不相关的两个领域——比如建筑学中的空间理论和声音的扩散模式——之间建立起清晰的桥梁。我特别欣赏它在批判性思维上的投入，对于那些过度依赖商业软件或预设音色的创作倾向，作者提出了尖锐的质疑，鼓励创作者回归到对声音物理特性的本质探究。这本书与其说是在介绍“新资源”，不如说是在呼吁一种回归本源的、更具学术深度的声音探索精神。它需要你慢下来，反复咀嚼那些复杂的论点，但回报是巨大的。

如果用一个词来形容我的阅读感受，那便是“充满活力”。这本书读起来完全没有“学术著作”的沉闷感，它更像是音乐界内部一场持续多年的、关于未来走向的激烈辩论的记录稿。它收录了大量对当代音乐制作人和声音艺术家的访谈片段，这些真实的声音让整本书充满了人情味和实验精神。我尤其喜欢其中关于“声音版权与共享经济”的讨论，探讨了在数字时代，如何平衡创作者的权益和声音素材的自由流动性。作者提出的几种基于区块链技术的解决方案，虽然仍处于概念验证阶段，但其前瞻性令人振奋。它不仅关注“如何创作”，更关注“如何管理和分配”这些新发现的音乐资源，这使得这本书的视野超越了纯粹的艺术领域，触及到了社会结构和经济模式的层面。这种宏大的视野，使得它在同类书籍中独树一帜。

坦白讲，我初次翻开这本书时，对其标题的朴实程度感到有些疑惑，心想这大概又是一本乏味的理论汇编。然而，接下来的阅读体验完全颠覆了我的预期。这本书的叙事风格极其流畅且富有画面感，它成功地将一些高度抽象的音乐概念，转化为读者可以切实触摸和感知的体验。最让我印象深刻的是它对“互动性”在当代音乐体验中的角色分析。书中举了许多近年来新兴的音乐项目作为案例，这些项目强调观众不再是被动的接收者，而是积极的参与者，音乐的最终形态是在创作者与听众的即时反馈中共同完成的。这种“流动性”和“不确定性”被作者视作新音乐资源的核心魅力所在。这种观点无疑是对传统音乐会模式的一种挑战，也促使我开始思考，当我们创作音乐时，如何才能更好地邀请听众进入这个共创的空间，让作品在不同的演绎中展现出生命力。这本书提供了大量极具操作性的思维框架，而非空洞的口号。