声乐教程

出版者:山东文艺出版社

作者:徐青茹

页数:0

出版时间:1997-1

价格:25.00元

isbn号码:9787532912094

用户评价

说实话，我刚拿到这本《声乐教程》的时候，并没有抱太大的期望，毕竟教声乐的书籍太多了，大多都是老生常谈，换个封面而已。但这本书的独特之处在于，它非常注重对“听觉训练”的培养。现在的很多声乐学习者，包括我自己，常常陷入一个误区，就是只顾着模仿老师的发音或者录音，却忽略了自己耳朵的辨识能力。这本书里有一章专门讲如何分辨音准的细微差别，以及如何通过听力来校正自己的共鸣位置。作者提出的那个“想象声音在特定空间反射”的练习，简直是醍醐灌顶！我以前唱歌时总感觉声音是“堵”在嗓子眼里的，但尝试了书中的方法后，我开始能够“听见”自己的声音在头腔和面罩区域产生的共振，那种清晰、明亮的感觉是前所未有的。而且，它对不同声部（美声、民族、通俗）的特点也进行了深入浅出的对比分析，虽然我主攻美声，但了解其他声部的特点，对拓宽我的音乐视野也大有裨益。这本书不仅是教你怎么唱，更是教你如何“听”音乐，如何用更专业、更敏感的耳朵去对待自己的歌唱。

我是一个对音乐史和不同流派风格非常感兴趣的人，很多声乐教材在这方面总是轻描淡写，只把重点放在技术层面。然而，这本《声乐教程》在这方面给了我一个巨大的惊喜。它没有像历史书那样枯燥地罗列年代和人物，而是巧妙地将技术的发展与特定历史时期的音乐风格结合起来。比如，讲解美声唱法时，它会结合巴洛克时期对装饰音处理的要求，解释为什么那个时期的声乐技巧需要那样的灵活性；讲解如何处理戏剧性的情感表达时，它会引用瓦格纳歌剧中的一些片段作为范例，分析当时的声乐要求与现代有何不同。这种“带着历史的眼光去学技术”的方法，让我对自己的专业有了更宏大的理解，不再觉得声乐技巧是孤立存在的机械动作。它让我明白，每一个技术点的背后，都承载着人类音乐审美的发展脉络。这让我的学习过程不再是机械的重复，而变成了一种与音乐历史的对话。

这本《声乐教程》实在是太让人爱不释手了！我作为一个半路出家的音乐爱好者，之前对着那些高深的乐理知识和发声技巧简直是束手无策。市面上那些动辄就是理论堆砌的书，看得我云里雾里，根本不知道从何下手。但是这本书完全不一样，它的编排逻辑极其清晰，仿佛是手把手地带着你从最基础的乐理知识开始，一步步深入到声乐的殿堂。最让我惊喜的是，它没有那种高高在上的学院派的架子，而是用非常生活化、易于理解的语言来解释那些复杂的概念。比如讲到气息支撑时，它不是简单地让你“吸气”，而是通过一系列有趣的类比，比如“像吹蜡烛一样控制气流”，让我瞬间就明白了其中的奥妙。而且，书里大量的图文并茂的示范，尤其是对人体发声器官的解剖图示，让我这个视觉学习者受益匪浅。我以前总觉得高音唱不上去是因为“嗓子不够好”，读了这本书才明白，很多时候是方法不对，肌肉没有放松到位。这本书提供的练习方法非常实用，我按照书中的建议坚持练习了一段时间，感觉自己的音域明显拓宽了，声音也比以前更有穿透力了。这种从理论到实践的无缝衔接，真的让我这个初学者看到了希望。

这本书的装帧和排版设计，简直是为我们这些需要经常带着书去练琴房的“移动学习者”量身定做的。纸张的质感非常棒，即使在灯光不好的地方看，也不会觉得刺眼，而且不容易反光。更重要的是，它的开本适中，拿在手里既有分量感，又不会笨重到让人不想携带。我最欣赏的一点是，书中很多关键的练习曲目旁边，都附带了非常简洁明了的“注意事项”标签。这些标签不是大段的文字，而是用加粗的短语或者符号来提示你：比如“保持下巴放松”、“舌尖抵住下齿”等等。这些都是我们在练习中最容易忘记的小细节，但恰恰是这些细节决定了声音的质量。我甚至发现，这本书在引用一些经典练习曲时，都会给出不同难度版本的改编建议，这对于我们这种水平起伏不定的学习者来说，实在太贴心了。我不用非得等到完全掌握一个级别才能进入下一个，而是可以根据自己当天的状态灵活调整难度。这种对学习者体验的细致考量，让这本书的实用价值大大提升。

这本书最让我感到“治愈”的部分，是它对“舞台恐惧”和“心理建设”的探讨。坦白说，技术练得再好，一上台腿肚子就开始打颤，声音马上就垮了。很多教材完全忽略了歌手的心理素质建设。但这本《声乐教程》专门设置了一章来讨论如何克服舞台焦虑。它提出的方法非常科学，不是空喊“你要自信”，而是提供了一套系统的“舞台前放松练习流程”，包括呼吸频率的调整、身体扫描冥想，甚至是如何与听众建立无形的连接。我按照书里的建议，在参加最近一次小型的汇报演出前做了充分的准备，效果惊人地好。我感觉自己的心率平稳了很多，声音也更加稳定和自由地流淌出来。这让我意识到，一个真正优秀的教程，必须是全方位的，它不仅要塑造你的嗓音，更要塑造一个完整的、能面对压力的“表演者”。这本书的这种人文关怀和心理引导，是其他任何一本技术手册都无法比拟的。