点景画法

作者:赵文发

页数:16

出版时间:2003-1

价格:16.00元

isbn号码:9787536815841

具体描述

《点景》：山水画速成教学丛书，该丛书的目的是想简明扼要地通过图文并非茂的形式，让初学者尽快掌握山水画的笔墨、树木、山石、云水、点景、临摹、写生、设色等各方面的基本规律，并能较快的运用到实践中去，尽量在学习山水画的过程中不走弯路或少走弯路，以达到速见成效的目的。至于功力问题，并非朝夕之事，想一口吃个胖子是不可能的，随着长期不断的艺术实践，功力会越来越深。

点景是山水画中的特有名词，所谓点，可以理解为少，总之是少一点小一点。山水画的点就是在整幅画中点缀一些小东西，在位置面积上不宜大，因为山水树木在一幅画中占了较大的面积，点景占面积不能太大，太大就不是点景了，也就不是山水画了。所以点景就是小人、小桥、小动物、小房、小庙、小亭子，都是小的。点景的人和动物虽然小，但要画好，要传神也不容易，画小人有画小人的难度，小人小物也有其规律，点景有点景的奥妙。主要是平时在生活中多注意观察，随时随地观察远处看不见五官的人物动态、神气。多观察远处的小屋小房，小桥小船等适合于点景用的景物，并且多写生、多默记、多收集素材。通过长期实践，方能领会点景的奥妙，方能掌握点景的规律，起到画龙点睛的作用。

用户评价

这本书的装帧设计实在是让人眼前一亮，封面那淡雅的留白和一抹晕染开的黛青色，仿佛直接将人拉进了一幅宋代山水画的意境之中。我原本是抱着一种研究古代绘画技法的目的去翻阅的，没想到它在色彩的运用上，给出了许多出乎意料的现代解读。比如书中详细剖析了如何用矿物颜料调和出具有时间沉淀感的古旧色调，那种层次感，不是简单的叠加，而是通过对光线流动的精准捕捉实现的。特别是关于“破墨法”的章节，作者并没有停留在传统的技法介绍，而是深入探讨了墨色在不同湿度和纸张纤维上的渗透规律，并配有大量的微距高清图谱，让人能清晰看到墨痕边缘那种微妙的扩散与融合。这种对物质媒介的深刻理解，让我想起以前学习水彩时，那种对颜料与水份比例的反复试验。这本书的价值，不仅仅在于教授如何“画”，更在于引导读者去“观察”自然界的微妙变化，将自然造化中那些稍纵即逝的瞬间，凝固在笔触之下。读完这部分内容，我对处理画面中的“虚实相生”有了更深一层的感悟，不再只是生硬地划分明暗，而是让虚化之处充满引人遐想的空间感。

这本书在材料学的应用探讨上，展现出令人惊讶的严谨性和前沿性。我原以为这只是一本关于传统技法的书，没想到它对近现代辅助材料的兼容性也做了细致的实验报告。例如，关于“胶矾水”的配比对绢本和皮纸上色影响的对比测试，数据详实到令人称奇。更让我感到惊喜的是，作者还探讨了如何利用现代环保型溶剂来处理一些古老颜料中的潜在风险物质，并在不牺牲传统质感的前提下，提高了创作的安全性与可持续性。这种对传统工艺的尊重与对现代科技的开放态度相结合，使得这本书具有跨越时代的价值。它不像某些复古指南那样抱残守缺，而是以一种务实的态度，告诉我们如何在继承的基础上进行创新。我特别喜欢其中关于“时间对作品的影响”的探讨，它不是泛泛而谈，而是通过对不同环境下保存的画作样本的物理分析，来预示创作者未来的工作可能经历的蜕变，非常具有前瞻性。

这本书的章节结构安排充满了匠心，它没有严格按照“起承转合”的绘画步骤来划分，反而更像是一部围绕核心美学理念展开的交响乐。第一部分侧重于“心法的建立”，探讨观察者与被观察物之间的关系；中间部分则深入到“技法的提炼”，但聚焦的更多是技法背后的“为什么”而不是“怎么做”；最后一部分则回归到“创作的语境”，讨论作品如何在当代语境下找到自己的发声点。这种非线性的叙事结构，反而更贴合艺术创作的本质——它不是线性的，而是螺旋上升的。阅读过程中，我时常会跳跃式地阅读，发现不同章节之间的思想产生了奇妙的共振。比如，在理解了“虚境”的构建后，再回看关于“皴法”的讲解，立刻明白了那些看似繁复的线条，其实是在刻画空气的流动，而非单纯的岩石肌理。这本书带给我的，是一种整体性的艺术认知提升，它将绘画从一种手艺提升到了哲学思辨的高度，读完后感觉自己的眼界被极大地拓宽了。

我最欣赏的是作者在叙事上的那种克制与诗意并存的笔法。整本书读下来，完全没有那种枯燥的教条感，反而像是在一位饱经风霜的智者带领下，进行一场心灵的漫游。它探讨了“意境”的构建，这种意境并非凭空捏造，而是根植于深厚的哲学思考之上。书中引述了大量与中国传统美学相关的文本，但绝非简单的罗列，而是巧妙地将这些哲学思想融入到具体的绘画案例分析中。举个例子，关于“计白当黑”的论述，作者并没有直接给出公式，而是通过分析几幅唐代壁画中人物衣褶的留白处理，来阐释“空”的能量与“有”的张力之间的辩证关系。这种由表及里的探究方式，极大地拓宽了我的思维边界。我常常在阅读过程中停下来，合上书本，凝视窗外，试图用书中提到的那种“胸中有丘壑”的视角去重新审视日常的场景。这本书更像是一本关于如何构建个人精神世界的指南，绘画技巧只是承载这种精神探索的载体而已。

关于构图和章法的讨论，这本书简直是为那些对传统范式感到束缚的创作者准备的“解药”。作者对“散点透视”的运用进行了颠覆性的重构。他挑战了单点透视带来的那种僵硬的观看体验，提倡将多个时空点和观察视角有机地融合在一个画面中，从而创造出一种流动的时间感。书中举了一个非常有趣的例子，对比了西方文艺复兴时期对深度空间的极致追求与中国山水画中“可游可居”的空间哲学。作者通过对不同朝代经典作品中对“留边”和“充实”的处理比例的统计分析，得出了关于画面重心平衡的非量化规律，这对我处理大尺幅作品时，那种不知如何平衡疏密关系的困扰，提供了非常实用的启发。它教会我，平衡不是对称，而是一种动态的张力维持，即使画面一角极度繁复，只要另一角有足够的“气场”支撑，整体依然稳固。阅读体验非常流畅，逻辑推进层层递进，让人欲罢不能。