现代数码摄影与创意

出版者:辽宁美术

作者:徐国武

页数:160

出版时间:2007-8

价格:49.00元

isbn号码:9787531438571

具体描述

《21世纪高等教育拳术专业教材•现代数码摄影与创意》主要内容：当我们把美术院校所进行的美术教育当做当代文化景观的一部分时，就不难发现，美术教育如果也能呈现或继续保持良性发展的话，则非要“约束”和“开放”并行不可。所谓约束，指的是从经典出发再造经典，而不是一味地兼收并蓄；开放，则意味着学习研究所必须具备的眼界和姿态。这看似矛盾的两面，其实一起推动着我们的美术教育向着良性和深入演化发展。这里，我们所说的美术教育其实有两个方面的含义：其一，技能的承袭和创造，达可以说是我国现有的教育休制和教学内容的主要部分；其二，则是建立在美学意义上对所谓艺术人牛的把握和度量，任学习艺术的规律性技能的同时获得思维的解放，在思维解放的同时求得空前的创造力。由于众所周知的原因，我们的教育往往以前者为主，这并没有错，只是我们更需要做的，一方面是将技能性课程进行系统化、当代化的转换；另一方面需要将艺术思维、设计理念等这些由“虚”而“实”体现艺术教育的精髓的东西，融入到我们的日常教学和艺术体验之中。

用户评价

这本《现代数码摄影与创意》听起来像是一本专注于技术解析和美学指导的专业书籍，但我要谈谈我通过其他途径接触到的，与摄影技术本身关联不大的、关于“创意”和“现代性”的思考。最近我沉迷于研究老电影的色彩处理，特别是那些上世纪中叶的胶片质感，那种颗粒感和微妙的色偏，是数字时代即便用再顶级的后期软件也难以完全复刻的“历史感”。我发现，真正的创意往往不是来自于对最新硬件的掌握，而是对过往媒介的深刻理解与致敬。比如，有些导演会刻意在数码影像中加入类似“刮痕”或“灰尘”的瑕疵，这并不是为了追求纯粹的“真实”，而是通过引入不完美性来唤起观众对“过去媒介”的集体记忆。如果这本书只是停留在讲解如何使用高动态范围（HDR）或者最新的RAW格式处理技巧，那它就错失了更深层次的议题。摄影的现代性，我认为，在于它如何与我们对时间的感知方式对话，而不仅仅是捕捉光影的瞬间。我更期待看到作者探讨如何运用数码工具，去解构我们对“客观记录”的迷信，转而创造一种全新的、主观的视觉叙事结构。摄影的边界正在模糊，它与装置艺术、虚拟现实的结合才是未来真正的战场。

最近在关注一些当代艺术展，发现很多年轻艺术家热衷于“数据的具象化”表达。他们不再满足于拍摄现实中的场景，而是试图将看不见的社会结构、经济流动、甚至生物信息，通过图像化的方式呈现出来。这对我来说，是一种更前沿的“创意”。比如，用不同的像素密度来代表不同社会群体的可见度，或者用色彩的饱和度来映射信息传播的速度。如果《现代数码摄影与创意》这本书的视野还停留在优化白平衡和锐化处理上，那它就彻底落伍了。现代创意摄影，本质上是一种对“不可见世界”的翻译工作。它要求摄影师具备跨学科的知识储备，能够将抽象的概念转化为可被感知的视觉语言。我期望看到的，是关于如何利用数码的运算能力，去挖掘和可视化那些隐藏在日常表象之下的复杂系统。那种能让人在看一张照片时，同时思考到宏大社会议题的深度，才是真正具有时代意义的创意。

我最近在研究平面设计中的“网格系统”和“模块化”概念，这套逻辑在建筑和信息可视化领域应用得极为成熟，它提供了一种严谨的结构来支撑复杂的设计。我很好奇，这种结构化的思维，是否能成功地被移植到“创意摄影”的实践中去。我们常常将创意视为天马行空的灵感爆发，但如果能建立起一套可重复、可迭代的“创意框架”，那将是革命性的。例如，能否构建一个基于“光线、形式、主题”三维矩阵的摄影创作模型？如果这本书只是停留在传统的美学理论，那就太陈旧了。我更希望它能提供一种“系统化”的创意生成路径，让摄影师能够像工程师一样，去“设计”他们的视觉作品，而不是仅仅被动地“捕捉”它们。数码技术本身就是高度系统化的，如果摄影创作仍然停留在经验主义的泥潭里，那它就辜负了现代工具赋予的潜力。创意如果不能被解构和重组，就只能依赖运气。

我最近在逛一个关于城市历史变迁的线上论坛，看到很多老照片被数字化存档。那些照片，很多是用非常基础的、甚至是早期的机械相机拍摄的，清晰度和曝光都称不上完美，但每一张都承载着厚重的时间信息。我发现，有时候，技术的“缺失”反而成了创意的载体。比如，早期镜头特有的畸变，现在被一些爱好者视为一种风格，专门去寻找老旧的镜头来拍摄现代场景，制造一种错位感。这让我想到，如果一本关于“现代数码摄影”的书籍，仅仅是推崇极致的清晰度和完美的曝光，那它无疑是保守且倒退的。创意，难道不应该是一种“反技术”的姿态吗？它应该是对既有工具的批判性运用，而不是盲目地接受工具的设定。我更关注那些摄影师如何利用数码的无限可塑性，去“破坏”现实的表象，而不是仅仅“还原”它。比如，通过数据错位、像素层面的重构，去探讨身份的流动性或记忆的不可靠性。如果这本书的“创意”部分只是教人如何调出更艳丽的色彩，那它就太肤浅了，它应该触及摄影作为一种哲学工具的潜力。

最近读了一篇关于声音设计的文章，作者提到，在电影配乐中，寂静（Silence）往往比任何旋律都更有力量。这让我反思，在以“视觉爆炸”为主要趋势的数码摄影领域，是否也存在着一种“视觉的寂静”？真正的视觉震撼，或许不是来自于超高像素的细节堆砌，而是来自于对画面元素的极端克制和留白。我总觉得，很多现代的数码作品，尤其是在社交媒体上传播的那些，都像是信息过载的产物，每一个角落都塞满了内容，生怕观众看不懂。我想知道，像《现代数码摄影与创意》这样的书，会如何定义“创意”与“留白”的关系？如果创意是关于选择与舍弃，那么如何用数码工具去实现这种极简的、充满张力的“空”？我希望看到书中探讨如何通过景深、光线的稀疏处理，来引导观众的注意力，甚至是通过照片的“不完整性”来完成叙事。一个真正有创意的作品，应该懂得何时按下快门，更应该懂得何时停止后期干预，让画面回归到一种冥想的状态。