CD-ART

出版者:RotoVision

作者:Charlotte Rivers

页数:160

出版时间:2003-11-01

价格:USD 30.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9782880467456

具体描述

This is a comprehensive collection of the best contemporary CD cover designs, featuring many previously unpublished examples from the cutting edge.

Both design professionals and music lovers will find inspiration from the varied and exciting work featured: from well-known designers like Stefan Sagmeister (Lou Reed and many others) Malcolm Garrett (Buzzcocks) and Peter Saville (Joy Division, New Order) to Tomato (Underworld), Farrow (The Pet Shop Boys), and lesser-known names and in-house teams (such as the RCS designers who worked with the The Strokes and the Foo Fighters) who have used this medium as a widely disseminated platform for experimentation and free expression.

In addition to traditional graphic elements of album cover art -- image, illustration, typography -- CD Art explores experimentation unique to the CD format: from handmade and unusual packaging and materials to textures, interactive designs and marketing incentives. It shows how designers exploit the two and three dimensional qualities of CD packaging to create highly collectible and unique objects that are displayed, handled, interrogated for information, explored for meaning and venerated by fans.

Anyone interested in this book should take a look at the companion book, DVD Art, also by Charlotte Rivers.

用户评价

我最初拿起这本书，是想寻找一些关于上世纪末独立音乐场景如何通过新的发行载体实现爆发性传播的案例研究。我脑海中浮现的是一张张泛黄的杂志剪报，是地下演出场馆里汗水淋漓的景象，是那种“DIY”精神的实录。这本书的章节标题虽然充满诱惑力，例如涉及“编码”与“解码”，但实际内容却远远偏离了那种怀旧的、历史性的叙事。它更像是作者本人在面对一个空旷的数字画布时，试图用纯粹的概念来填充空间。书中的讨论更多地聚焦于符号学和现象学，探讨的是“艺术品”在被消费的过程中，其原始意图如何被媒介的物理属性所扭曲或异化。我尤其欣赏作者对“复制的悖论”的深刻剖析——当一件作品可以被无限完美复制时，它的“原作性”究竟价值何在？尽管全书未提及任何具体的音乐流派或唱片公司，但这种对艺术本质的追问，无疑触及了那个时代所有创作者共同的焦虑与挣扎。那是一种形而上的焦虑，而非具体的市场操作问题。

这本书的阅读体验，与其说是在“阅读”，不如说是在进行一场高强度的脑力攀登。它的语言风格极其冷峻、精确，充满了后现代主义的疏离感，每一个术语的抛出都像是精心校准过的手术刀，直指问题的核心。我期待着能读到一些关于音乐审美变迁的暖色调叙事，也许是某个流派兴起时的激动人心的回忆录，或者对某个已逝大师的温情缅怀。但《CD-ART》提供的却是冰冷的逻辑架构和严密的论证链条。它似乎更热衷于解构和重构我们对“作品”的认知。比如，书中有一章专门讨论了“留白”在声音结构中的功能性，那段文字的密度之高，我不得不借助笔记本反复勾画关键概念，才能勉强跟上作者的思维速度。这种阅读过程充满了挑战，但也带来了巨大的智力满足感，仿佛在参与一场高水平的学术辩论，只是辩论的对手是潜意识本身。当然，对于寻求轻松读物的读者来说，这无疑是一次“劝退”的经历，因为它要求你放下所有既有的知识框架，重新学习如何“看”待声音和图像的关系。

老实说，这本书的阅读体验是极度“反直觉”的。它的装帧和书名《CD-ART》给人一种强烈的现代感和设计感，我预期会读到对视觉艺术和音乐结合的探讨，也许会有大量精美的插图和图表，讲述如何在视觉界面上传达听觉体验。然而，这本书的内容却几乎完全是文字的洪流，而且这些文字极其晦涩，充满了晦涩难懂的术语，仿佛直接从某个哲学研讨会的速记稿中摘录出来一般。它几乎完全绕开了所有具象的、可被触摸的艺术对象，转而深入到“存在”与“被感知”的纯粹哲学层面。书中反复出现的概念，比如“延迟的在场性”或是“可触碰的虚无”，都要求读者进行极高的抽象思维训练。我花了大量时间试图将这些抽象概念与封面上暗示的某种“艺术实体”联系起来，但最终发现，作者的目的可能恰恰在于打破这种联系，让我们意识到，真正的艺术可能只存在于我们进行思考的那一刻，而非成品本身。这本书带给我的，是一种彻底剥离物质载体的精神洗礼，与我对“艺术品”的既有认知产生了剧烈的摩擦。

《CD-ART》这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那种深邃的蓝与跳跃的红交织出的视觉冲击力，仿佛预示着内里蕴含着某种强劲的艺术能量。我原本以为这会是一本专注于音乐介质本身演变的学术专著，或许会详细梳理从黑胶唱片到数字流媒体的每一步技术更迭，配上大量晦涩难懂的声学图表。然而，翻开第一页，我发现自己完全被吸引进了作者构建的那个更为宏大和感性的世界。书中的叙事手法非常独特，它没有采用传统的编年史顺序，而是像在探索一片广袤的艺术迷宫，从一个看似不相关的音乐家访谈片段切入，立刻带出了关于“声音的物质性”这一核心命题的探讨。那种探讨方式，更像是文学散文与哲学思辨的结合体，让人在阅读时不断停下来，咀嚼那些关于听觉体验如何塑造集体记忆的句子。它探讨的“艺术”边界远超音乐本身，更像是在审视一切“媒介化存在”的本质，那种对无形之物进行有形描摹的尝试，令人拍案叫绝。尽管书中并未直接提及任何关于CD或艺术品的制作细节，但那种对“形式服从内容”的深刻洞察，已经足够让人体会到作者对媒介本身的敬畏与反思。

这本书的结构设计充满了实验性，它拒绝线性的阅读路径。拿到手时，我本以为它会是一本按照时间脉络梳理某个文化现象的通俗读物，语言风格应当是平易近人、引人入胜的。然而，这本书更像是一套被打乱的卡片，需要读者自行拼凑逻辑。它的段落之间跳跃性极大，前一页还在讨论媒介对感官的“侵入性”，后一页可能就突然转向了对某种抽象几何图形的分析，两者之间的联系需要读者自己去构建桥梁。这种写作策略无疑增加了理解的难度，但同时也赋予了阅读极大的主动性。这种“主动构建意义”的过程，本身就是对当代信息碎片化的一种隐喻。虽然我没在书中找到任何关于“CD”这一具体物品的制作工艺或历史轶事，但我能清晰地感受到作者在用这种碎片化的方式，模仿和重现那种信息过载时代下，艺术家们试图在混乱中寻找秩序的努力。它更像是一部“方法论”而非“史论”。

如果album那本书是cd设计的世界观，那么这本就是cd设计的方法论，各有所长，明晰商品的体验与附加值，这个领域才能不至于太快被淹没。

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