美国作家访谈录

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出版者:中国对外翻译出版公司
作者:(美)查尔斯·鲁亚斯(Charles Ruas)
出品人:
页数:0
译者:粟旺
出版时间:1995
价格:11
装帧:
isbn号码:9787500103592
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《故纸堆里的光影:二十世纪中国电影的幕后故事》 引言:胶片上的时代烙印 在中国电影百年波澜壮阔的发展历程中,无数影像作品如同时代的镜子,映照出社会变迁、民族情感与个体命运的跌宕起伏。然而,呈现在银幕上的光鲜亮丽背后,往往隐藏着大量鲜为人知、却对电影最终呈现产生决定性影响的幕后细节、艰难抉择与创作激情。本书并非聚焦于电影评论或明星八卦,而是深入挖掘那些被时间尘封的故纸堆,通过档案、书信、未发表的手稿和亲历者的口述回忆,重构二十世纪中国电影工业化进程中的关键节点、技术革新与集体记忆的构建过程。我们将重点关注被主流叙事相对忽略的制片、美术、摄影、录音以及早期电影理论建构的实践者们,探寻他们如何在特定历史时期,用有限的资源和巨大的压力,推动着中国电影艺术的边界。 第一部分:默片时代的拓荒与探索(1920s-1930s) 本部分将聚焦于中国电影的“黄金年代”初期,即上海滩成为电影制作中心的阶段。我们将详细梳理早期民营电影公司如明星影片公司、天一影片公司等在制片管理模式上的差异与竞争。 一、制片人的“铁三角”困境:资金、审查与市场 电影制作的起步,首先是资本的运作。本章将考证早期制片人(如张石川、邵邨人)如何游走于买办资本、民族资本乃至黑帮势力之间,构建起一套脆弱而高效的资金链条。重点分析1930年代初期,随着有声技术(如“留声电影”)的引入,制片成本的急剧上升对中小制片厂构成的致命打击。我们将对比研究当时上海与香港两地在发行策略上的异同,特别是针对海外华人市场的拓展方式。 二、美术的“借用”与“创造”:从舞台布景到摄影棚空间 在物质条件极为匮乏的年代,电影美术设计承担着塑造叙事氛围和时代景观的重任。本章将详细考察早期美术指导(如孙瑜、徐韬)的工作方法。他们如何运用有限的道具和布景材料,模仿西洋场景或还原传统民居?我们将对比研究默片时代和有声片时代,对“景深”和“光影”在空间营造中的不同处理手法,并分析当时对外国电影布景风格的学习与本土化的尝试。例如,特定时期对月份牌画作美学的吸收如何体现在场景设计中。 三、早期技术人员的成长:从冲印到同期录音的挑战 中国电影早期的技术人才大多系自学成才或海外归国。本章聚焦于早期摄影师和录音师的职业轨迹。我们将通过分析特定影片的负片资料(若能寻获),探讨当时冲洗工艺的局限性与摄影师为弥补技术不足所采取的“艺术性补偿”,例如对自然光的极致利用。关于有声片的引进,我们将重点分析第一批国产有声片(如《歌女之恋》等)在录音棚建设、麦克风布局和演员台词指导上的艰难实验过程,这些经验为后续电影工业化奠定了基础。 第二部分:战火与光影的抗争:抗战时期的电影生产(1937-1945) 抗战爆发后,电影业经历了强制性的地域迁移和意识形态重塑。本部分将考察电影人在流亡中如何维持创作生命力,以及电影如何被用作鼓舞士气、记录历史的“移动的战线”。 一、从上海到重庆:制片厂的“大迁徙”与集体创作模式的建立 国民政府主导下的中央电影制片厂在重庆的建立,标志着中国电影制作的权力中心转移。本章将考察这一过程中的行政管理、人员调度与资源获取的复杂性。重点分析在物资极端匮乏的情况下,剧本创作、演员调度和外景拍摄是如何被整合进一种“战时配给制”的生产模式中。我们将梳理这一时期,延安进步电影工作者与重庆主流电影制作者在主题表达和艺术路线上的张力与合作。 二、记录的力量:新闻纪录片与“现场感”的追求 抗战期间,新闻纪录片成为最直接的宣传工具。本章将深入研究中国最早一批战地摄影记者和纪录片工作者的经验。他们如何冒着生命危险,记录南京沦陷、武汉会战等重大事件?我们将分析他们如何使用当时落后的手摇摄影机,在极端的战场环境下实现“运动”与“稳定”的平衡,并探讨这些现场影像在回国后,如何被剪辑、配乐,最终转化为具有强大情感冲击力的宣传成品。 三、艺术的自我救赎:流亡中的剧本与审查的幽灵 在严酷的政治审查和物质匮乏下,电影编剧群体面临巨大的创作困境。本章将通过分析一批未被拍成电影的剧本(如周而复、陈白尘的早期手稿),探讨创作者们如何以隐喻、象征和历史重述的方式,表达对时局的忧虑和对光明的期盼。重点分析“文人电影”在这一时期的转型,即如何将深沉的个人情感融入到宏大的民族叙事框架中。 第三部分:光影的新秩序:建国初期的工业整合与美学转型(1949-1960s初) 新中国的成立,带来了对电影制作的彻底重组与美学方向的明确导向。本部分将探讨国家力量如何主导电影工业的标准化建设,以及这一过程中东西方电影美学传统的冲突与融合。 一、从私营到公营:电影制片厂的“苏式”重构 新政权迅速将原有的私营和教会电影机构收归国有,并参考苏联模式建立了以“长春制片厂”为代表的第一批中央级电影基地。本章将详述这一行政管理体系的建立过程,包括干部任命、技术人员的再培训(如派遣留苏学习)以及设备引进的渠道。重点分析“自上而下”的生产流程对创作自由度的影响,以及第一代中国电影导演(如王滨、林杉)如何在既定的“社会主义现实主义”框架内,探索人物塑造的深度。 二、色彩的革命:从黑白到彩色工艺的引进与实践 彩色电影技术在50年代的引入,是中国电影技术史上的一次重大飞跃。本章将不再讨论最终成片的效果,而是聚焦于当时引进的彩色胶片、显影药水以及染色工艺的“本土化”挑战。我们将考察负责这一环节的化学工程师和技术工人,他们在没有原厂技术支持的情况下,如何通过反复试验,摸索出适合中国自然光照条件的色彩还原标准。对比研究早期国产彩色片(如《宝石之谜》等)在布景色彩配置上体现出的试验性痕迹。 三、配音与音乐的“民族化”:声音的再设计 有声电影进入成熟期后,如何使用声音来服务于主流意识形态成为关键议题。本章将重点分析早期电影配音演员和作曲家(如贺衷衷、王洛宾等)的工作状态。我们将对比研究1950年代的“大合唱”式配乐与早期30年代海派爵士乐风格配乐的根本差异,以及配音艺术家们如何平衡“口型同步”的技术要求与地方方言、民族声线的保留之间的矛盾。特别关注戏曲片改编过程中,传统舞台表演与电影镜头语言的融合探索。 结语:看不见的创造者与被遗忘的细节 本书旨在挖掘这些幕后工作者的“汗水账”,而非仅仅陈述创作的“辉煌史”。通过对这些技术细节、行政流程和物质条件的细致爬梳,我们期望能构建一个更立体、更具厚重感的二十世纪中国电影史图景,理解每一帧光影背后,所承载的巨大时代张力与不懈的匠人精神。

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读后感

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用户评价

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这部作品的深度和广度令人叹为观止,它如同一个精心编织的文化地图,将读者引向一个个充满智慧与灵感的思想国度。作者的提问技巧堪称一绝,既有对文学创作核心的犀利剖析,又不失对个体生命体验的温和探索。我尤其欣赏那种在看似轻松的对话中,却能层层剥茧,触及作家内心最深处挣扎与追求的功力。那些关于灵感枯竭的讨论,关于如何与自我怀疑共存的叙述,读来让人深有共鸣,仿佛自己也参与了一场私密的、心灵的洗礼。它不仅仅是记录了成功的经验,更重要的是,它坦诚地展示了创作的艰辛与不易,让‘作家’这个光环下的真实个体得以显现。这种真实感,是许多空洞的励志读物所无法比拟的。每一次翻阅,都像与一位智者对饮,言谈之间,满载着对文字力量的敬畏与热爱。

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初读此书,我原以为会是一连串枯燥的文学理论阐述,然而,实际的阅读体验却远超预期,它充满了鲜活的生命力与迷人的叙事张力。那些被访谈者,无论其风格迥异,在作者的引导下,都展现出一种罕见的坦率。我仿佛能清晰地听见他们工作室里笔尖划过纸张的声音,感受到他们面对空白稿纸时的焦灼与狂喜。尤其欣赏其中对于不同时代背景下,文学如何应对社会变迁的探讨。这使得这本书超越了纯粹的个人传记范畴,上升到了对时代精神的捕捉层面。不同地域、不同文化背景下的声音相互激荡,构建了一个多维度的文学景观。它让我意识到,伟大的作品并非凭空出现,而是根植于复杂而真实的社会土壤之中,每一次创作都是一次对世界的深刻回望与介入。

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我必须称赞编辑和译者所付出的巨大努力,这本书的语言处理达到了教科书级别的水准。它成功地将不同英语系作家独特的语调和思维逻辑,以一种既忠实原貌又符合中文阅读习惯的方式呈现出来。在阅读那些关于哲学思辨和语言学探讨的部分时,我几乎感受不到阅读障碍,行文如水,流畅自然。这本书的价值不仅在于其内容本身,更在于其作为一座文化桥梁所扮演的角色。它让那些遥远的、可能语言上有隔阂的智慧,以一种清晰、有力的方式直击人心。它让我对翻译文学的艺术有了全新的认识——真正的翻译,是精神的无损传递,而非简单的词语替换。这本书,无疑是这种典范。

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这本书最令人拍案叫绝之处,在于其对“创造性过程”的细致入微的解构。作者似乎拥有某种魔力,能让那些平时深居简出的文学巨匠们敞开心扉,讨论那些最私密、最核心的创作方法论。我特别关注了其中几位在叙事结构上颇具革新精神的作家是如何构思他们的宏大蓝图的——那些关于时间线索的跳跃、视角转换的逻辑,都被拆解得条分缕析,却又保持了足够的神秘感。对于一个热衷于研究小说技艺的读者来说,这简直是一座活的宝库。它不是教你如何写出畅销书,而是教你如何思考“如何讲故事”这件事的本质。读完后,我感觉自己的思维框架被拓宽了许多,看待文本结构的角度也变得更加立体和审慎。

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这是一部极具温度的文本,它成功地避免了将艺术家神化的高风险,而是将他们还原为人——有缺陷、有挣扎、有独特癖好的个体。我从这些访谈中捕捉到了一种深刻的人文关怀。作者的提问角度总能精准地避开媒体热炒的八卦,转而聚焦于他们生活中的细微习惯对创作的影响,比如对日常散步的依赖,或是对特定音乐的偏爱。这种对生活细节的捕捉,使得那些理论上的探讨不再显得高高在上,而是变得可触可感。这种平衡的艺术,让整本书读起来既有学术的严谨性,又不失散文的流畅与亲切。它让我明白了,伟大的文学往往是从最平凡的生活经验中提炼出来的黄金。

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大部分作家不认识,读美国文学史时这些作家也很少涉及,果然艺术是很势利的。印象深刻的属自命不凡的卡波特和诚肯谦虚坦率的海勒~

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