5 55019 2 STRICTLY WALTZ《十二首最著名的圆舞曲》……(CD)

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isbn号码:9787243555016
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  • 古典音乐
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具体描述

好的,这是一份关于您提供的图书名称《5 55019 2 STRICTLY WALTZ 十二首最著名的圆舞曲》(CD)之外的其他图书的详细简介,旨在提供丰富的内容而完全不涉及您提到的那张特定的CD内容。 --- 《世界音乐史上的辉煌瞬间:从巴洛克到浪漫主义的交响画卷》 引言:音乐的演进与时代的脉搏 本书是一部宏大而精微的音乐史著作,它带领读者穿越时空,深入探究自17世纪初巴洛克时期肇始,直至19世纪末浪漫主义盛期,西方古典音乐如何一步步构建起其坚实的殿堂。我们聚焦的不仅仅是那些流传千古的乐章和名字,更是探究在特定历史、社会和哲学背景下,作曲家们如何运用音符来表达人类最复杂的情感、最崇高的理想,以及最深刻的矛盾。 本书的结构遵循清晰的时间轴,同时辅以主题式的深入分析,旨在为严肃的音乐爱好者、专业学生,乃至初涉古典音乐领域的读者,提供一个全面且引人入胜的知识框架。 --- 第一部分:巴洛克时期的光辉与秩序(约1600–1750年) 巴洛克时期是西方音乐从文艺复兴的复调艺术向注重情感表达的单音音乐过渡的关键阶段。本部分将详细剖析这一时期的核心特征:对装饰性、对比度和戏剧性的偏爱。 第一章:歌剧的诞生与早期的戏剧张力 我们将从意大利的佛罗伦萨“乐友会”开始,探讨歌剧是如何从田园牧歌和贵族娱乐中脱胎而出的。重点分析蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)对“第二实践”的探索,如何使得音乐真正服务于戏剧文本的情感深度。我们将剖析早期歌剧,如《奥尔菲欧》,在宣叙调与咏叹调处理上的创新,以及其对后续音乐发展产生的不可磨灭的影响。 第二章:协奏曲的结构确立与器乐的解放 此章深入研究了协奏曲体裁的发展。从早期的大协奏曲(Concerto Grosso),如科雷利(Arcangelo Corelli)的精巧对位,到维瓦尔第(Antonio Vivaldi)如何通过其标志性的快-慢-快三乐章结构,将小提琴协奏曲推向高峰。我们特别关注维瓦尔第的《四季》中所蕴含的“描绘性音乐”(Program Music)的雏形,以及它如何预示了后世音乐的叙事性。 第三章:巴赫与亨德尔:对位法的巅峰与普世性的表达 这一章是对巴洛克末期两位巨匠的深度解读。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(J.S. Bach):我们将从《平均律钢琴曲集》分析其对十二平均律的系统化梳理,并深入探讨《赋格的艺术》中对位技巧的极致运用。重点解析巴赫的宗教音乐,特别是《马太受难曲》中,如何将复杂的对位结构与人类救赎的深刻主题完美结合,达到技术与精神的统一。 乔治·弗里德里克·亨德尔(G.F. Handel):我们将聚焦于亨德尔在英格兰发展起来的“英式清唱剧”(Oratorio),特别是《弥赛亚》。分析其对合唱部分的宏大处理和戏剧性的段落安排,这些作品如何服务于公共的礼拜和爱国情绪的表达。 --- 第二部分:古典主义的清晰、平衡与理性之光(约1750–1820年) 古典主义时期是音乐追求结构清晰、形式对称和情感克制的时代。它对逻辑性、可预见性和普世美感的追求,塑造了我们今天所理解的“交响乐”和“奏鸣曲”的典范。 第四章:奏鸣曲式:古典主义的逻辑核心 奏鸣曲(Sonata)不仅是一种体裁,更是一种思维方式。本章详细拆解了奏鸣曲呈示部、展开部和再现部的内在逻辑,解析海顿(Joseph Haydn)如何系统化、幽默化地运用这一结构,并将其应用于交响曲的各个乐章。我们探讨了这种形式如何体现启蒙运动对理性秩序的推崇。 第五章:海顿与莫扎特:古典主义的奠基者 约瑟夫·海顿(Joseph Haydn):被称为“交响曲之父”,我们将分析他如何将乐章数量定型,并赋予管弦乐队更清晰的个性。重点探讨其晚期“伦敦交响曲”中成熟的戏剧张力与幽默感的融合。 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特(W.A. Mozart):本章侧重于莫扎特的旋律天赋与戏剧洞察力。在器乐方面,解析其钢琴协奏曲中独奏乐器与乐队之间近乎完美的对话关系。在歌剧方面,深入分析《费加罗的婚礼》和《唐璜》中,莫扎特如何通过音乐语言精准捕捉人物的心理层次,超越了传统歌剧的脸谱化处理。 第六章:贝多芬的过渡:从古典的界限到浪漫的呐喊 路德维希·范·贝多芬(Ludwig van Beethoven)是古典主义走向浪漫主义的关键枢纽。本章分析其早期作品如何恪守海顿和莫扎特的规范,而中期(如“英雄”交响曲)则如何通过主题的“发展性动机化”来拓宽奏鸣曲的边界,注入个人意志和英雄主义的叙事。我们还将探讨他的晚期作品(如第九交响曲),如何模糊体裁界限,预示了19世纪宏大叙事的趋势。 --- 第三部分:浪漫主义的激情、民族与自我表达(约1820–1900年) 浪漫主义音乐是对古典主义理性秩序的反叛,它将个人情感、对自然的崇拜、超自然现象的迷恋以及民族历史的追溯提升到核心地位。音乐的篇幅拉长,和声变得更复杂,管弦乐团的规模空前扩大。 第七章:舒伯特与舒曼:诗意的 Lieder 与内在的挣扎 本章探讨了“艺术歌曲”(Lied)在浪漫主义初期扮演的角色。弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert)如何将诗歌与音乐融为一体,通过钢琴伴奏来描绘风景、心理状态。罗伯特·舒曼(Robert Schumann)的作品则展现了更强烈的“自我”投射,分析其钢琴套曲中(如《狂欢节》)的幻想性与文学隐喻。 第八章:柏辽兹与李斯特:标题音乐与超技的展现 本部分聚焦于音乐叙事性的增强。赫克托·柏辽兹(Hector Berlioz)的《幻想交响曲》作为早期标题音乐的里程碑,我们分析了其“固定音型”(idée fixe)的使用,以及如何用管弦乐的音色来描绘病态的激情与梦境。弗朗茨·李斯特(Franz Liszt)则代表了浪漫主义的“超技”倾向,分析其钢琴作品中对炫技的需求,以及他如何发展出“交响诗”这一全新的管弦乐体裁,使音乐直接服务于文学或绘画主题。 第九章:中欧的交响史诗与歌剧的革新 我们将目光投向勃拉姆斯、瓦格纳与威尔第。 勃拉姆斯(Johannes Brahms):作为“保守的浪漫主义者”,我们分析他如何继承了贝多芬的结构严谨性,同时用厚重的和声和内省的情感来填充古典框架,尤其关注其交响曲和室内乐的深度。 理查德·瓦格纳(Richard Wagner):深入解析其“乐剧”理论,特别是“主导动机”(Leitmotif)系统在《尼伯龙根的指环》中如何构建一个庞大而互联的音乐神话。分析其对传统调性的挑战,以及对“总体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)的追求。 朱塞佩·威尔第(Giuseppe Verdi):分析其歌剧如何从早期的“复仇女神歌剧”转向后期对人物心理的深刻刻画,如《奥赛罗》中音乐如何服务于莎士比亚式的悲剧张力。 第十章:民族主义的崛起:东欧与北欧的音色探索 本章关注音乐如何成为民族身份的载体。我们将考察俄罗斯“五人团”如何从民间音乐和东正教圣歌中汲取灵感,创作出具有鲜明地域色彩的作品(如穆索尔斯基的《图画展览会》)。同时,分析德沃夏克(Antonín Dvořák)和西贝柳斯(Jean Sibelius)如何将本土的民间旋律与宏大的交响结构相结合,奠定其民族音乐学的基础。 --- 结语:通往现代的桥梁 古典音乐的这一漫长而辉煌的历程,不仅是音符和结构的演变,更是人类对自身存在、社会秩序和情感表达的持续探索。本书的结尾将简要回顾这些伟大的成就,并指出它们如何为20世纪初的音乐革新(如印象主义和无调性音乐的出现)铺平了道路。通过理解这些历史脉络,我们能更深刻地欣赏每一段旋律背后的时代精神与人文关怀。

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作为一名常年与各种古典音乐版本打交道的发烧友,我对“标准曲目”的演绎版本通常持保留态度。太多录音为了追求宏大场面而牺牲了音乐的呼吸感。然而,这张《十二首最著名的圆舞曲》却展现出了一种返璞归真的克制美学。它的录音似乎更注重乐团内部的对话,你能清晰地分辨出不同声部之间的微妙互动,小提琴的哀婉、大提琴的深沉、以及圆号的温暖包裹感,彼此交织,织成一张立体声的网。尤其值得称赞的是,演奏家们对速度的处理极其灵活,他们没有被“著名”二字所束缚,而是真正理解了圆舞曲作为一种舞蹈音乐的本质——那种起伏、那种恰到好处的停顿和再启动的力量。这张CD不是那种用来炫耀音响设备的背景音乐,它是需要你静下心来,用耳朵去“看”的艺术品,真正体会到圆舞曲如何在三拍子的限制中爆发出无限的生命力。

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最近我迷上了在家里做“主题派对”的准备工作,这次的主题定在了“老欧洲的优雅午后”。这张《十二首最著名的圆舞曲》成了我的“秘密武器”。我发现,这张专辑的特点在于它选曲的“黄金平衡点”。它既有让人耳熟能详的超级金曲,确保了气氛的即时到位,但又穿插了几首相对冷门但艺术价值极高的杰作,避免了听觉疲劳。每次播放到那些略带忧郁色彩的变奏时,我总会想象自己身处一个被夕阳染成金色的老图书馆里,空气中弥漫着旧书和皮革的味道。音轨之间的衔接处理得堪称完美,没有突兀的静默,也没有生硬的过渡,整张专辑就像是一条完整的、精心编织的音乐长廊,让人愿意一直走下去,细细品味每一个转角处的风景。

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我得承认,我买这张碟的主要目的是为了给我的小女儿找一些适合学习芭蕾基础动作的背景音乐。原本担心圆舞曲的节奏可能过于复杂,但听了之后完全放心了。这里的圆舞曲节奏稳定得惊人,那种清晰的三拍子律动简直是为初学者量身定制的节拍器。我女儿跟着这些音乐做“点滑步”时,明显比以前更自信、更到位了。不过,这张CD的魅力远不止于此,我发现自己也被那些优美的主旋律深深吸引住了。那些旋律线流畅得像是丝绸一样,毫不拖泥带水,每一句乐思的推进都自然而然,没有丝毫的刻意感。它成功地避开了许多“著名圆舞曲合集”中常见的俗套和陈腐,提供了一种既普及又高雅的听觉享受。如果你家里有正在学习舞蹈或者想培养孩子乐感的家长,请务必试试这套,它绝对能让枯燥的练习变得充满期待。

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这张CD简直是古典音乐爱好者的福音!我最近入手了这张《十二首最著名的圆舞曲》,光是听名字就让人心驰神往。我平时工作压力挺大的,下班后最喜欢的就是泡一杯热茶,窝在沙发里,让这些经典旋律将我环绕。这张专辑的选曲非常精妙,收录的都是那种一响起就能让你忍不住跟着摇摆的曲目,即便是对古典乐不太熟悉的朋友,听了也会立刻爱上圆舞曲那种优雅又略带俏皮的节奏感。音质处理得非常出色,每一个音符都清晰可辨,仿佛能闻到维也纳金色大厅里那股淡淡的香槟气味。特别是那些铜管乐器,那种饱满的张力简直要把人的心都抓住了。我特别喜欢其中几首速度稍慢的圆舞曲,它们像是温柔的月光洒在古老的公园里,让人感到无比的宁静和放松。总而言之,这是一张无论何时何地听,都能瞬间提升生活品质的宝藏唱片,强烈推荐给所有需要一点点“优雅的逃离”的现代人。

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说实话,我一开始对这个标题“5 55019 2 STRICTLY WALTZ”感到有点迷惑,但好奇心驱使我还是把它带回了家。结果,这套专辑完全超出了我的预期,它简直是一堂生动的圆舞曲发展史课。这里的编排不是那种生硬的、教科书式的排列,而是非常有层次感地展现了圆舞曲从巴洛克晚期向浪漫主义巅峰演进的过程。你可以清晰地捕捉到不同作曲家在同一舞种上留下的独特“指纹”。比如,有些曲目充满了宫廷的庄严和繁复的花腔,而另一些则明显带着民间舞曲的粗犷和热情,那种对比非常引人入胜。我特意用高保真耳机听了一遍,发现混音师对手稿的理解非常到位,他们没有过度美化,而是保留了那个时代乐器特有的“颗粒感”,这使得聆听体验更具历史厚重感,绝对不是那种被过度数字处理的平庸之作。对于想深入了解圆舞曲艺术的严肃乐迷来说,这张CD的价值是无可估量的。

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