French National Cinema (National Cinemas)

出版者:Routledge

作者:Susan Hayward

页数:416

出版时间:2005-10-12

价格:USD 140.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780415307826

具体描述

This revised and updated version of a successful and established text, French National Cinema offers a thorough and much-needed historical overview of French cinema at a time when it continues to grow in popularity with films such as Amelie and Belleville Rendez-vous. Brought wholly up to date to include political and social developments in French cinema in the 1990s, its fresh approach and groundbreaking new writing on the subject offers a much further understanding of French cinema and its relationship with the French national identity. New subjects covered include: the GATT negotiations of 1993 French cinema's increasing dependence on investment from television the rise of the multiplex the implications of the introduction of digital technology. Ideal for all students of cinema, film studies and film history, this book traces the eco-history of the French film and its key figures and movements, and it places them in their wider political and cultural context.

用户评价

这部电影研究的深度简直令人咋舌，它像是一把精密的解剖刀，深入剖析了某个特定国家电影工业的肌理。我尤其欣赏作者在探讨国家意识形态与艺术表达之间微妙张力时的那种谨慎与洞察力。读完整本书，我感觉自己不再仅仅是一个被动的观众，而是有了一套全新的理论框架去审视那些耳熟能详的经典镜头和叙事手法。作者没有简单地将民族电影视为一个铁板一块的整体，而是展现了其内部的流派纷争、地域差异以及面对全球化冲击时的自我调适过程。比如，书中对某一时期特定导演群体如何利用电影语言来回应社会剧变时的分析，那种层层递进的逻辑推演，让人不得不拍案叫绝。它不是那种浅尝辄止的“十大经典回顾”，而是真正沉浸在历史语境中，去理解“为什么是这样的故事，以这样的方式被讲述出来”。对于任何一个想要超越好莱坞叙事模式，探索世界电影多样性的人来说，这本书提供了一个极其坚实且富有启发性的起点。

坦白说，我刚翻开这本书时，内心是抱有一丝怀疑的，毕竟“国家电影”这个概念本身就带着一定的宏大叙事风险。然而，作者的行文风格却出乎意料地扎实且充满活力。它读起来更像是一系列精彩的案例分析集合，而非枯燥的学术论文。书中对几部关键性影片的场景调度、光影运用以及演员表演的细致解读，简直是电影制作人案头的必备参考书。特别是当作者讨论到特定历史时期，电影制作部门是如何在资源匮乏或审查严格的条件下，通过符号学和隐喻来传递复杂信息的技巧时，那种“化腐朽为神奇”的创造力令人肃然起敬。我发现自己不得不频繁地停下来，去重新观看那些被提及的片段，去验证作者的论断。这种能激发实际观影行为的评论，才是真正有价值的。它成功地将理论与实践的鸿沟填平了，让理论不再是空中楼阁。

读完此书，我产生了一种强烈的冲动，想要重新梳理我对“经典”的定义。作者并没有简单地罗列那些公认的杰作，而是探讨了“谁来定义经典”这一权力结构问题。书中对几次关键的电影节评审、重要的评论家圈子的变迁，以及特定政治团体对电影审查态度的历史回顾，构成了一幅关于文化霸权博弈的生动图景。这种对幕后操作和文化政治的揭露，让原本高高在上的艺术殿堂显得更加真实、也更加充满了人性的挣扎。它提醒我们，所谓的“国家电影遗产”从来不是自然形成的，而是经过无数次选择、过滤和重塑的结果。这种批判性的审视角度，使得本书的价值远超一般的电影史梳理，它更像是一部关于文化自我建构的社会学著作。

对于一个电影爱好者来说，这本书的阅读体验像是一场穿越时空的盛宴。作者的叙事节奏变化多端，时而像一位耐心的历史学家，娓娓道来; 时而又化身为一位热情的策展人，引导你走进某个特定年代的电影资料馆。最妙的是，作者在处理那些敏感的历史时期时，展现出一种罕有的平衡感，既不回避历史的沉重，也不失对艺术创造力的赞美。他巧妙地将宏大的历史叙事碎片化，然后将这些碎片重新组合成一个充满细节和人性温度的故事。这本书不是那种读完就束之高阁的工具书，它更像是一位值得反复请教的导师，每一次重读，都会从那些看似不起眼的脚注和引文中，挖掘出新的深意。它真正做到了让读者在知识获取的同时，体验到阅读的纯粹乐趣。

这本书最让我感到震撼的，是它对“声音设计”和“布景美学”在构建民族身份认同中的作用的探讨。以往的电影分析大多聚焦于剧本或导演意图，但这本书却将关注点下沉到了技术层面，这为我打开了一个全新的视角。作者笔下的电影世界，是具体的、可触摸的，充满了材质感。比如，对于特定年代建筑风格如何被镜头捕捉，进而成为一种潜意识中的集体记忆符号的分析，简直入木三分。我甚至开始思考，我们日常生活中那些习以为常的感官体验，是如何被长期浸淫的影像文化所塑造的。这种对技术细节的偏执般的关注，让整本书的论证拥有了无可辩驳的物理基础。它教会我，伟大的电影不仅仅是思想的载体，更是物质现实与集体情感交织的产物。