Film Studies

出版者:Routledge

作者:Bennett, Peter/ Hickman, Andrew/ Wall, Peter

页数:448

出版时间:2007-2

价格:$ 166.11

装帧:HRD

isbn号码:9780415365673

具体描述

Bringing together a wide array of accessible and contemporary source material, "Film Studies" is the ideal companion for students studying film studies at AS, A2 and undergraduate level. From printed media, to the views of actual individuals involved in the film-making process, the sources cover all areas to illustrate key topics in film studies. They include: academic articles; advertising; websites; interviews with directors and actors; and magazines and newspapers. With each extract introduced and contextualized by the editors, and suggestions for further activities and further reading included, "Film Studies" is the perfect resource to kick-start students' autonomy.

用户评价

这部电影研究的入门读物，对于我这个刚对电影理论产生兴趣的新手来说，简直是一场及时雨。它的结构非常清晰，从最基础的光影语言入手，层层递进地剖析了蒙太奇、景别、镜头运动这些核心概念。作者在阐述这些专业术语时，并没有陷入晦涩难懂的学术泥潭，而是大量引用了经典电影的片段进行说明，比如对希区柯克《迷魂记》中旋转镜头的分析，生动得让人仿佛置身于导演的剪辑室里，亲手操作一般。尤其让我印象深刻的是它对“作者论”的介绍，作者并没有简单地将特吕弗的理论抛出来，而是深入探讨了这种理论在不同历史时期和不同文化背景下的演变与争议，引导读者去思考：一个导演的风格究竟是天生的秉性，还是时代局限下的产物？这本书的优秀之处在于，它鼓励你带着批判性的眼光去看待每一部你熟悉的影片，不再仅仅是作为观众被动接受，而是成为一个主动的“解码者”。它成功地架起了理论与实践之间的桥梁，让那些原本遥不可及的电影术语，变得触手可及、引人入胜。我感觉自己仿佛拿到了一个万能钥匙，可以打开所有电影背后的秘密结构。

这本书的排版和视觉设计简直是教科书级别的典范，这对于一本关于视觉艺术的书来说至关重要。内页采用了大量的黑白剧照和技术示意图，图片选择的品味极高，每一张剧照都像是经过精心挑选的，绝非随意的截图堆砌，它们完美地服务于文字的论证。比如，当讨论到电影的“画幅”如何影响观众的心理感知时，书中并排展示了不同画幅的镜头截图，这种直观的对比效果，比任何纯文字的描述都要来得震撼有力。此外，书中的引文和注释系统做得非常专业，参考文献的格式统一规范，便于读者进行更深入的学术追踪。我特别欣赏作者在引用其他学者的观点时，总是会附上一段简短的背景介绍，使得即使是初次接触这些理论家的读者，也能迅速理解其思想的语境。这本书的装帧也非常考究，拿在手上很有分量感，即便是频繁翻阅查阅，纸张的质地也保持得很好，这让我愿意把它长期放在手边，随时取阅，而不是束之高阁，仅仅当作一次性的阅读材料。

坦白说，我期待这部作品能提供一些更具挑战性的、前沿的理论视角，但读完之后，感觉它更像是一本扎实的教科书，内容全面但深度上略显保守。它对各个流派——从早期表现主义到新浪潮——的梳理，无疑是详尽无遗的，就像一份完整的电影史年表，每一个重要的转折点都被精确地标记了出来。然而，对于那些已经对巴赞的真实观影理论或者德勒兹的影像哲学有所涉猎的读者来说，这些内容或许显得有些老生常谈了。我特别希望它能在媒介融合、数字技术对叙事本体论的影响等方面有更深入的探讨，毕竟我们身处的时代，电影的定义本身就在被不断地拓宽和重塑。书中对经典好莱坞叙事模式的解构虽然扎实，但缺乏对当下流媒体平台上那些反传统、碎片化叙事结构的深入分析。总的来说，它适合作为大学初年级学生的参考资料，用来打下坚实的基础无可厚非，但对于寻求突破性思考和跨学科对话的资深爱好者来说，可能会觉得意犹未尽，甚至有些意料之中。

这本书最令我惊喜的亮点，在于其对“声音设计”的重视程度远超我预期。在许多同类入门读物中，声音往往是被一带而过，仅仅被视为画面的辅助。然而，这本书用了相当大的篇幅，系统地讲解了音轨的层次、对白与音乐的互动，以及寂静作为一种叙事力量的重要性。书中对早期有声电影过渡期的分析尤为精彩，探讨了声音是如何在技术实现的同时，也深刻地改变了电影的表演模式和剪辑节奏。它不仅解释了“同期声”的出现，更深入分析了“画外音”如何构建叙事的权威性或颠覆性。作者引用了大量的案例来说明声音在构建空间感和推进角色内心世界方面的魔力，比如如何通过混响和延迟来暗示人物的精神状态，这种对听觉维度的细致考察，极大地拓宽了我对电影艺术的认知边界。读完这部分内容，我再去重看一些老电影时，会不由自主地竖起耳朵，开始辨识那些原本被我忽略的、隐藏在画面之下的听觉布局，这是一种全新的、更立体的观影体验的开启。

我必须承认，阅读过程中有好几次我差点要合上它，因为它在某些章节的处理上显得过于学院派和疏离。作者似乎更关注电影形式的纯粹分析，而较少触及电影的社会功能和意识形态批判。例如，在探讨类型片时，它详尽地分析了黑色电影的布光和对白模式，但对于这种模式是如何反映了战后美国社会的焦虑和性别政治的压抑，着墨不多。对我而言，电影研究的魅力正在于它能成为一面映照我们所处时代的镜子，而这本书的视角似乎有些“象牙塔”化了，过于专注于“如何拍”而非“为何拍”以及“拍出来后产生了什么影响”。我更偏爱那种能够将电影语言分析与文化研究、政治经济学深度结合的著作，能看到电影是如何被资本、审查制度和观众期待共同塑造的过程。这本书提供了一个非常精确的工具箱，教你如何拆解机器的零件，但很少告诉你这台机器在社会上具体是用来做什么的，以及它对周围环境造成了怎样的辐射。