American Films of the 70s

出版者:University of Texas Press

作者:Peter Lev

页数:264

出版时间:2000-06-15

价格:USD 25.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780292747166

具体描述

While the anti-establishment rebels of 1969's "Easy Rider" were morphing into the nostalgic yuppies of 1983's "The Big Chill", seventies movies brought us everything from killer sharks, blaxploitation, and teen comedies to haunting views of a divided America at war. Indeed, as Peter Lev persuasively argues in this book, the films of the 1970s constitute a kind of conversation about what American society is and should be - open, diverse, and egalitarian, or stubbornly resistant to change.Examining forty films thematically, Lev explores the conflicting visions presented within ten different film genres or subjects: Hippies ("Easy Rider", "Alice's Restaurant"); Cops ("The French Connection", "Dirty Harry"); Disasters and Conspiracies ("Jaws", "Chinatown"); End of the Sixties ("Nashville", "The Big Chill"); Art, Sex, and Hollywood ("Last Tango in Paris"); Teens ("American Graffiti", "Animal House"); War ("Patton", "Apocalypse Now"); African-Americans ("Shaft", "Superfly"); Feminisms ("An Unmarried Woman", "The China Syndrome"); and, Future Visions ("Star Wars", "Blade Runner"). As accessible to ordinary moviegoers as to film scholars, Lev's book is an essential companion to these familiar, well-loved movies. Peter Lev is Professor of Mass Communication at Towson University in Maryland.

用户评价

作为一名深度钻研特定时期电影工业运作的爱好者，我发现这本书在深入剖析行业结构转型方面的着墨尤其独到。它没有停留在对几部经典大片的肤浅赞美上，而是将视角放到了整个制片体系的瓦解与重塑之中。书中对“午夜电影”现象的讨论，那不仅仅是关于几部Cult片的介绍，而是对当时审查制度松动、地下文化兴起以及观众主体性觉醒之间复杂互动的精妙梳理。作者似乎花了大量时间去挖掘那些已经沉寂的发行公司和独立制片人的访谈记录，他们对片长、配乐乃至宣传策略的挣扎与创新，被描绘得淋漓尽致。尤其让我印象深刻的是，它讨论了好莱坞如何从传统的“制片人中心制”向“导演中心制”倾斜的权力转移过程，以及这种转移对最终银幕呈现的决定性影响。这种宏大叙事下的微观切入，提供了理解七十年代电影革命的全新维度，远超一般的影评选集所能提供的深度。

这本书的装帧设计真是让我眼前一亮，那种复古的质感，仿佛一脚就踏进了七十年代的电影院里。封面选用了一种略带颗粒感的米黄色纸张，配上那种老派的衬线字体，深沉的酒红色和墨绿色调相互交织，立刻勾勒出那个特定年代的审美趣味。内页的排版也极为考究，每一页都留有足够的呼吸空间，不是那种密密麻麻的文字堆砌，而是巧妙地将高清的剧照与论述文字穿插排布。我特别欣赏它对不同类型片视觉风格的捕捉能力，比如对新好莱坞那种粗粝、写实的摄影风格的复刻，连照片的色偏都拿捏得恰到好处，让人感觉不是在看书，而是在翻阅一份精心策划的年代档案。而且，书里收录的很多剧照都是非常罕见的幕后花絮，那些导演和演员在片场的真实状态，那种未经修饰的生命力，远比银幕上的光鲜亮丽更具吸引力。这种对细节的极致追求，让这本书不仅仅是一本电影评论集，更像是一件工艺品，光是捧在手里摩挲，都觉得是一种享受。

最让我感到惊喜的是，它对那些经常被主流历史书忽略的边缘化声音的关注。七十年代的电影，除了那些我们耳熟能详的“黄金三杰”之外，其实孕育了大量探索社会议题的先锋作品，它们可能票房不佳，但思想深度却足以震撼人心。这本书花了不小的篇幅去重新审视那些关注女性主义觉醒、种族关系紧张以及越战后遗症主题的作品。它不像很多回顾性著作那样，只是简单地将这些影片归类为“社会写实”，而是深入挖掘了它们在美学上是如何突破传统的好莱坞叙事规范的。比如，它探讨了如何通过非线性的剪辑和模糊的道德立场，来反映一个社会在价值体系崩塌时的真实困境。这种对“遗珠”的挖掘和重新定位，极大地丰富了我对那个十年电影图景的理解，让我看到了一个远比教科书上描绘的更复杂、更具争议性的艺术领域。

读完这本书，我最大的感受是它成功地构建了一种“时代情绪”的氛围。七十年代的美国电影，弥漫着一种集体性的焦虑、怀疑和对权威的彻底不信任。这本书不是简单地罗列事件，而是通过对大量电影文本的细致解读，将这种弥漫在社会空气中的不安情绪，具象化为银幕上的光影、对白和人物的命运走向。它清晰地展示了，为什么那个年代的英雄不再是高大全的，而是充满了缺陷、道德模糊，甚至走向毁灭。书中对几部标志性公路电影的分析尤为到位，它将那种“在路上却找不到方向”的迷茫感，与当时美国社会普遍存在的身份认同危机紧密联系起来。这使得阅读过程不仅仅是知识的获取，更像是一次深度的情感共鸣，仿佛重新体验了一遍那个动荡不安却又充满创作活力的十年，让人在掩卷之后，依然能感受到那种时代特有的躁动与反思的余温。

这本书的语言风格简直就是一股清流，带着一种老派知识分子的那种特有的冷静和犀利，但又不失对电影艺术本能的热情。它没有那种故作高深的学院派术语滥用，而是用非常精准和富有画面感的词汇来解构复杂的电影语言。例如，在分析某部反英雄题材影片的心理深度时，作者会毫不犹豫地指出其叙事上的瑕疵，但紧接着又能立刻以一种近乎诗意的笔触，去赞颂某一帧画面中光影的绝妙配合。这种评价的张弛有度，使得阅读体验非常流畅，你不会觉得被学术的重压压垮，反而更像是与一位博学健谈的影评人并肩坐在老式沙发上，就着一杯威士忌，畅聊光影世界的兴衰。它对特定导演的个人气质的捕捉，比如对某位大师标志性运镜手法的描述，简直是妙笔生花，让人忍不住想立刻重温那些影片，去寻找那些被文字精准点出的细节。