Screenplay Workbook

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出版者:Lone Eagle
作者:Jeremy Robinson
出品人:
页数:208
译者:
出版时间:2003-10-1
价格:USD 18.95
装帧:Paperback
isbn号码:9781580650533
丛书系列:
图书标签:
  • 非虚构
  • <美国>
  • #电影
  • 剧本写作
  • 电影剧本
  • 编剧技巧
  • 电影制作
  • 创意写作
  • 故事创作
  • 电影行业
  • 影视剧本
  • 写作指南
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具体描述

《灯光、摄影、动作:电影制作的幕后艺术》 深入解析电影工业的每一个环节,从概念的诞生到最终的银幕呈现。 本书并非一本教授剧本写作技巧的工具书,而是旨在为电影爱好者、影视专业学生以及渴望了解电影制作全貌的业内人士,提供一份详尽的、跨越艺术与技术的综合指南。我们拒绝聚焦于特定的剧本结构公式,转而深入探讨支撑一部伟大电影得以诞生的宏大机制。 第一部分:构思与概念的熔炉——从火花到蓝图 电影的诞生始于一个模糊的念头,但将其塑造成可执行的蓝图,需要严谨的开发流程。本部分将详细剖析电影概念的早期孵化过程。 1. 市场调研与项目可行性分析: 在创意与商业的交汇点上,如何评估一个故事的市场潜力?我们将探讨类型片定位、目标观众画像的界定,以及预算与回报预期的初步平衡。这不是关于“剧本该怎么写”的指导,而是关于“这个故事是否值得被制作”的商业逻辑剖析。 2. 概念视觉化(Lookbook与Mood Board的构建): 优秀的概念需要一套视觉语言来传达其基调和美学追求。本章细致拆解如何通过情绪板、色彩理论、历史参考和摄影风格的预设,为制片方和导演提供一个清晰的、非文字性的视觉方向。 3. IP的开发与改编的艺术: 无论是文学作品、真实事件还是现有IP的再利用,改编过程涉及复杂的版权谈判、叙事重构与核心精神的保留。我们将分析成功改编案例中,制片方如何平衡原作忠诚度与电影媒介的适应性。 第二部分:制作的核心——人员、流程与技术管线 一部电影的成功,是数百个部门紧密协作的成果。本部分将聚焦于制作管理和技术执行层面,展示决策链如何运转。 1. 制片管理与预算控制: 从前期筹备到后期结算,制片人如何成为创意的守护者和资金的管理者?我们将详述不同规模制作的预算编制方法,超支风险的预警机制,以及跨国合拍中的税务与法律考量。 2. 选角策略与演员管理: 选角不仅仅是找到符合角色的演员,更是一项复杂的心理学和战略部署。本章探讨如何根据角色的银幕化学反应、档期协调以及国际发行潜力来制定选角策略。同时,涉及现场调度、演员支持系统(如私人助理、表演教练)的有效管理。 3. 场景设计与美术部门的协同: 电影世界观的构建,美工部门扮演了关键角色。我们将深入探讨场景设计师如何解读概念,进行空间规划、材料选择,以及如何与灯光、摄影部门进行无缝对接,以确保场景的叙事功能与美学表达高度统一。 第三部分:光影的魔术——摄影、灯光与声音的设计 电影语言的精髓在于其感官体验的综合运用。本部分侧重于技术部门如何通过精妙的控制来影响观众的情绪和认知。 1. 摄影指导(DP)的视觉语言: 探讨焦距选择、景深控制、运动镜头设计(跟拍、摇摄、斯坦尼康)如何服务于叙事节奏。我们将对比不同摄影机系统(胶片、数字高帧率)的特性及其对最终画面的影响。这不是教授如何打光,而是分析光线如何被用作情感的放大器。 2. 灯光艺术的层次构建: 从古典好莱坞的“三点布光法”到现代数字调光系统的应用,灯光如何定义人物的心境、空间深度和时间流逝?本章分析了自然光模拟、高对比度与低对比度布光在不同类型片中的应用案例。 3. 声音设计与后期混音的隐形力量: 声音往往被忽视,却是影响沉浸感的关键。本部分将解析同期录音的重要性、环境音(Ambiance)的采集与构建,以及混音师如何通过音量、频率和空间感来引导观众的注意力,使环境音、拟音和对白完美融合。 第四部分:后期的炼金术——剪辑、调色与发行策略 制作完成不意味着终点,后期流程是赋予素材生命力的最后阶段。 1. 剪辑的节奏掌控与叙事重塑: 剪辑师不仅仅是素材的排列者,更是故事的二次创作者。我们将分析非线性叙事结构的处理、蒙太奇手法的演变,以及如何通过对“跳切”和“长镜头”的选择来操纵时间的感知。 2. 数字调色(Color Grading)的美学统一: 调色是如何将所有分散的拍摄片段统一在一个视觉基调之下的?本章将研究不同色彩倾向(冷色调的疏离感、暖色调的亲密感)对观众心理的影响,以及LUTS(查找表)在快速制作流程中的应用与风险。 3. 发行与营销:从影院到流媒体的生态位: 电影制作的最终目标是到达观众。本部分将探讨电影节策略、预告片的构建艺术、全球分销的窗口期管理,以及流媒体平台对电影投资和内容创作的反向驱动力。我们将审视发行商如何基于前期测试反馈来调整营销侧重点,确保作品能精准触达其核心受众。 总结: 《灯光、摄影、动作:电影制作的幕后艺术》提供了一个宏观的视角,聚焦于电影工业的结构性运作、技术决策链条以及艺术表达的物质基础。它旨在培养读者对电影制作全景的系统性理解,而非局限于单个元素的孤立技巧。通过对每一个关键角色的职能和流程的透彻解析,本书帮助读者构建起一个清晰、完整的电影工业操作模型。

作者简介

杰里米·鲁滨逊,国际知名畅销书作家,出版了50余部小说,作品长居美国亚马逊网站畅销书榜首,其中包括著名的“杰克·西格勒”(Jack Sigler)系列惊悚小说(将改编为电视剧)和“天谴计划”(Project Nemesis)系列漫画等,此外还撰写了十几部电影剧本。若想了解更多个人信息与作品,请访问网站:http://bewareofmonsters.com。

汤姆·蒙戈万,知名作家,创作了29本超现实主义诗集以及多部戏剧剧本、喜剧剧本,还运营一家数字图形制作公司。

曹琳琪,香港理工大学设计学硕士,中国传媒大学广告设计学、广播电视编导双学位学士。热爱电影,对于写故事/情境充满好奇与研究兴趣,喜欢深度挖掘故事背后的原因。现主要从事设计研究工作。

目录信息

读后感

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第一次翻开《打草稿》的时候,感觉这本书简直是新编剧与规范剧本写作的福音。这本书的内容,几乎涵盖了这几年来我写剧本所做的全部案头工作,清晰而有条理。《打草稿》就像电影里警察探案时的马赛克墙,贴满照片和线索,它可以帮助编剧在写作过程中把故事重要的结构、情节、人...  

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1. 大学还未毕业,我就踏上了编剧这条不归路。 从开始用小说思维创作,到之后被罗伯特·麦基的《故事》和《救猫咪》系列编剧书所指引,慢慢才有了编剧思维。 编剧思维和小说思维最大的不同,大概是编剧追求镜头感,只写眼见的和听到的,绝不能写心理活动,叙事要求逻辑性,...  

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不得不说这是一本奇书。 我给它定义为,超实用的写作工具书。 选择这本书完全是出于标题下面的一行小字——编剧思维训练表,而非打草稿这三个字,却没想到文如其名,真的是一本草稿书。 我能对这本书产生兴趣,最大的原因是在这之前,刚好看了罗伯特・麦基的《故事》。麦基的...  

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每个人心中都有武侠梦和主角梦,都希望自己能够成为电影的主角。包括我自己,也都做过这样的梦。在电影行业繁荣昌盛的今天,IP市场的异常火爆,使得梦想成真变得触手可及。曾经也跃跃欲试,想把自己的梦表达出来。但是,不懂方法、没有理论、缺少技巧等等,成为阻碍梦想走进现...

用户评价

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我已经很久没有遇到一本能让我产生如此强烈“我必须马上动笔”冲动的书了。这本书的语调是极其鼓舞人心的,它不像很多成功学书籍那样空洞地喊口号,而是通过一个个真实案例的剖析,让你看到那些伟大的剧本是如何从一个不完美的草稿,通过层层打磨最终诞生的。它非常坦诚地讨论了“重写”的痛苦和必要性,并提供了一套非常实用的、分阶段的修改策略——从宏观结构调整到微观标点符号的斟酌,都有涉及。对我最大的启发是它对“主题”的处理。很多时候,我们写了故事,但主题模糊不清。这本书教我们如何将作品的核心思想,像一条无形的丝线一样,精准地穿过每一个场景和角色的抉择之中,让主题自然而然地浮现出来,而不是生硬地灌输给观众。读完合上书本的那一刻,我立即回去翻开了我尘封已久的项目,感觉思路豁然开朗,好像突然拿到了解锁所有谜题的万能钥匙。

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天哪,我最近才读完《剧本创作实战手册》,简直是为我这种写剧本写到卡壳的菜鸟量身定做的!这本书简直是把剧本创作的复杂流程拆解得清清楚楚,读起来完全没有那种枯燥感。它不像那些晦涩难懂的理论书籍,而是充满了实用的技巧和立即可用的工具。我特别喜欢它在角色发展部分的处理方式,不仅仅是告诉你“要有深度”,而是给了一整套构建角色背景、动机和内心冲突的详细步骤。每次我写到一半感觉角色脸谱化的时候,翻开这本书,总能找到新的灵感来打磨他们。更别提它对场景调度和对话节奏的讲解了,简直是舞台导演看了都要点赞的级别。我感觉自己就像是突然拥有了一个私人导师,随时随地都能提供指导。这本书对我最大的帮助是,它让我不再害怕空白的页面,因为它教会了我如何系统地规划整个故事的骨架,让我的创作过程变得更加有条理和自信。我强烈推荐给所有想把脑子里的故事搬上银幕的人。

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这本书最让人惊喜的地方在于它对“市场性”和“艺术性”平衡的探讨。很多写作指南要么过于艺术化,写出来的东西脱离了实际制作的可行性;要么过于商业化,导致作品缺乏灵魂。而这本书巧妙地找到了那个黄金分割点。它没有回避商业片中的常见桥段,而是教你如何用更精妙的方式去处理它们,让老套路焕发新生。我记得有一章专门讲如何写出令人信服的反派,它不仅分析了反派的动机,还探讨了在预算和篇幅限制下,如何通过有限的场景来最大化地展示反派的威胁性。这对于我们这些独立制片人来说,简直是救命稻草。它让我们明白,一个好故事不一定需要宏大的特效场面,而在于它能否在最紧凑的框架内,爆发出最强烈的情感张力。我感觉自己现在看电影的眼光都变了,总是不自觉地去分析导演是如何运用这本书里教的技巧来处理特定镜头的。

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老实说,当我看到这本书的厚度时,心里是有点打鼓的,我担心内容会过于泛泛而谈。结果我大错特错!它在处理结构方面简直是教科书级别的示范,但请注意,我说的是“示范”,而不是“照搬”。它详细分析了各种经典叙事结构——从三幕式到英雄之旅,甚至还探讨了非线性叙事的风险与回报。更难能可贵的是,它鼓励读者去“解构”和“重塑”,而不是盲目地遵循某种模板。对我这种喜欢尝试新颖故事形式的作者来说,这提供了极大的自由度。我尤其欣赏它关于“展示而非告知”(Show, Don't Tell)的讨论,它不是简单地重复这句老话,而是提供了具体到镜头语言和动作设计的指导,让你知道如何用画面而非冗长的独白来推进情节。看完后,我回去重读了我自己写的一些场景,发现自己过去犯了太多用对话来解释背景的低级错误。这本书简直是打开了我视觉叙事的大门,让我从一个纯粹的文字写作者,开始尝试用镜头思考。

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这本书的排版和设计简直太棒了,那种拿在手里的质感和翻页的触感,都让人心情愉悦,完全不是那种让人望而生畏的“专业教材”。我以前买过好几本同类的书,结果都是翻两页就束之高阁了,因为里面充斥着大量我根本用不上的行业术语和学院派的陈词滥调。但这本书完全不同,它仿佛是用一种极其口语化、甚至带着点幽默感的语气在跟你聊天,跟你分享经验。特别值得称赞的是它对“冲突”的阐述,它没有停留在“主角必须与反派对抗”这么肤浅的层面,而是深入挖掘了内在冲突、道德困境以及环境压力如何共同作用,编织出引人入胜的故事线。我花了整整一个周末,边读边在笔记本上实践书中的练习题,效果立竿见影。我的一个短片剧本,以前总觉得后劲不足,读完这本书后,我重新审视了第三幕的转折点,立刻找到了那个缺失的情感冲击力。这本书,说实话,比我参加的任何一次昂贵的工作坊都要实在。

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