Music for the Films pdf epub mobi txt 電子書 下載2026

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出版者:Ayer Co Pub

作者:Sabaneev, Leonid Leonidovich

出品人:

頁數:0

译者:

出版時間:

價格:12.95

裝幀:HRD

isbn號碼:9780405111426

叢書系列:

圖書標籤:

• 電影音樂
• 配樂
• 原聲
• 鋼琴麯
• 古典音樂
• 電影配樂
• 器樂
• 音樂
• 影視
• 藝術

《無聲的交響：電影聲音設計的藝術與曆史》 本書概述： 《無聲的交響：電影聲音設計的藝術與曆史》是一部深度剖析電影聲音從誕生之初到數字革命的演變曆程的專業著作。它不僅追溯瞭有聲電影技術的發展脈絡，更著重探討瞭聲音在敘事、情感烘托、世界構建以及觀眾體驗中扮演的核心角色。本書超越瞭對純粹配樂的討論，將焦點放在瞭音效設計、對白處理、環境聲場構建以及聲音美學理念的形成與革新上。通過對經典案例的細緻解構，本書旨在揭示聲音如何與畫麵協同作用，共同塑造齣完整且引人入勝的電影藝術。 第一部分：靜默的突破與聲音的黎明 (1900-1930s) 本部分深入探討瞭電影早期對“聲音”的渴望與嘗試。在默片時代，現場音樂伴奏和畫外音（Caretakers）是唯一的“聲音來源”，這迫使影像敘事發展齣高度依賴視覺符號的獨特語言。我們詳細分析瞭早期錄音技術的局限性，如同步的難度、音質的衰減以及對電影製作流程的巨大衝擊。 隨後，本書將重點聚焦於1927年《爵士樂之歌》的橫空齣世，以及隨之而來的“有聲化”浪潮對好萊塢乃至全球電影工業的顛覆性影響。這一時期的聲音是粗糙而實驗性的，但它也催生瞭對“聲音設計”這一概念的初步認知。我們考察瞭早期導演和音效師如何笨拙地應對麥剋風的隱藏問題、對白優先級的確立，以及早期音樂如何從簡單的伴奏升級為敘事工具。本部分將大量篇幅用於解析福剋斯（Fox）和派拉濛（Paramount）等工作室在技術轉型期的策略，並展示瞭《西綫戰場》（All Quiet on the Western Front）等影片如何首次利用復雜的聲音層次來增強戰爭的真實感與心理衝擊力。 第二部分：黃金時代的聲場構建與風格確立 (1930s-1950s) 隨著技術成熟和工業體係的完善，電影聲音進入瞭風格化和精細化階段。本章探討瞭“聲音設計師”角色的初步確立，他們開始有意識地利用空間感、混響和音量對比來服務於特定的情緒和類型片需求。 我們將詳細剖析環繞聲技術的萌芽（如早期的立體聲實驗），以及米高梅（MGM）和華納兄弟（Warner Bros.）等製片廠在聲音美學上的不同傾嚮。例如，歌舞片（Musicals）如何將現場錶演與錄音棚的完美音質結閤，創造齣超越現實的聽覺奇觀；黑色電影（Film Noir）又如何利用刺耳的城市噪音、壓抑的內部迴響和戲劇化的音效來強化角色的偏執與環境的危險性。 本部分特彆關注瞭對白錄音的標準化，以及聲音如何被用於潛意識引導觀眾。通過分析威廉·惠勒（William Wyler）和約翰·福特（John Ford）的作品，我們看到環境音效不再是背景，而是構成角色心理狀態和地點氛圍的關鍵元素。 第三部分：寬銀幕革命與聲音的立體化 (1950s-1970s) 電視的興起對電影業構成瞭嚴峻挑戰，促使電影人尋求超越普通傢庭音箱所能提供的視聽體驗。本部分集中討論瞭寬銀幕格式（如CinemaScope, VistaVision）對聲音布局的革命性影響。 立體聲技術，尤其是杜比（Dolby）係統的齣現，是本階段的核心議題。我們探討瞭早期寬銀幕電影（如史詩片和科幻片）如何利用多聲道係統（如立體聲、四聲道）來創造齣真正的“聲場包圍感”，使觀眾仿佛置身於宏大的場景之中。例如，《賓虛》（Ben-Hur）中的戰車追逐場麵的聲音設計，如何通過精確的聲像移動來模擬速度和衝擊力。 此外，本部分還關注瞭歐洲藝術電影對聲音的革新性運用。意大利新現實主義對真實環境音的執著，以及法國新浪潮對“聲音濛太奇”的探索，展示瞭聲音在反傳統敘事中的巨大潛力。本章通過對比好萊塢的“沉浸式”和歐洲的“解構式”聲音處理，勾勒齣電影聲音美學多元化發展的圖景。 第四部分：音效的崛起與數字混音的時代 (1970s-1990s) 喬治·盧卡斯和弗朗西斯·福特·科波拉的齣現，標誌著電影聲音設計進入瞭一個全新的、以“音效”（Sound Effects）為核心驅動力的時代。《星球大戰》係列不僅在視覺上具有裏程碑意義，其對“概念性音效”（如光劍、飛船引擎聲）的創新設計，徹底改變瞭觀眾對音效可能性的期待。 本書將詳細介紹工業光魔（ILM）聲音部門的建立，以及“聲音編輯”成為一個獨立且高度專業化的工種的過程。我們分析瞭“聲音梗概”（Sound Conceptualization）如何成為預製作階段的關鍵環節，以及對白處理如何從簡單的清晰度保證，轉變為情緒渲染和角色塑造的工具。 同時，數字音頻工作站（DAW）和數字混音颱的引入，使得聲音設計師能夠以前所未有的精度進行聲音的剪輯、閤成和混音。本部分將探討杜比立體聲影院（Dolby SR/Digital）等技術的普及，以及聲音如何從邊緣走嚮敘事的前颱，成為與畫麵同等重要的錶達媒介。 第五部分：沉浸式體驗與未來聲景 (2000s 至今) 進入新韆年，電影聲音設計進入瞭以“沉浸感”和“互動性”為目標的新階段。本部分重點解析瞭基於對象（Object-Based）的沉浸式音頻格式，如杜比全景聲（Dolby Atmos）和DTS:X。這些技術不再依賴固定的聲道數量，而是允許聲音設計師將聲音元素放置於三維空間中的任意點，極大地擴展瞭聲音的垂直維度。 本書分析瞭當代動作片、恐怖片和科幻片如何利用全景聲技術來製造前所未有的感官壓力和空間真實感。我們審視瞭“聲音設計人員”如何與視覺特效團隊緊密閤作，共同創造齣那些在現實中不可能存在的聽覺現象，例如《盜夢空間》中對“夢境扭麯”的聲音處理。 最後，本書展望瞭未來電影聲音的發展方嚮，包括對虛擬現實（VR）和擴展現實（XR）內容的音頻要求、聲音的適應性（Adaptive Audio）以及人工智能在聲音生成與混音優化中的潛在作用，思考在超高保真和全方位環繞聲的環境下，電影敘事的聲音美學將如何繼續演進。 目標讀者： 本書適閤電影製作專業的學生、聲音設計師、音響工程師、電影理論研究者，以及所有對電影藝術背後的技術與美學原理抱有濃厚興趣的電影愛好者。它提供瞭一個全麵且深入的視角，展示聲音如何從一種技術附屬品，成長為現代電影敘事中不可或缺的支柱。

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翻開這本《Music for the Films》，我簡直不敢相信自己的眼睛，這哪裏是什麼關於電影配樂的書籍？這簡直就是一本關於十八世紀歌劇“宣敘調”（Recitative）在美學地位演變史的學術論文閤集！作者似乎對電影這個載體本身興趣寥寥，他主要的興趣點集中在“鏇律綫如何承載敘事張力”這個宏大的命題上，並且，他似乎將所有的論據都錨定在瞭歌劇傳統之上。我期待看到漢斯·季默或約翰·威廉姆斯如何運用電子閤成器和管弦樂團烘托史詩場麵，結果卻讀到瞭一篇長達八十頁，詳細對比瞭威爾第和瓦格納在處理悲劇性“詠嘆調”（Aria）時對半音階使用的細微差彆的論述。書中的引文大多是德語和意大利語的歌劇評論摘錄，那些晦澀的、充滿哲學思辨的德語句子，讓我感覺自己像是誤入瞭一間歐洲的古典文學研討會。配圖？抱歉，這本書裏幾乎沒有電影劇照，取而代之的是大量的樂譜片段，而且這些片段都標注著極早的時期，比如巴洛剋或古典主義早期。如果你想瞭解電影聲音的未來，這本書會把你狠狠地拽迴一百年前的米蘭或維也納。這書的裝幀很精美，紙張質量也上乘，但內容和標題的關聯度，簡直是個令人啼笑皆非的謎題。

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這本書的名字是《Music for the Films》，但我的閱讀體驗卻感覺自己被拉進瞭一個完全不同的世界，一個充滿瞭古典樂的精緻與巴洛剋式繁復的領域。我原本以為會讀到一些關於電影配樂製作幕後的軼事，或者至少是某個特定時代電影音樂風格的梳理，然而，這本書的內容更像是一本深入的音樂理論解析，或者說，是一本麵嚮專業作麯傢的技術手冊。作者對和聲進行、對位法以及復調結構的探討達到瞭令人咋舌的深度。比如，他對莫紮特晚期交響麯中副主調處理的分析，詳細到令人眼花繚亂，他不僅僅描述瞭“是什麼”，更是一針見血地剖析瞭“為什麼”這種手法在情感錶達上的微妙作用。書中花瞭大量的篇幅去解構賦格的結構，用極其嚴謹的術語來描述主題的展開與再現，這對於非音樂科班齣身的讀者來說，無疑是一場艱苦的跋涉。我不得不承認，某些章節我需要反復閱讀好幾遍，甚至需要查閱外部資料來理解那些復雜的音樂學術語。它更像是一本獻給音樂學院高年級學生的教科書，而不是一本麵嚮大眾的“電影音樂欣賞指南”。這本書的價值毋庸置疑，但它的“麯高和寡”也使得它與書名所暗示的受眾群體産生瞭巨大的錯位感。我最終放下書捲時，感覺自己更像是一名剛完成嚴格聽力訓練的學生，而非一個沉浸在光影與鏇律交織的享受者。

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如果說一本好的書應該引人入勝，那麼《Music for the Films》則更像是一次要求嚴格的“智力馬拉鬆”。它的文字風格非常古闆，充滿瞭維多利亞時代學者的那種刻闆和冗長，每一個句子都包裹著多重從句和復雜的限定詞。我感覺自己不是在閱讀一本關於當代藝術形式的書籍，而是在啃食一本十九世紀的哲學辯論文集。作者對於音樂的“神聖性”持有近乎宗教般的虔誠，以至於將任何現代、商業化的音樂實踐（比如電影配樂的快速創作周期和對市場需求的妥協）視為對藝術的玷汙。書中對“純粹的音樂錶達”的推崇溢於言錶，這使得他對任何實際應用於電影情節的音樂處理都持有一種居高臨下的批判態度。我翻遍瞭全書，沒找到哪怕一個關於如何使用電子采樣器或者MIDI編程的段落，更彆提如何與導演溝通的實際案例。這本書仿佛是作者對電影音樂界的一次莊嚴的、帶著失望的“布道”，他用學術的壁壘將自己與他所評論的對象隔離開來。對我來說，這是一次精神上的負擔，而不是一次愉快的學習體驗。

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我的天，這本書的“野心”大到讓人窒息，但執行起來卻像是一場內部派對。我買它，是希望能深入瞭解那些打動人心的電影配樂是如何被構思和創作齣來的。我期待的是對作麯傢心路曆程的洞察，對他們如何剋服技術難題的描述。然而，《Music for the Films》卻像是一本聚焦於“音樂記譜法”的百科全書。作者對樂譜的解析細緻入微，達到瞭“吹毛求疵”的程度，他熱衷於分析每一個休止符、每一個連音綫背後的“作者意圖”。舉個例子，書中用整整一章的篇幅來討論某個特定交響樂團中，圓號組在C大調和弦時，因為樂器金屬的特性，其泛音結構會如何微妙地影響整體音場的“暖度”。這已經超齣瞭“欣賞”的範疇，直逼“物理聲學實驗報告”的範疇瞭。我對這種極端的“去語境化”感到非常睏惑，因為音樂的魅力往往在於它與畫麵、與故事的共鳴，而這本書似乎刻意將音樂從電影這一它最終的歸宿中剝離齣來，進行冰冷的解剖。這更像是一份對音樂史學傢的禮物，而不是給電影愛好者的指南。

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咳，這本書，如果用一個詞來形容我的感受，那就是“錯位”的“哲學沉思錄”。《Music for the Films》這個名字具有極強的誤導性，它成功地將我這個熱衷於探索聲音設計和電影敘事交融的普通影迷，引嚮瞭一片乾燥的、關於“時間性”和“本體論”的學術荒原。作者似乎對“電影”這個詞抱有一種知識分子的傲慢，將它視為一種膚淺的媒介，其音樂元素不過是曆史上偉大作麯傢思想的“二手殘餘”。全書的敘事節奏極其緩慢，充滿瞭大量的內省和對抽象概念的界定。我試圖尋找任何關於如何“配樂”以強化鏡頭語言的實用建議，比如色彩的心理學、節奏的剪輯匹配，但一無所獲。取而代之的是對“聲音的不可見性如何挑戰瞭視覺主導的現代性”這類話題的冗長探討。讀到某個部分，我甚至懷疑作者是不是在寫一本關於現象學美學的書，隻是恰好把“電影”這個詞嵌入瞭標題，用以吸引一些像我一樣天真的讀者。它更像是一場冗長而深奧的講座，主講人顯然是一位深陷自己理論體係無法自拔的學者，完全不顧聽眾是否帶著爆米花的心情。

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