Progressive Blues Lead Guitar Technique pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Koala Music Publications

作者:Peter Gelling

出品人:

页数:88

译者:

出版时间:1990-12-31

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781875726462

丛书系列:

图书标签:

Blues
Guitar
Lead
Technique
Progressive
Music
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具体描述

好的，这是一本关于现代音乐理论与作曲技法的图书简介，完全不涉及任何与《Progressive Blues Lead Guitar Technique》相关的内容。 --- 《和声的迷宫：二十一世纪音乐语汇与结构构建》内容提要《和声的迷宫：二十一世纪音乐语汇与结构构建》是一部深度探索当代音乐理论、复杂和声系统以及音乐结构设计的前沿学术专著。本书旨在为严肃的作曲家、音乐学研究者以及渴望突破传统和声框架的高级学习者提供一套详尽的、可操作的分析工具与创作范式。本书摒弃了对传统功能和声的简单复述，而是将焦点置于二十世纪中叶至今，尤其是在后调性时期、极简主义、序列主义、声场音乐（Spectralism）以及新浪潮音乐（New Wave of Tonality）中涌现出的核心和声概念。全书结构严谨，逻辑清晰，以递进的方式剖析了从拓展的音高集合理论到非线性时间结构的构建策略。第一部分：后调性语汇的解构与重塑本部分首先对二十世纪初瓦解传统调性系统的关键理论进行了深入的梳理。我们不再将“调性”视为唯一的组织原则，而是将其视为一个可供选择的元素。 1. 音高集合理论的再认识：本书详细阐述了艾伦·福特（Allen Forte）的音高集合理论在当代分析中的局限性与适用范围。重点探讨了基于集合类（Set Class）的非等级和声关系构建，如何通过“组合”（Combination）和“等效”（Equivalence）原则来定义新的和声功能，而非依赖于传统的根音与三度音叠置。 2. 十二音技法的新发展：舍恩伯格的十二音体系在实践中常被简化为序列的排列。本书则着重分析了韦伯恩后期作品中对“间隔等级”（Interval Class Vectors）的精细控制，以及德彪西后期作品中“全音阶”与“五度集合”的交织对和声色彩的渗透作用。我们探讨了如何运用“片段化序列”（Fragmented Series）来生成具有内在联系的半音阶织体，避免了序列主义僵硬的宿命感。 3. 微音程与音高层次：引入了对非十二平均律体系的考察，特别是对四分之一音（Quarter Tones）和更细微音程（Microtones）的感知实验。通过分析一些实验音乐家的作品，展示了如何利用音高层次（Pitch Hierarchy）的微小波动来创造一种“漂浮”或“不稳定”的听觉体验，这对于拓宽现代电子音乐的音色库具有重要意义。第二部分：宏观结构与时间维度和声的意义往往与它在时间轴上的展开方式密不可分。第二部分将视角从单个和弦的内部结构提升到乐曲的整体架构。 1. 极简主义的节奏与动态和声：我们仔细分析了莱利（Reich）和格拉斯（Glass）作品中通过相位差（Phase Shifting）和细微的材料迭代所产生的“动态和声”（Kinetic Harmony）。这种和声不是通过垂直叠加来丰富，而是通过节奏的相对运动来暗示色彩的变化。书中提供了一套矩阵分析法，用于量化节奏驱动下的和声“漂移”程度。 2. 序列主义中的多维结构：超越了简单的音高序列，本章探讨了如何构建“多序列系统”，即将节奏、力度、音色同时纳入一个统一的生成矩阵。重点解析了布列兹（Boulez）在《无主之锤》中对复杂时间网格的运用，并提供了如何将这种思想应用于更易于演奏和理解的当代室内乐中的设计蓝图。 3. 声场音乐（Spectralism）的声学基础：声场音乐的核心在于将声音的内部结构（泛音列）转化为宏观的和声结构。本书详尽介绍了傅里叶分析在音乐创作中的实际应用，例如如何“拉伸”或“压缩”特定的泛音成分来生成具有特定音质的“和弦簇”（Chordal Clusters）。我们提供了从声谱图到实际记谱的转化流程，帮助读者理解如何将纯粹的物理声学转化为可感知的音乐形态。第三部分：新浪潮调性的辩证法在后现代的语境下，调性并未完全消失，而是以一种更加复杂、更具选择性的方式回归。第三部分关注如何在一个非功能性的框架内，重新引入具有指向性的和声语言。 1. “锚定音”与“色彩调性”：本书提出了一种“色彩调性”（Chromatic Tonality）的概念，其中不存在传统的属-主关系，但存在一个持续被强调或作为“锚定音”（Anchor Tone）的音高。这个音高通过其周围和声的色彩变化来赋予乐曲以方向感，而非传统的调性中心。 2. 模态重构与集合的转换：探讨了如何从现有的音高集合中，通过系统性的升降（Transposition）或集合变换，提取出全新的调式（Modes）。这与传统乐理中仅限于七声音阶的调式运用不同，它允许我们基于任何大小的音高集合来生成独特的“人造调式”，并赋予其明确的听觉特征。 3. 动机性织体与和声的生命周期：最后，本书强调了动机（Motive）在定义和声发展中的关键作用。一个精心设计的动机，通过其内部音程关系的不断微小扭曲和扩展，可以自动生成连贯且复杂的和声织体，从而使作品的结构与其最小的单元之间形成一种“有机体”式的联系。目标读者与价值本书的深度和广度要求读者具备扎实的音乐基础知识，包括对传统对位法和功能和声的理解。它不是为初学者准备的入门指南，而是为寻求突破和创新的专业人士准备的“工具箱”。通过阅读本书，您将获得：分析能力：能够解构二十世纪后半叶至今最复杂的音乐作品的深层结构。创作工具：一套经过验证的、可应用于当代音乐创作的创新和声与结构技术。理论视野：对音乐理论前沿的把握，理解声音的物理特性如何影响美学表达。《和声的迷宫》将带领您穿越音高、节奏和时间构建的复杂网络，挑战您对“音乐是什么”的既有认知，最终引导您构建属于您自己的、具有时代精神的音乐语汇。 ---

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

Progressive Blues Lead Guitar Technique是一本非常好的书，非常的全面，实际，现在准备重新弹一遍，可惜我当年买的是蓝摇磁带版的，磁带找不到了…有些细节实在是很晕，只能自己推敲，另外我之前的这个还是英文版的，很多看不懂···…请问在哪里可以买到新版的书，有音频的...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和内容的组织方式，充分体现了对学习者体验的尊重。虽然内容深度毋庸置疑，但其呈现方式却出奇地清晰和直观。作者非常懂得如何通过视觉化的方式来辅助学习复杂的乐理概念。比如，在讲解布鲁斯即兴中的“借用音”（Borrowed Notes）时，书中使用了非常独特的和弦图示和音阶叠加图，将原本抽象的和声概念变得一目了然。我过去在其他教材中遇到的关于和声色彩变化的困惑，在这本书中得到了极大的解答。特别是关于如何在高难度的十二小节布鲁斯进行中，加入更丰富的三和弦色彩和七和弦的扩展音，书中的示例不仅好听，而且逻辑严谨，每一步的动机都解释得清清楚楚，让你明白“为什么要在这里弹这个音”，而不是单纯地记忆一个音符位置。这种“知其然且知其所以然”的教学模式，极大地提高了我的学习效率和内化程度。对于那些希望系统性地从“凭感觉弹”过渡到“有意识地构建音乐语言”的进阶学习者而言，这本书无疑是提供了一张清晰的路线图，让我确信，我的布鲁斯之旅将不再是盲目的探索，而是有目的的精进。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我本来有点担心它会过于学院派或枯燥，毕竟“技术”这两个字听起来就带着一股刻板的味道。然而，翻开内页后，我立刻被那种扑面而来的“现场感”所吸引。作者的叙事方式极其接地气，他不是在教你如何通过考试，而是在教你如何点燃观众的热情。书中穿插的大量历史案例分析和录音片段的结构拆解，简直是艺术品级别的讲解。比如，关于如何在高把位上进行强劲的颤音扫弦，书中不仅给出了指法图，还配上了当时录音的波形图分析，直观地展示了音高变化和时值的微小偏差是如何共同作用，创造出那种令人毛骨悚然的“抓耳”效果。我以前总觉得一些高难度的连复段（licks）是天赋异禀才能掌握的，但这本书用非常清晰的逻辑，把那些看似无解的快速跑动，拆解成了可以逐一攻克的模块化单元。这种“解构主义”的教学方法，极大地增强了我的学习信心。它让你感觉，你不是在学习一门技术，而是在破解一个音乐密码，每攻克一个难点，都像完成了一次完美的吉他 Solo。它成功地将复杂的演奏技巧，转化成了一套可以系统性练习的流程，这对于自学者来说，是莫大的福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对“律动”（Groove）和“感觉”（Feel）的强调，这一点常常在很多强调速度和指法的教材中被忽略。作者非常敏锐地指出，布鲁斯的核心不在于弹得多快，而在于你和节拍器之间的关系——是驾驭它，还是被它奴役。书中有一整章专门讨论了“滞后性”（Laying Back）和“提前性”（Pushing Ahead）的微妙平衡，并通过听觉练习，训练耳朵去捕捉那些微妙的时间差。我尝试着将书中的建议应用到我日常的伴奏练习中，结果立竿见影，原本僵硬的节奏瞬间变得摇摆起来，仿佛吉他有了自己的心跳。更让我受益匪浅的是，它没有停留在理论层面，而是提供了大量可以实际操作的“节奏变形练习”，例如，如何将一个标准的八分音符律动，通过细微的切分和强调，转化为更具蓝调色彩的Shuffle或Swing。这些练习的设计非常巧妙，它们迫使你的身体和大脑同步工作，让你真正“感受到”节奏的流动，而不是简单地“数”出节奏。这本书真正教会我的，是放慢速度，去听，去感受，去让音乐自己呼吸，这对我个人的音乐理解产生了颠覆性的影响。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的深度是相当惊人的，它不仅仅是一本“如何弹”的指南，更是一本关于“为什么这样弹”的哲学论述。对于那些已经掌握了基础布鲁斯指型的乐手来说，这本书提供了超越基础的进阶视角。它花了大量的篇幅去探讨不同时代布鲁斯大师们的音色选择和装备对演奏风格的影响，这种跨领域的结合，让整个学习过程变得极其丰富和立体。比如，书中对50年代芝加哥电声布鲁斯中那种被过度驱动（Overdriven）音色的成因分析，以及如何通过简单的踏板模拟出那种“被压缩但充满生气”的质感，就让我对自己的音色塑造有了全新的认识。它鼓励我们去挖掘设备背后的声音逻辑，而不是盲目追逐昂贵的复刻品。此外，书中对不同调性、不同把位的布鲁斯音阶和五声音阶的“转换策略”讲解得极其透彻，解决了长期以来困扰我的一个难题：如何在不中断即兴流畅性的前提下，从一个把位自然地过渡到另一个把位。这本书真正将“技巧”与“声音美学”紧密地结合在了一起，形成了一个完整的体系。

评分☆☆☆☆☆

这本关于蓝调布鲁斯吉他技巧的教材，简直就是为那些渴望将指尖从木吉他初学者的笨拙过渡到能驾驭舞台的狂野布鲁斯乐手准备的“圣经”。我尤其欣赏作者在构建技术框架时的细腻考量，它不像市面上那些只堆砌音阶和琶音的空洞手册，而是真正深入挖掘了布鲁斯音乐的灵魂——情感的表达。书中的每一个练习，都仿佛是带着一位经验丰富的导师，在你耳边轻声细语，告诉你如何让每一个推弦（bend）都带着恰到好处的哭腔，如何让你的颤音（vibrato）不再是机械的抖动，而是充满生命力的呼吸。我记得我花了好几周时间，仅仅沉浸在书中关于“动态控制”的那几个章节里，如何利用拨片力度、手指触弦的轻重，在同一段旋律中营造出“低语”到“呐喊”的巨大张力，这种对细节的强调，直接把我从一个只会弹奏音符的“机器”提升到了一个会“叙事”的音乐人。更妙的是，它没有强迫你立刻去模仿某位大师，而是提供了一套可以让你发展出自己独特“声音”的工具箱，那些关于“空间感”和“留白”的论述，简直是醍醐灌顶，让我明白，布鲁斯的力量，往往在于你没有弹奏的那些瞬间。对于任何想要真正理解和掌握布鲁斯即兴精髓的人来说，这本书提供了无可替代的深度和广度。

评分☆☆☆☆☆