Excursions in World Music

出版者:Prentice Hall

作者:Nettl, Bruno/ Turino, Thomas/ Wong, Isabel K. F./ Capwell, Charles/ Bohlman, Philip V.

页数:496

价格:925.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780131887855

用户评价

这本书的印刷质量和装帧设计都透露着一种欧洲古典学派的严谨气质，纸张厚实，排版工整，确实是一本值得收藏的实体书。然而，阅读体验上，我不得不说，它给人的感觉更像是在进行一场漫长且信息密集的马拉松，而非一次愉快的午后漫步。我的主要困惑集中在作者对于“流派”划分的固执上。他似乎热衷于建立清晰的、互不交叉的音乐分类体系，用大量的篇幅去界定A音乐和B音乐的边界在哪里，它们各自的“纯粹性”体现在何处。这种二元对立的思维方式在处理那些边界模糊、不断变异的现代音乐现象时，显得力不从重。例如，在讨论到某个特定区域的民间歌谣时，作者花费了大量笔墨去批判那些被他视为“污染”了传统的商业化改编版本，语气中流露出一种近乎保护主义的焦虑。我理解对文化遗产的珍视，但音乐的生命力恰恰在于它的流动和适应性。这种过于僵化的分类和价值判断，使得书中对那些真正处于边缘地带、正在进行非主流实验的音乐实践的关注度严重不足。读到后来，我甚至开始觉得，这本书的真正主题，或许并不是“世界音乐”，而是“作者眼中理想中的世界音乐的形态”，这是一种相当主观的过滤视角，而非客观的广阔概览。

通读全书下来，最深刻的感受是作者在处理不同文化间的关系时，虽然表面上使用了大量关于“相互理解”和“去殖民化”的术语，但字里行间仍能察觉到一种不自觉的“西方中心论”的影子在游移。这种“影子”并非通过直接的贬低来体现，而是通过叙事权力的分配来实现的。那些被收录进本书叙事框架的音乐传统，往往是那些已经有相对成熟的西方学术研究基础、或是在国际音乐节上具有一定能见度的案例。而那些真正处于田野深处、尚未被主流学术界充分“翻译”和“编码”的声音，则被轻描淡写地一笔带过，或者干脆被排除在主要讨论范围之外。这本书更像是一个精心策划的博物馆展览，所有的展品都被打上了统一的、易于西方观众理解的标签，以确保展览的流畅性。然而，真正的世界音乐的魅力，往往在于其晦涩难懂、在于它拒绝被轻易归类和消费的那种原始的“异质性”。我希望这本书能更勇敢一些，去拥抱那些令我们感到困惑和不适的文化差异，而不是急于将它们“驯化”成我们能完全掌握的知识体系。这本书是知识的宝库，但缺乏对未知领域的敬畏与探索的勇气。

这本书的封面设计很有意思，那种复古的深蓝色调配上烫金的字体，让人一眼就觉得这是一本有分量的学术著作。我通常对这类跨文化音乐研究的书籍抱有很高的期待，希望能从中找到一些新的视角来理解不同地域的音乐传统。然而，翻开第一章后，我发现作者似乎更侧重于宏观的理论框架构建，而不是我期望听到的那些具体、生动的田野调查案例。比如，书中花了大篇幅去阐述“世界音乐”这一概念的历史演变及其在西方学术语境下的权力结构，这当然重要，但对于一个渴望沉浸式体验的读者来说，读起来就像是在啃一本音乐人类学的教科书，知识点是扎实的，但音乐的“味道”却淡得让人有些失望。我本来期待能读到关于马格里布的柏柏尔音乐家如何在新兴的数字媒体中挣扎求存的故事，或者非洲西海岸鼓乐如何在城市化进程中发生微妙的音色变化，但这些鲜活的细节几乎没有出现，更多的是对历史文献的引用和对既有理论的反刍。整本书的论述非常严谨，结构清晰，逻辑链条也无可挑剔，但这恰恰是它的弱点——它太“干净”了，缺乏泥土的芬芳和音乐家汗水的温度。我理解学术研究需要保持客观中立，但音乐本质上是情感的载体，如果缺少了感性的触碰，再精妙的理论也容易流于空泛。希望后续章节能有所侧重，把更多的篇幅留给那些不那么“学术化”，但更贴近音乐本身生命力的内容。

拿到这本书的时候，我其实是带着一种探险家的心态，期待能在一张张密集的文字地图上找到通往不同音乐圣地的捷径。我尤其关注那些关于“全球化”背景下音乐跨界融合的章节，因为我对当代电子乐如何吸纳传统乐器音色的现象深感兴趣。读完关于东南亚音乐与现代合成器结合的部分，我感到一种强烈的智力上的满足感，作者对音色颗粒度的分析，以及对媒介技术影响的洞察力是极其敏锐的。他没有停留在简单的“融合”概念上，而是深入剖析了权力关系如何决定了哪些传统元素被提取、被重塑，以及这种重塑对原文化社群的意义。然而，这种高屋建瓴的分析，也带来了一个副作用：书中缺乏具体音乐作品的详细听觉描述。我阅读时常常需要停下来，在脑海中努力构建出作者所讨论的那些复杂的对位或调式变化，但由于缺乏乐谱分析或更直观的感官指引，这种构建往往是抽象的。我可以想象出其理论的精妙之处，却无法真正在脑海中“听”到那种特定的律动或旋律线索。这就像是看了一份极其详尽的菜谱，但没有品尝到任何一道菜肴的味道，理论的深度是以牺牲听觉体验为代价的。对于希望通过阅读来拓宽自己音乐品味范围的普通爱好者来说，这本书的门槛可能设置得过高了，它更像是写给同行之间互相印证的专业论文集，而非面向大众的音乐旅行指南。

我购买这本书的初衷，是希望它能像一把瑞士军刀，提供工具去解构我一直好奇的那些非西方音乐的结构奥秘。我最期待的是关于节奏体系的深入分析，毕竟节奏是理解许多世界音乐的基石。书中确实有一些关于复合节拍和多重节奏交织的图表分析，看起来相当复杂且具有挑战性。但是，这些分析往往是孤立存在的，缺乏与特定文化背景下乐器演奏技法之间的有机联系。换句话说，作者展示了“是什么”，但很少解释“如何做到”以及“为何如此”。比如，当我们讨论到印度塔布拉鼓的复杂手势时，期待的是能看到关于手型与音色产生之间微妙关系的文字描述，或者至少能将这种技术置于日常宗教仪式或音乐会语境中去理解。这本书在这方面显得过于抽象化了，所有音乐元素都被抽离出来，置于一个纯粹的理论框架下进行解剖。这种解构虽然在学术上是值得称赞的，但对于想学习演奏或真正理解音乐家思维方式的读者来说，这种“去情境化”的处理方式反而制造了额外的理解障碍。它提供了一张精密的蓝图，却忘记了建筑材料的物理属性和建造环境的复杂性。