Stage it with Music pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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☆☆☆☆☆

出版者:Greenwood Pub Group

作者:Hirshak, Thomas S.

出品人:

页数:354

译者:

出版时间:1993-6

价格:$ 94.86

装帧:HRD

isbn号码:9780313287084

丛书系列:

图书标签:

舞台设计
音乐
表演
戏剧
活动策划
音乐剧
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场景布置
艺术
文化

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具体描述

A one-stop, up-to-date source for information on the history of the American musical theatre, "Stage It with Music" packs an astonishing quantity and variety of facts as well as insights and anecdotes into a convenient dictionary format. Coverage extends from the genre's nineteenth century beginnings to the present day, from "The Black Crook" (1866) to "Jelly's Last Jam" (1992). Included are entries on over 300 individual shows, musical series, performers, composers, lyricists, librettists, directors, designers, music directors, orchestrators, choreographers, producers, producing companies and other theatrical institutions, and on other subjects and genres relating to musical theatre. Among the latter are entries on British Imports, Dance in Musicals, Flop Musicals, Locations of Musicals, Operetta, Pastiche Musicals, and Tony Awards. As fascinating as its subject, "Stage It with Music" will serve the researcher seeking a specific fact, but he or she may find it hard to stop there. Extensive cross-referencing will lead to masses of related material, and most researchers will not be able to resist browsing well beyond the original quest. Thoroughly indexed, the volume also includes a chronology of the musicals covered as separate entries and a bibliography of general works on musical theatre.

跨越舞台的艺术：演出实战与音乐表达深度剖析图书名称：《舞台实战与音乐表达的艺术交汇》导言：构建与呈现的无限可能在这个信息爆炸、视觉冲击力日益增强的时代，无论你身处戏剧、舞蹈、音乐剧，还是纯粹的音乐表演领域，成功的关键已不再仅仅依赖于精湛的技艺本身，更在于如何将这份技艺有效地、有感染力地呈现在观众面前。本书《舞台实战与音乐表达的艺术交汇》旨在提供一个全面且深入的框架，帮助表演者、导演、编舞，乃至技术团队，理解并掌握从概念构思到最终谢幕的每一个关键环节，实现技术与情感的完美融合。我们相信，舞台表演是一门综合的、需要高度协同的艺术形式。它要求表演者不仅是音乐的忠实传达者，更是情境的创造者和体验的引导者。本书将摒弃空泛的理论，聚焦于实战性的策略、可操作的方法论，以及对艺术直觉的精准引导。 --- 第一部分：基础构建——舞台的物理与心理空间本部分将舞台视为一个具有物理限制和心理潜能的“容器”，探讨如何高效地填充和驾驭这个空间。第一章：环境的解构与重塑舞台不仅仅是一块地板。本章深入探讨了舞台空间（Proscenium, Thrust, Arena, Black Box）对表演的影响。我们将分析不同舞台形式如何影响观众的视角、演员的走位逻辑以及声音的传播方式。重点解析如何利用舞台边缘、垂直空间和后景深度，来构建视觉的层次感和叙事的张力。空间叙事学：学习如何通过演员的站位和移动速度，无声地传达权力关系、情感距离或时间流逝。环境心理学：分析灯光、道具和布景如何直接影响演员的心理状态和表演的真实感。例如，一个过分拥挤的舞台如何扼杀细腻的情感表达，而一个空旷的空间又如何需要更强的肢体语言来支撑。第二章：演员的身体作为核心乐器身体是表演最原始的工具。本章着重于将音乐的节奏、音高和情绪转化为可被肉眼捕捉的动态语言。非语言沟通的深度：探讨眼神接触、微表情和姿态在无伴奏或伴奏稀疏情境下的信息承载量。如何让一个简单的转身，承载比台词更丰富的故事？节奏感与音乐同步的进阶：超越简单的对拍。本节将讲解如何预判音乐的呼吸、处理复杂的复节奏（Polyrhythms），以及在即兴或半即兴情境下，身体如何“聆听”和“回应”音乐的内在结构。这包括对节拍重音（Accents）的身体化处理。体能与耐力的管理：探讨高强度音乐剧或舞蹈片段中的能量分配策略，确保在关键的高潮部分，身体的爆发力与音乐的强度完全匹配，而非因疲劳而“掉链子”。 --- 第二部分：音乐的内化与转译成功的音乐表演，要求表演者不仅仅是“播放”音乐，而是要“成为”音乐的载体。本部分专注于将听觉信息转化为表演行为。第三章：乐谱的深层解读表演者需要像音乐家一样阅读乐谱——不仅是音符和歌词，更要解读潜藏在记号之下的“意图”。动态标记的表演学意义： $p$（弱）与 $f$（强）不只是音量变化，它们代表了角色内心的脆弱或宣泄。本章提供了一套将音乐动态转化为表演张力的转换矩阵。速度与情感张力：分析渐快（Accelerando）和渐慢（Ritardando）在戏剧性转折点上的应用。如何用身体的速度变化，精确地引导观众的情绪曲线。和声的色彩映射：探讨大小调、不协和音程（Dissonance）如何指示角色的内心冲突或环境的危险性。学习如何通过面部表情和肢体语言来“描绘”这些听觉上的色彩变化。第四章：歌词与文本的层次化处理对于有歌词的表演，歌词的表达需要超越字面意思，与音乐旋律形成互文关系。 “唱”与“说”的临界点：确定在特定段落中，何时应倾向于传统的“演唱”技巧，何时应回归近乎“独白”的自然发音，以增强真实感。语义的“上行”与“下行”：研究歌词的重音（Emphasis）如何与旋律的最高音或最低音相对应。错误的重音可能导致情感意义的完全扭曲。韵律的解放与束缚：在严格的韵律结构中寻找自由表达的空间。如何利用音乐的句法结构（Phrasing）来自然地插入呼吸和停顿，使得角色的情感流动不被僵硬的格律所打断。 --- 第三部分：技术集成与协作的艺术现代舞台表演是多学科的集成，声音设计、灯光设计和舞台调度是不可或缺的“无形演员”。第五章：灯光作为情绪的画笔灯光设计不再是事后添加的装饰，而是与演员同步呼吸的元素。光束的心理暗示：探讨不同色温（冷暖光）和光束角度（聚焦、散射）如何影响观众对角色心理状态的判断。例如，低角度的暖光如何加剧阴影和不安全感。灯光与音乐高潮的精确同步：学习如何与灯光设计师协作，确保在音乐达到最高潮时，灯光的变化能提供物理上的视觉爆炸，而不是分散观众注意力。这要求演员对音乐的每一个小节都有清晰的预判。 “追光”的滥用与克制：分析追光如何强化聚光灯效应，同时也可能暴露演员技术上的瑕疵。何时使用追光来突出孤立感，何时放弃追光以融入整体环境。第六章：音响设计与“舞台幻觉”的维护尤其在大型制作中，音响系统的设计直接决定了观众听到的“真实度”。麦克风的选择与放置对表演的影响：从佩戴式麦克风到隐藏式领夹麦克风，不同的拾音方式对演员的演唱距离、面部表情幅度有着微妙的制约。本章提供针对不同设备下的面部微调指南。混响与空间感的构建：探讨如何通过后期处理的混响效果（Reverb）来暗示表演发生的空间（空旷的大教堂、私密的卧室），以及演员如何调整自己的发声力度来适应这些预设的声学环境。技术失误的“熄火”应对机制：建立实用的应急预案。当音响出现反馈（Feedback）或设备故障时，演员应如何保持镇静，通过肢体语言和声音的微调来维持观众的沉浸感，直到技术问题被解决。 --- 第四部分：排练的精炼与表演的生命力排练是雕琢技艺的熔炉，而最终的表演则是对这些打磨的释放。第七章：从“排练模式”到“表演模式”的切换许多演员在排练中表现出色，却在正式演出时紧张失常。 “第四堵墙”的激活：学习如何通过特定的心理练习，在演出开始前瞬间建立起完整的“第四堵墙”，将排练室的熟悉感转化为舞台上的真实感。记忆的弹性与备份系统：探讨记忆肌肉（Muscle Memory）与逻辑记忆的协同工作。如何在关键时刻，身体能够自动执行预设的动作和演唱，从而解放大脑去处理即时的情感反馈。与现场乐队的动态互动：对于有现场乐队的演出，本章详述如何建立有效的眼神交流和手势信号（Cueing），以应对乐队在不同场次中细微的速度漂移，确保表演的流畅性。第八章：观众的能量反馈回路舞台表演的生命力来源于观众的参与。本书的最后一部分聚焦于如何接收和利用观众的实时反馈。理解沉默的力量：识别何时观众的沉默是赞许和全神贯注的表现，何时是困惑或脱节的信号。如何根据沉默的“质地”调整下一句的表达强度。应对突发事件的即兴艺术：无论是观众的干扰、舞台上的小失误，还是关键道具的意外失效，本章提供了快速评估局势并无缝融入“意外”的实用流程，将“事故”转化为表演的一部分。谢幕的价值：谢幕不仅仅是礼节，它是最后一次与观众建立连接的机会。分析不同文化背景下的谢幕礼仪，以及如何通过谢幕时的肢体语言来总结和升华整场演出的主题。结语：永不止息的探索舞台艺术是一个不断演进的领域。本书提供的工具和视角，旨在鼓励从业者保持批判性思维，不断试验和挑战既有的表现形式。真正的艺术交汇，发生在技术准备充分后，我们敢于将自我完全交付于音乐和那一刻的生命体验之时。 --- 目标读者：音乐剧演员、歌剧演唱者、戏剧演员、舞蹈编导、舞台监督、音乐与表演专业的学生及教师。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的视觉设计和排版赞不绝口，这对于长时间面对乐谱的眼睛来说，简直是一种享受。通常一些教材的纸张质量很差，印制模糊，阅读起来非常吃力，但这本书采用了高质量的哑光纸，墨色清晰，连最细微的延音线和表情记号都一览无余。更重要的是，它的版面设计非常“呼吸感”，左右页之间的留白恰到好处，不会让人觉得拥挤压迫。对于那些需要频繁翻页的曲目，它的装订方式也很牢固，我用力按压展开，也没有听到任何撕裂的声音。这种对细节的关注，体现了出版方对阅读体验的重视。我花了不少时间在练习一些需要快速阅读复杂节奏型的曲段上，清晰的字体和合理的行间距极大地减少了我的阅读负担，让我能够更专注于音乐本身的情感把握，而不是去努力辨认印刷模糊的符号。这本书的物理质感，绝对配得上它所教授的音乐艺术性。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为音乐初学者量身定做的“救星”！我一直对学习钢琴有点畏惧，总觉得那些五线谱复杂得像天书，但这本书的编排方式彻底改变了我的看法。它没有一上来就堆砌复杂的古典乐段，而是从最基础的节奏和音符识别开始，循序渐进。我特别喜欢它在每课中穿插的那些小小的“技巧提示”，比如如何正确地触键，或者如何保持均匀的力度。这些小建议看似不起眼，却能让你在练习初期就养成良好的习惯，避免走弯路。而且，书中选择的练习曲目，虽然简单，但旋律都非常悦耳，不是那种枯燥的“数手指头”练习，这极大地激发了我继续下去的动力。我感觉自己不再是机械地移动手指，而是真正开始“听”音乐了。特别是对于那些想自学，但又缺乏系统指导的人来说，这本书的结构清晰，逻辑严密，就像请了一位耐心的私教在旁边指导一样。我用了大概一个月的时间，已经能比较流畅地弹奏一些简单的曲子了，成就感爆棚！我强烈推荐给所有刚踏入音乐殿堂的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在提升演奏的连贯性和流畅性方面，有着独到的方法论。很多教材只关注单个音符的准确性，却忽略了音符与音符之间连接的“流动感”。这本书通过大量的连奏练习和特定的指法转换示范，有效地解决了这个问题。它会特意指出某些段落中，哪些指头需要保持接触面以保证声音的持续性，哪些地方需要快速、轻巧地抬起以避免粘连。我特别留意了它在处理琶音和分解和弦时的建议，那些细致到毫厘的力度控制说明，让我过去觉得僵硬的演奏变得圆润起来。此外，书中对于不同速度下的动态控制的讲解也非常到位，让你明白慢速演奏需要更强的气息支撑，而快速演奏则考验指尖的爆发力与放松的平衡。它帮助我从“打字式”的演奏，过渡到了更接近“歌唱性”的表达，让每一个乐句都有其呼吸和起伏，这对于追求演奏自然度的学习者来说，是无价的经验分享。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有多年吉他经验的乐手，我本来对这种“入门级”的教材不抱太大期望，总觉得它们在深度上会有所欠缺。然而，这本书在音乐理论和实际演奏的结合上，展现出一种令人惊喜的平衡感。它并非仅仅停留在基础指法层面，而是巧妙地将一些核心的和声概念融入到练习曲目中。比如，当我练习一个特定的和弦进行时，书里会附带一个小小的插图或者解释，说明这个进行在流行音乐中是如何应用的。这种“知其所以然”的教学方式，对我这种喜欢即兴和编曲的人来说，价值极高。我发现自己开始不仅仅是“弹奏”音符，而是开始理解音符之间的关系和情感表达。更让我欣赏的是，它对不同风格音乐元素的介绍，虽然简略，但指引性很强，让我知道下一步可以往哪个方向深入探索。如果说有什么可以改进的地方，或许是某些高阶乐理的介绍可以再拓展一些，但作为一个基础引导读物，它无疑是非常出色的，成功架起了理论与实践之间的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书对于那些希望通过音乐来表达自我情感的人来说，提供了一个绝佳的出口。它收录的曲目风格非常多元，跨越了古典的庄重、爵士的灵动和现代影视配乐的叙事性。我尤其钟爱其中几首改编自经典电影配乐的片段，它们不仅在技术上具有挑战性，更重要的是，它们本身就蕴含着丰富的故事性和情绪张力。当我弹奏它们时，我能清晰地感受到作曲家想要传达的画面感——是紧张的追逐，还是温柔的回忆。这本书的价值，不在于让你成为技巧大师，而在于教会你如何用音乐“讲故事”。它鼓励学习者去倾听每一个音符背后的“声音”，去感受强弱变化带来的戏剧效果。我发现，自从开始练习这些作品后，我对生活中的声音也变得更加敏感了，学会了捕捉细微的情绪波动，并将之转化为指尖的流淌。这已经超越了一般的技艺学习，更像是一种深层次的内心对话。

评分☆☆☆☆☆