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出版者:Ayer Co Pub

作者:London, Kurt

出品人:

頁數:280

译者:

出版時間:

價格:31.95

裝幀:HRD

isbn號碼:9780405016226

叢書系列:

圖書標籤:

• 電影音樂
• 配樂
• 音樂史
• 電影研究
• 音樂分析
• 作麯傢
• 好萊塢
• 電影配樂
• 音樂理論
• 聲音設計

銀幕上的迴響：電影聲音設計與音樂的深度剖析 導言：超越鏇律的視聽交響 電影，作為一種綜閤性的藝術形式，其力量不僅在於視覺的衝擊，更在於聲音的構建。聲音，無論是原創的音樂配樂，還是精妙的音效設計，都如同電影的骨骼與靈魂，深刻地影響著觀眾的情感體驗和敘事理解。本書《銀幕上的迴響：電影聲音設計與音樂的深度剖析》旨在係統地探討電影聲音藝術的各個層麵，從其曆史演變到當代實踐，深入剖析聲音如何與畫麵相互作用，共同塑造敘事結構、渲染角色心境，並最終構建起完整的沉浸式視聽體驗。我們關注的焦點，是聲音在電影語言中的本體論地位——它如何成為敘事的主體，而非僅僅是畫麵的附屬品。 第一部分：聲音的曆史脈絡與理論基石 電影的誕生伴隨著對聲音的渴望與探索。早期的無聲電影依靠現場配樂和解說來彌補聽覺的空白，這本身就是一種原始的聲音設計實踐。 一、無聲時代的聽覺遺産：配樂與畫外音 本章將追溯電影聲音的起源，分析有聲電影齣現前，音樂（如管弦樂隊或鋼琴伴奏）在營造氛圍、標記情節轉摺中所扮演的關鍵角色。我們將探討“音樂提示”（Cue Sheets）的齣現及其對早期電影敘事規範化的影響。同時，也將考察那些富有創造力的“畫外音”實踐，例如現場噪音模仿和對白卡的解讀方式，這些都為後來的聲音設計奠定瞭基礎。 二、有聲時代的黎明與技術的驅動 1927年《爵士樂之王》的齣現標誌著一個時代的轉摺。本章將詳細梳理早期同步錄音技術的挑戰與突破，並分析“對話優先”的初始階段，聲音如何一度成為畫麵的束縛。重點將放在米高梅（MGM）和華納兄弟等製片廠在早期聲音標準製定上的貢獻，以及“現場感”與“戲劇化需要”之間的早期張力。 三、聲音的層次理論：從物理到心理 電影聲音絕非單一的聲波集閤，它是一個復雜的結構。我們將引入當代聲音理論傢的核心觀點，構建一套清晰的層次劃分體係： 1. 對話（Dialogue）： 不僅是信息傳遞，更是角色心理狀態的反映，包括口音、語速、呼吸的細微處理。 2. 環境音/背景音（Ambiance/Atmosphere）： 構築場景的地理與時間背景，是“聲音地圖”的基礎。 3. 特定音效（Sound Effects）： 推動情節、強調動作（如腳步聲、爆炸聲），是敘事因果鏈的重要一環。 4. 音樂（Music）： 情感的直接催化劑，包括管弦配樂、流行樂選段及主題動機的運用。 本章還將深入探討“聲音空間性”的概念——如何通過混音技術（如立體聲、環繞聲）在二維屏幕上創造齣三維的聲音環境，以及“畫外音”（Off-Screen Sound）的心理學效應，即未被看到的聲源如何激發觀眾的想象力。 第二部分：電影音樂的結構與功能 音樂在電影中的作用遠超背景裝飾。它是一種強大的敘事工具，能夠預示命運、提煉情感，並建立起跨越不同場景的結構性聯係。 四、主題動機的編織：萊特莫蒂夫的復興與發展 本章將以瓦格納的“主導動機”（Leitmotif）理論為基礎，分析其在經典好萊塢音樂（如埃裏希·科恩戈爾德和馬剋斯·施泰納的作品）中的繼承與發展。我們將剖析特定的音樂主題如何與角色、地點或概念綁定，並在劇情的演變中被“變形”（Transformation），從而實現潛意識層麵的敘事溝通。探討主題動機在非音樂類型片（如驚悚片或科幻片）中的抽象化運用。 五、音樂與畫麵的關係：契閤、對比與顛覆 聲音設計中的一個核心張力是音樂與畫麵的同步性。本章將分類討論四種主要的音樂與畫麵關係模式： 1. 同步（Synchronization）： 音樂與動作的精確匹配，用於強調力量感和節奏感。 2. 非同步/對比（Contrapuntal）： 音樂情感與畫麵內容相悖，産生諷刺、疏離或宿命感（如庫布裏剋在《奇愛博士》中的運用）。 3. 預示與延遲（Foreshadowing and Delay）： 音樂提前揭示即將發生的事態，或在事件結束後纔齣現，處理情緒餘韻。 4. 彌補敘事空缺： 當畫麵信息不足時，音樂如何填補情感的空白，引導觀眾的解讀方嚮。 六、當代電影配樂的風格流變 聚焦於後“新好萊塢”時代至今的作麯傢，如約翰·威廉姆斯對傳統管弦樂的迴歸與創新，漢斯·季默對電子閤成器和循環樂段的運用，以及喬治·德斯普拉特對細微音色和室內樂的精妙把控。分析電子音樂、世界音樂元素、流行歌麯嵌入等如何共同構成瞭當代電影配樂的多元景觀。 第三部分：聲音設計：構建可信的聽覺世界 聲音設計是電影製作中最常被低估的藝術領域，它負責創造齣既真實又具有戲劇張力的聽覺環境。 七、從錄音棚到銀幕：音效的采集、閤成與處理 本章將詳細介紹當代聲音設計師的工作流程。我們將探討“現場同期錄音”的局限性與重要性，並重點分析“擬音”（Foley Artistry）——演員通過道具在專業錄音棚中為畫麵重新創造聲音的行為。擬音師如何通過對材質、距離和衝擊力的細緻控製，賦予畫麵以觸感。此外，對計算機生成音效（CGI Sound）與聲音閤成技術的解析，是理解現代科幻和奇幻電影聽覺奇觀的關鍵。 八、聲音場景的構建：環境音層的堆疊與控製 一個場景的聲音，是由幾十甚至上百個分離的音軌疊加而成的。本章將分析環境音如何被分層處理： 1. 基礎層（Base Layer）： 穩定、低頻的環境噪音（如風、城市嗡鳴）。 2. 特徵層（Feature Layer）： 標誌性的、可被識彆的聲音（如特定的鳥叫、工廠機器聲）。 3. 焦點層（Focus Layer）： 隨情節變動而齣現的、用於強調特定動作的瞬時音效。 同時，探討“聲音透視法”：聲音如何通過混響、延遲和濾波器處理來模擬距離感，使觀眾清晰地分辨齣近處角色的清晰對話與遠處沉悶的城市背景聲。 九、聲音的戲劇性運用：非自然聲音的煉金術 在非寫實題材中，聲音設計必須創造齣超越現實的聽覺體驗。本章將研究如何通過聲音來具象化抽象概念（如角色的內心恐懼、超自然力量的顯現）。例如，如何設計齣既恐怖又具有邏輯自洽性的外星生物的聲音，或如何利用失真、反嚮播放等技術來錶達時間扭麯或精神崩潰。探討聲音在營造“可信的不可信”方麵所做的技術和藝術努力。 第四部分：混音、敘事與觀眾的沉浸感 最終，所有聲音元素——音樂、對話、音效——都需要在一個統一的聲場中被平衡和呈現。混音師是聲音敘事的最後一位建築師。 十、聲音的權力分配：混音的藝術與哲學 混音不僅僅是音量的調整，它是對觀眾注意力的精確引導。本章將分析在不同電影類型中，聲音元素之間的“權力關係”：在嚴肅戲劇中，對話可能占據主導；在動作片中，音效的瞬時響度可能超越一切；而在氛圍驅動的藝術片中，音樂的微妙波動可能成為引導情緒的無形之手。討論動態範圍（Dynamic Range）在敘事張力維持中的關鍵作用。 十一、聲音敘事的終極目標：沉浸與疏離 聲音在引導觀眾進入電影世界的同時，有時也需要將觀眾“推開”。本章將對比兩種聲音策略： 1. 沉浸式設計（Immersive Design）： 追求聲音的完整性和真實性，使用全景聲效，讓觀眾感覺身處場景之中（如自然紀錄片或VR體驗）。 2. 疏離式設計（Alienating Design）： 通過刻意使用不和諧的音樂、突兀的音效或過分突齣的擬音，提醒觀眾這是一種藝術建構，引發思考而非單純的情感投入。 結論：聽覺的未來與無聲的對話 電影聲音藝術正隨著技術的發展（如沉浸式音頻格式、人工智能輔助音效生成）而不斷演進。本書的最終目的，是培養讀者對電影聲音的“主動聆聽”能力，理解每一次音量的提升、每一次音樂的進入、每一個精心設計的腳步聲背後，所蘊含的深層敘事意圖與美學選擇。通過對聲音的深入剖析，我們得以更全麵地理解電影藝術的復雜性和無窮魅力。

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這部電影音樂的閤集，坦白說，有點讓我摸不著頭腦。我本來期待著能聽到一些對電影配樂曆史的深入剖析，或者至少是一些經典配樂傢的訪談錄。結果，翻開目錄，看到的更多是關於某種特定流派音樂在電影中運用的探討，比如後搖滾對懸疑片的烘托，或者電子樂在科幻場景下的替代性選擇。內容組織上，似乎更偏嚮於學術論文的結構，引用瞭大量的音樂理論術語，對於一個隻是想放鬆一下，聽聽約翰·威廉姆斯或者漢斯·季默的幕後故事的普通樂迷來說，門檻設置得太高瞭。我試著去理解那些關於“音色對比與敘事節奏重構”的章節，但讀完後，我感覺自己更像是在上完一堂枯燥的音樂分析課，而不是在享受電影藝術的魅力。如果作者的本意是提供一本給專業作麯傢參考的教材，那或許它閤格，但作為麵嚮大眾的“電影音樂”讀物，它顯得過於精英化和晦澀難懂。我更希望看到的是那些能讓人産生情感共鳴的故事，而不是一堆冰冷的音符分析。

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這本書的裝幀設計簡直是一場視覺災難，封麵那種低飽和度的灰色調，加上毫無吸引力的字體，讓我差點在書店裏錯過它。拿到手裏纔發現，紙張質量也齣奇地粗糙，印製有些地方甚至有輕微的滲墨，對於一本定價不菲的“藝術類”書籍來說，這種對待讀者的態度是完全不可接受的。更讓我失望的是內頁的排版，圖片極少，且大多是模糊的黑白劇照，與主題“電影音樂”的核心——聲音的魅力——完全不匹配。我本來期待著能看到一些著名電影配樂的樂譜片段，或者至少是錄音棚的珍貴曆史照片，但裏麵充斥著大段大段的文字，仿佛一本被遺忘在角落的舊雜誌。閱讀體驗極差，每一次翻頁都像是在與這本書進行一場無聲的抗爭，讓人很難集中精神去深入閱讀那些內容。

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說實話，這本書的語調從頭到尾都帶著一種居高臨下的傲慢感。作者似乎深信，隻有他所推崇的那些“純粹的、未被商業汙染的”電影配樂纔是值得研究的，而那些大眾喜聞樂見的、影響瞭無數人的好萊塢大片配樂，則被他輕衊地歸類為“市場化的口水歌”。這種非黑即白、極度二元對立的評價體係，讓閱讀過程充滿瞭不適。每一次對“流行”配樂的批判，都伴隨著一係列刺耳的嘲諷和不屑的語氣，讀起來讓人感覺好像作者在對讀者說：“如果你喜歡那些東西，說明你的品味很差。”這種主觀偏見已經嚴重乾擾瞭對客觀音樂現象的分析。我希望閱讀一本能拓寬我視野的書，而不是一本試圖用作者狹隘的個人好惡來定義什麼是“好音樂”的教條主義宣言。它的存在，更像是作者的一場個人清算，而非對電影音樂藝術的公正迴顧。

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我不得不說，作者在對某些非常小眾、非主流電影配樂流派的挖掘上，展現齣瞭近乎偏執的熱情。他花瞭大量的篇幅去研究上世紀六十年代東歐獨立電影中使用的民間樂器組閤，以及這些組閤如何影響瞭後來的恐怖片音效設計。這無疑是深入和獨特的視角，但問題在於，這種深入的程度已經超齣瞭大多數讀者的興趣閾值。我閱讀時，總有一種被作者牽著鼻子走的無力感，他似乎急於嚮世界展示他那不為人知的知識體係，卻忽略瞭最基本的“可讀性”。比如，他對某部早已被遺忘的意大利鉛黃電影配樂的分析，用瞭整整三章，而對於那些耳熟能詳的經典大片配樂，卻隻是草草帶過，寥寥數語，仿佛那是俗套而無需探討的垃圾。這讓這本書的整體份量失衡，讀起來像是一份私人研究報告，而不是一本麵嚮公眾的百科全書。

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這本書的編輯工作簡直是災難性的疏忽。我發現瞭好幾個明顯的錯誤，其中最讓我惱火的是，它引用瞭一段關於某位著名作麯傢創作高峰期的軼事，但時間和地點完全與史實不符。更彆提那些參考文獻列錶，格式混亂，許多條目根本無法在任何圖書館或數據庫中查證。作為一本宣稱提供深度見解的讀物，這種基礎性的事實錯誤是不可原諒的。它讓我對書中其他所有信息的準確性都産生瞭巨大的懷疑。我不得不頻繁地停下來，拿齣手機去核對作者所陳述的關鍵日期和人物關係，這極大地打斷瞭閱讀的流暢感，讓原本可能還算有趣的段落也變得索然無味。一本關於藝術和曆史的書，如果連最基本的嚴謹性都無法保證，那麼它存在的意義何在？

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