Ways of Seeing

出版者:Peter Smith Pub Inc

作者:[英] 约翰·伯格

页数:0

价格:29.75

装帧:HRD

isbn号码:9780844661759

作者简介

约翰·伯格（John Berger），英国艺术史家，小说家，画家。1926年出生于伦敦。1946年从军队退径后进入Central School of Art Chelsea School of Art学习。1948年至1955年以教授绘画为业，曾举办个人画展1952年，他开始为伦敦New Statesman杂志撰稿，并迅速成为英国当代最有影响力的艺术批评家。此后他更有多部艺术专著问世，如《观看之道》、《看》、《另一种讲述的方式》等，他亦写小说，名篇G.（1972）获英国布克奖及詹姆斯·泰特·布莱克纪念奖。

最近20年间，伯格一直生活在阿尔插斯山脚下的一个法国小村庄中，濒临消亡的传统山区生活方式令他着迷，并反映在他的作品中。

读后感

读这样一本关于艺术的书，更多的不是对书本身的评价了，而是转向了对艺术的看法，怎样读艺术，怎样看待艺术，以及我们怎么样欣赏艺术。所以，写下的这些东西已经不是书评了，而是应该叫做艺术随笔，如果可以这样说的话。 应该有两种看画的方式，一种是在客观的了解作品的创作背...  

5p 影像是重造或复制的景观，是一种或一整套表象，已脱离了当初出现并得以保存的时间和空间。 10p 过去并非供人憩息的住处，而是为了采取行动而从中提取结论的源泉。对今日的恐惧会引来对往昔的神秘化，从而造成双重损失：艺术品被不必要地置于遥不可及的境地；而历史提供给我...  

很多观点在读书的时候已经通过各种讲座和文章看得到过，这次算是自己完整的看了整本书，希望能够阅读到英文版的。  

其实文章很短，一会儿就可以看完。象workshop的讲稿，用来引发思考。 很好。 回答了我一直以来的疑惑：为什么那些画是名作？看起来其实没啥意思，当然技巧是完善的，但，多么无聊的画啊！ 这下放心了，正如作者所言，观看名画已经变成了因为有名而去看，并努力找出理由来说明它...  

用户评价

这本书的书名本身就带着一种引人深思的意味，仿佛在邀请读者进入一个全新的感知世界。我第一次拿起它的时候，就被这种独特的视角所吸引。它不是那种直接告诉你“世界就是这样”的教科书，而更像是一面棱镜，将我们习以为常的视觉经验打散、重组。它探讨的远不止于艺术史上的名家名作，而是深入到我们日常生活中无处不在的图像——从广告牌到家庭照片，从新闻报道到博物馆陈列。作者的笔触极为敏锐，总能在那些我们不加留意的细节中挖掘出深层的社会文化含义。比如，他们如何阐释一幅古典油画中的凝视（gaze）是如何建构了观看者与被观看者之间的权力关系，以及这种权力结构是如何在我们今天的媒体消费中持续运作的。我尤其欣赏它那种挑战既有认知的勇气，它迫使我停下来，审视那些我过去深信不疑的“客观”现实，究竟是被谁的视角所塑造的。每一次阅读，都像是一次对自我视觉习惯的彻底“排毒”，让人对“看”这件事本身产生了全新的敬畏。那种豁然开朗的感觉，是阅读其他书籍难以比拟的。

坦白说，这本书的阅读门槛并不低，它要求读者具备一定的专注力和对概念的快速吸收能力。然而，一旦你跟上了作者的节奏，那种智力上的回报是惊人的。它像一把精确的手术刀，剖开了我们习以为常的“审美愉悦”背后的社会构造。最让我印象深刻的是关于“凝视”理论的阐述，特别是它如何从早期对女性身体的描绘，延伸到对当下消费文化中形象构建的批判。作者细致入微地展示了，媒体是如何通过精心设计的视觉编码，不断地强化特定的性别角色和阶层差异。这不是空泛的理论说教，而是基于大量具体视觉材料的扎实论证。读完后，我在看任何广告或者电影场景时，都会不自觉地去分析镜头语言、构图和光影是如何引导我的情绪和判断的。这种后设的、反思性的观看能力，是我从这本书中获得的最宝贵的财富。它让我从一个被动的接收者，变成了一个有意识的、积极的解读者。

这本书的魅力在于它提供了一套全新的“视觉词汇表”。在阅读它之前，我可能只会说“这张画很美”或者“那个广告很有创意”，但读完之后，我能更准确地描述出“美”是如何被构建的，“创意”背后潜藏的商业逻辑又是什么。它真正做到了“教人看”，而不是“给人看”。书中对现代大众媒体，特别是电视和摄影术如何“塑造我们的现实”的探讨，即便放在今天来看，依然具有惊人的先见之明。作者对图像的“去神圣化”过程的追踪，揭示了图像是如何从稀有、昂贵的宗教圣物，一步步变成充斥我们生活、唾手可得的日常符号。这种转变带来的后果——图像泛滥、意义稀释——被作者描绘得淋漓尽致。这本书的语言风格多变，时而严谨如论文，时而充满激情如宣言，这种风格上的张力，让沉重的思想负载也变得引人入胜。它是一本真正意义上的“思想工具箱”，为每一个对世界保持好奇心的人提供了强有力的分析利器。

这本书给我的整体感受是，它成功地将高深的理论探讨，以一种极其易懂且充满活力的语言包裹了起来。它的行文风格充满了对话感，仿佛作者正坐在你对面，耐心地、不厌其烦地为你拆解那些晦涩难懂的视觉陷阱。我特别喜欢它在处理传统艺术史时所采取的颠覆性姿态。它没有遵循那种从古希腊到文艺复兴再到现代艺术的线性叙事，而是更关注不同历史时期、不同文化背景下的“观看方式”是如何异质且并存的。比如，书中对欧洲文艺复兴时期油画中“透视法”的批判性解读，就非常发人深省。作者指出，透视法不仅仅是一种空间处理技巧，它更是资本主义和个人主义兴起的视觉同义词，它将世界锁定在一个单一、理性的、以人类为中心的框架内。这种将艺术史与社会结构紧密捆绑的分析方法，极大地拓宽了我理解艺术的维度，让我意识到艺术品从来都不是孤立存在的“美学对象”，而是权力运作的场所。

阅读过程中的体验是相当富有层次感的，它不像流畅的小说那样一气呵成，反而更像是一场持续的智力辩论。这本书的论证结构严密，充满了对既有美学观念的颠覆性批判。书中关于“再现”（representation）和“真实”（reality）之间关系的讨论，尤其令我着迷。作者并没有提供一个简单的答案，而是通过一系列精妙的案例分析，展示了图像如何被用作意识形态的工具，如何微妙地服务于特定的社会阶层或政治目的。我记得有一部分内容是关于摄影术的兴起如何永久性地改变了我们对历史和记忆的理解，它不再是精英阶层独享的叙事，而是被大众化、被廉价复制，但也正因如此，其“真实性”也遭受了前所未有的质疑。这种对技术与文化交织点的深入剖析，显示出作者深厚的跨学科功底。读完后，我发现自己对周围的视觉信息产生了强烈的“不信任感”——不是愤世嫉俗，而是一种更清醒、更具批判性的审视，仿佛自带了一副能够穿透表象的X光镜。