Progressive Rhythm Guitar

出版者:Bookworld Services

作者:Turner, Gary/ White, Brenton

页数:0

出版时间:2004-2

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780959540475

具体描述

Shows you all the important open chords, Bar Chords and Rhythms used by todays Rhythm Guitarists. Over 130 chord progressions with suggested Rhythms. Special Sections on Transposing, reading sheet music and playing in a group. You do not need to read music to use this book or tape.

用户评价

这部作品的结构设计得如同精心编排的交响乐章，层层递进，让人在不知不觉中被引导进入一个全新的音乐境界。作者在讲解基础乐理时，并没有采用枯燥的理论灌输方式，而是巧妙地将概念融入到实际的指法练习中。比如，他对“和声色彩”的解析，不是停留在传统的和弦名称堆砌，而是通过对比不同指型在特定调式下的听感差异，让读者真正“听见”理论。特别是关于音阶跑动与节奏型结合的部分，作者展示了如何将看似独立的元素无缝连接起来，形成流畅自然的吉他旋律。书中提供的乐谱示例，排版清晰，标注详尽，即便是初学者也能大致掌握其意图。我尤其欣赏作者在讲解复杂技巧时所采用的比喻，比如将琶音练习比作“水滴入湖，层层晕开的涟漪”，这种形象化的描述极大地降低了学习的心理门槛。总的来说，这本书对于那些渴望从机械练习中解放出来，追求音乐性表达的吉他手来说，无疑是一份宝贵的指南，它不仅仅是技巧手册，更像是一本关于如何“思考”音乐的哲学读本。书中对于如何运用空间感和动态变化的讨论，更是达到了很高的水准，远超一般的技术书籍。

我最近几年一直在寻找一本能真正弥合“理论知识”和“实际应用”之间鸿沟的书，这本书最终填补了这个空缺。它没有沉溺于晦涩的术语堆砌，而是采用了一种基于“功能性”的教学方法。例如，书中探讨了如何运用“模态交换”（Modal Interchange）来为简单的流行歌曲和弦进行增添电影配乐般的戏剧张力。作者没有强迫读者去记忆所有模态的名称，而是聚焦于它们在色彩转换上的实际效果——“什么时候用这个，听起来会更忧郁？”或者“用那个，会产生一种紧张的期待感？”这种以听觉结果为导向的教学，极大地激发了我即兴创作的欲望。我发现自己开始在不知不觉中，将书中学到的理论知识应用到自己的即兴Solo中，不再是僵硬地套用音阶，而是根据歌曲的情绪变化自然地进行色彩调整。这本书对“流动性”的强调，也影响了我对连复段（Lick）的理解，它鼓励我们像说话一样演奏，而不是像背诵课文一样。对于希望将吉他演奏提升到更具叙事性和情感深度层次的演奏者，这本书提供的思维工具是无价之宝。

坦白说，我起初对这本书抱有怀疑态度，因为市场上的教材总喜欢用宏大的标题来吸引人，内容却空洞无物。然而，这本书在处理“复杂指型”时的严谨性彻底扭转了我的看法。它的讲解不是那种“照着做就行”的指令式教学，而是深入到指板几何学的层面。比如，对于和弦转换的分析，作者引入了“最小运动轨迹”的概念，通过图形化的方式展示了如何在保持清晰度的前提下，将手指移动的距离最小化，这在快速的伴奏进行中至关重要。我用书中的方法练习了几周后，发现那些曾经让我手抖、经常掉音的复杂爵士和弦进行，现在变得异常顺畅，几乎不需要刻意去“想”手指该去哪里。更令人印象深刻的是，书中对“织体层次”的探讨，它教导我们如何在多声部演奏时，将旋律线、和声支撑和低音驱动清晰地区分开来，确保每条音乐线索都能被听清。这本书的深度，足以让专业的录音室乐手受益匪浅，它不仅教会你如何弹奏，更教会你如何为整个乐队服务，是真正意义上的“音乐工程学”教材。

这本书简直是为那些卡在瓶颈期、感觉自己的演奏停滞不前的中级乐手量身定做的“破冰斧”。我过去尝试过很多强调速度和指板覆盖范围的教材，但它们都忽略了音乐的“呼吸感”。这本书则完全不同，它的核心理念似乎在于“有效性”而非“炫技性”。作者花了大量的篇幅来探讨如何通过细微的节奏推拉和推弦的弧度变化来注入情感。举个例子，书中关于布鲁斯推弦（Bending）的章节，不仅给出了音准的精确参考，更深入探讨了推弦时手指力量的分配和手腕的配合，这让我的推弦听起来第一次有了“歌唱性”。此外，书中对“切分音”的运用分析得极其透彻，作者通过拆解几个经典的放克（Funk）乐句，展示了如何让简单的音符组合产生强烈的律动冲击力。阅读过程中，我感觉自己正在与一位经验丰富的导师对话，他不断地提醒你慢下来，去感受每一个音符在时间轴上的位置和重量。对于我这种偏爱律动驱动型音乐的人来说，这本书带来的启发是革命性的，它重新定义了我对“律动”的理解，从机械的节拍器奴隶，转变为节奏的掌控者。

这本书的排版设计和配套音频资源简直是教科书级别的典范。很多吉他教材的配乐要么质量粗糙，要么与文本内容脱节，但这本书在这方面做得无懈可击。作者提供的所有练习素材都是高质量录制的，并且提供了多种速度版本——从慢速到接近实战的速度。最妙的是，在讲解特定的节奏型或切分技巧时，音频中不仅有完整的伴奏，还有清晰的单独乐器声部示范，这让听辨和模仿变得异常容易。我特别欣赏作者对于“听觉训练”的重视，书中穿插了大量的听音辨音练习，它们不是孤立存在的，而是紧密地嵌入到指法练习的流程之中。通过这种“耳、脑、手”三位一体的训练，我发现自己对不熟悉的节奏型掌握速度加快了，不再需要先在脑中进行复杂的数学计算才能弹准。这本教材成功地将枯燥的重复性练习，转化成了一种富有反馈和成就感的互动体验。对于自学者而言，这种清晰、高质量的资源配套，简直是省去了昂贵私人课程中大量解释的时间成本，直接面向实战效果。