Embodied Music Cognition and Mediation Technology

出版者:Mit Pr

作者:Leman, Marc

页数:320

出版时间:2007-8

价格:$ 48.59

装帧:HRD

isbn号码:9780262122931

具体描述

Digital media handles music as encoded physical energy, but humans consider music in terms of beliefs, intentions, interpretations, experiences, evaluations, and significations. In this book, drawing on work in computer science, psychology, brain science, and musicology, Marc Leman proposes an embodied cognition approach to music research that will help bridge this gap. Assuming that the body plays a central role in all musical activities, and basing his approach on a hypothesis about the relationship between musical experience (mind) and sound energy (matter), Leman argues that the human body is a biologically designed mediator that transfers physical energy to a mental level--engaging experiences, values, and intentions--and, reversing the process, transfers mental representation into material form. He suggests that this idea of the body as mediator offers a promising framework for thinking about music mediation technology. Leman proposes that, under certain conditions, the natural mediator (the body) can be extended with artificial technology-based mediators. He explores the necessary conditions and analyzes ways in which they can be studied. Leman outlines his theory of embodied music cognition, introducing a model that describes the relationship between a human subject and its environment, analyzing the coupling of action and perception, and exploring different degrees of the body's engagement with music. He then examines possible applications in two core areas: interaction with music instruments and music search and retrieval in a database or digital library. The embodied music cognition approach, Leman argues, can help us develop tools that integrate artistic expression and contemporary technology.Marc Leman is Research Professor and Head of the Department of Musicology at Ghent University, Belgium.

用户评价

这本书在探讨“具身性”与音乐认知的交汇点时，提供了一种非常新颖的视角，让我不禁回想起童年时期第一次接触乐器的经历。当时，我并没有太多关于音乐理论的知识，更多的是通过手指的触碰、身体的摆动去感受节奏和旋律。书中的描述，比如音乐如何激活我们的前庭系统，如何通过模仿来学习音乐，都与我当时的直觉感受不谋而合。我一直认为，学习音乐最重要的是天赋和理论知识，但这本书让我意识到，我们的身体本身就是一种强大的学习和理解音乐的媒介。那些通过肢体动作来表达音乐的舞蹈家，或者是在演奏时全身心投入的音乐家，他们的“具身性”体验，是否正是最纯粹的音乐认知方式？我特别期待书中能够深入探讨身体感知在音乐情感表达中的作用，例如，为什么某些音乐会让我们感到身体发热，或者产生一种想要跳跃的冲动？这本书似乎在鼓励我们放下对纯粹理性分析的执着，转而拥抱音乐带来的更直接、更本能的身体体验。这不仅能帮助我们更好地理解音乐，也能让我们在生活中更积极地与音乐互动。

这本书的结构设计得非常清晰，每一部分都像是在为我打开一扇通往全新理解的大门。特别是在探讨“具身性”在音乐学习中的作用时，我联想到了我儿子学习钢琴的过程。他一开始并没有被灌输太多的乐理知识，而是通过模仿老师的指法，感受键盘的触感，以及跟随节拍器来学习。书中所描述的“肌记忆”和“动作模式”的学习，恰恰能够解释他为何能够如此迅速地掌握技巧，而无需过多的语言解释。这让我深刻地体会到，身体的参与是多么重要。这本书不仅仅是在理论上分析“具身性”，更是在提供一种实践性的指导，它鼓励我们将音乐学习和体验融入到更广泛的身体活动中。我开始想象，如果将音乐欣赏与某种形式的身体运动结合起来，是否能够产生更深刻的理解和更持久的记忆？这种将抽象的音乐概念转化为具体的身体经验的方法，对我而言具有极大的启发性，也让我对未来的音乐教育和个人音乐探索充满了期待。

阅读过程中，我被书中关于“具身性”音乐认知在跨文化交流中的应用所吸引。作者通过大量案例，展示了不同文化背景下的人们如何通过身体的互动来理解和传承音乐。例如，一些民族的传统音乐表演，往往伴随着复杂的肢体动作和群体参与，这种“具身性”的体验，是理解其音乐精髓的关键。这本书让我意识到，音乐并不仅仅是声音的组合，它更是文化和身体语言的载体。我一直以来都对世界各地的音乐文化非常感兴趣，这本书为我提供了一个全新的框架来理解这些音乐的独特性。它不仅在智识上满足了我的好奇心，更在情感上引发了我对不同文化之间音乐连接的思考。我期待书中能够提供更多关于如何通过“具身性”体验来打破语言和文化障碍，从而更深入地理解和欣赏不同音乐的见解。这种超越文字的交流方式，对我来说具有特别的吸引力。

这本书对于“中介技术”如何影响音乐的“原创性”和“版权保护”的讨论，也引起了我极大的关注。在数字时代，音乐的复制和传播变得前所未有的容易，而各种“中介技术”，如流媒体平台、数字音频工作站（DAW），在这一过程中扮演着关键角色。作者的分析让我意识到，技术的进步在为音乐创作带来便利的同时，也带来了新的挑战，例如如何确保原创音乐的价值不被稀释，以及如何有效地保护音乐创作者的权益。我开始思考，我们所依赖的流媒体服务，在多大程度上“中介”了我们与音乐创作者之间的直接联系？当我们享受着便捷的音乐服务时，是否也应该更加关注技术背后复杂的版权和利益链条？这本书不仅让我对音乐的生产和消费有了更深刻的理解，也促使我反思自己在数字时代中作为音乐消费者的责任和义务。

书中关于“中介技术”对音乐情感传递的影响，让我产生了一种深刻的共鸣。在如今的社交媒体时代，音乐常常被用作情绪的表达载体，通过短视频、状态更新来分享我们的音乐体验。然而，这种“碎片化”和“社交化”的音乐消费模式，在多大程度上改变了我们对音乐情感的真实体验？作者的分析让我意识到，技术不仅仅是传递声音，它也在塑造我们对音乐情感的解读方式。例如，一段配有特定滤镜和文字的音乐视频，其所传达的情感可能已经经过了技术和社交语境的双重“中介”。我开始反思，当我们在网络上分享一首喜爱的歌曲时，我们是真正地在分享音乐本身，还是在分享我们通过技术构建出的关于音乐的情感叙事？这本书引导我去思考，在技术不断介入我们生活方方面面的同时，我们如何才能确保自己对音乐的情感体验是真实而独立的？这对我理解自己在数字时代中的音乐消费行为，具有重要的警示意义。

书中对于“具身性”在音乐治疗领域的应用，给了我极大的启发。我一直认为音乐治疗是一种高度专业化的领域，但这本书揭示了“具身性”在其中扮演着至关重要的角色。通过身体的律动、呼吸的调整，甚至是通过与乐器的互动，音乐能够直接触及我们的生理和心理层面，从而达到治疗的效果。我联想到了自己偶尔因为压力过大而进行的简单哼唱或随意的肢体摇摆，这些行为在无意识中，是否也起到了某种程度的自我疗愈作用？这本书将“具身性”与心理健康和情绪调节联系起来，让我对音乐的潜在力量有了更深的认识。我非常期待书中能够详细阐述具体的“具身性”音乐治疗方法，以及这些方法背后的科学原理。这不仅仅是对音乐认知的探索，更是对如何利用音乐来改善生活质量的实践性指导。

我对书中关于“中介技术”如何影响音乐的“现场感”和“临场感”的论述尤其印象深刻。在过去，音乐的体验很大程度上与“现场”紧密相连，音乐会、音乐节，那些空气中弥漫的能量和观众的集体共鸣，是技术难以完全复制的。然而，随着技术的发展，我们越来越习惯于通过各种设备来“接近”现场。作者对于虚拟现实（VR）和增强现实（AR）在音乐体验中的潜力和局限性的分析，让我对未来音乐消费的模式产生了更深的思考。VR技术是否能够真正模拟演唱会的现场氛围？AR技术又如何在我们日常生活中“叠加”音乐的体验？我开始意识到，我们与音乐的互动方式正在被技术深刻地重塑，而这种重塑，不仅关乎听觉，更关乎我们整体的感官和身体体验。这本书让我对“现场”的定义产生了新的疑问，同时也让我对外来技术如何进一步改变我们与音乐的关系充满了好奇。

这本书的封面设计着实吸引人，一种将抽象的音乐概念与具象的身体感知相结合的视觉语言，仿佛在诉说着一种深邃的内在联系。我迫不及待地翻开了第一页，想要探究音乐如何能够如此深刻地触及我们，不仅仅是耳朵的愉悦，更是身体深处的共鸣。作者的引言部分就将我深深吸引，他/她巧妙地铺陈了“具身性”这一概念在音乐认知领域的重要性，打破了我以往对音乐仅仅是声音的刻板印象。我一直以来都认为音乐是一种纯粹的感官体验，但这本书似乎要引领我进入一个更广阔的领域，去理解音乐是如何与我们的身体结构、运动模式，甚至是我们的情绪和记忆相互交织的。在阅读的过程中，我开始重新审视自己过去与音乐的互动方式，那些不经意的哼唱、随着节奏摇摆的身体，甚至是在特定情境下听到某首旋律时涌上心头的情感，似乎都有了更深层的解释。这本书不仅仅是在理论上探讨音乐，更是在邀请读者进行一次自我探索，去感受音乐在我们身体内部产生的真实而又微妙的变化。我特别期待书中关于身体运动与音乐节奏之间关联的章节，这对我来说是一个全新的视角，也可能为我理解和体验音乐提供全新的维度。

读到这本书的某个章节，我不禁陷入了沉思，作者对于“中介技术”在音乐认知中的作用的探讨，让我对我们与音乐的现代关系有了颠覆性的认知。我们生活在一个被各种技术包围的世界，手机里的音乐播放器、智能音响、虚拟现实音乐体验，这些看似便捷的工具，究竟在多大程度上塑造了我们对音乐的感知和理解？书中的论述非常细致，从早期电声技术的出现，到如今高度发展的数字音频处理和沉浸式技术，作者层层递进地分析了这些技术如何改变了音乐的创作、传播和消费方式，进而影响了我们的音乐认知过程。我开始反思自己是如何通过这些技术来体验音乐的，有时候，一个简单的播放按钮背后，可能隐藏着复杂的算法和用户界面设计，它们在无形中引导着我们的选择和偏好。而那些提供“氛围感”的播放列表，或是根据情绪推荐音乐的系统，又是在如何“中介”我们与音乐之间的关系？这本书不仅仅是关于技术本身，更是关于技术如何与我们的身体和心灵互动，以及这种互动如何塑造我们对音乐的整体体验。我尤其对其中关于沉浸式技术如何模拟现场音乐体验的部分感到好奇，这是否意味着我们未来可以在家中就能获得与演唱会同样震撼的灵魂冲击？

当我读到关于“中介技术”如何改变我们对音乐“真实性”认知的章节时，我的思绪又一次被带到了一个全新的层面。在这个数字时代，我们可以轻松地通过各种平台获取海量的音乐资源，然而，这种便捷的背后，是否也让我们对音乐的“现场感”和“原初性”产生了某种程度的疏离？书中的论述非常深刻，它揭示了技术在过滤、重塑和呈现音乐时的微妙影响。比如，一个经过精心混音和母带处理的数字音频，与艺术家在录音棚里即兴演奏的原始音轨，在我们的听觉感知上可能存在着巨大的差异，而这些差异，正是由“中介技术”所带来的。我开始思考，当我们习惯了通过耳机聆听高度优化的音乐时，我们是否也在无形中失去了对音乐更粗糙、更具生命力的细节的感知能力？作者对不同播放媒介的音质差异以及它们对我们音乐情感体验的影响进行了细致的分析，这让我对那些看似微小的技术细节有了更深的认识。我甚至开始怀疑，我们是否越来越依赖技术来“告知”我们什么是好的音乐，而不是通过自己身体的真实感受来判断。

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