101 Guitar Tips

出版者:Hal Leonard Corp

作者:St James, Adam

页数:88

出版时间:2003-7

价格:$ 19.15

装帧:Pap

isbn号码:9780634053412

具体描述

101 Guitar Tips contains invaluable guidance on everything from scales and music theory to truss rod adjustments, proper recording studio set-ups, and much more. The book also features snippets of advice from some of the most celebrated guitarists and producers in the music business, including B.B. King, Steve Vai, Joe Satriani, Warren Haynes, Laurence Juber, Pete Anderson, Tom Dowd and others, culled from the author's hundreds of interviews.

用户评价

这本书简直是为我这种吉他初学者量身定做的“救星”！我之前买了好几本号称“零基础入门”的教材，结果都栽在了那些晦涩难懂的乐理术语和枯燥的指法练习上，看得我昏昏欲睡，感觉吉他离我越来越远。但是，当我翻开这本《101吉他秘诀》（姑且这么称呼吧，因为我手头的版本书名是这个），那种感觉完全不一样了。它没有上来就给我灌输一堆复杂的音阶和琶音，而是非常接地气地从最基础的“如何正确持琴”开始讲起，甚至连调音这个看似简单实则常被忽略的步骤，都用非常细致的图文并茂的方式解释得清清楚楚。我记得第一条秘诀就讲了如何让你的左手手指尖能更有效地按弦，作者用了个非常形象的比喻，说要像“啄食的小鸟”一样用力，瞬间我就明白了那种需要用指尖“立起来”的感觉，而不是用指肚去按。接下来的内容更是环环相扣，比如关于扫弦节奏的拆解，它不是简单地告诉你“下-上-下-上”，而是拆分成更小的“律动单元”，让我这种节奏感极差的人也能抓住那种内在的“律动感”。看到第三十条的时候，我竟然已经能流畅地弹奏出好几个基础的和弦转换了，而且换和弦时的噪音明显减少了很多。这本书的优点在于，它把每一个“技巧”都处理成一个独立可攻克的“小关卡”，让人充满成就感，而不是像其他书那样，上来就是一大段理论让你望而生畏。对我来说，它更像是一位耐心且幽默的私人导师，而不是一本冰冷的教科书。如果你也曾因为感觉吉他太难而想要放弃，我强烈推荐你试试这本书的打开方式。

说实话，我原本对这种标题里带有数字的“技巧大全”类书籍持保留态度，总觉得它们内容会很零散，缺乏系统性，更像是一本临时抱佛脚的“速查手册”。然而，我对这本《101吉他窍门》的看法在阅读了大约三分之一后彻底转变了。它最让我欣赏的地方在于，作者对“效率”的理解非常深刻。他深知学习者的时间宝贵，所以每一个“Tip”都直击要害，没有一句废话。比如，在讲解如何快速掌握布鲁斯音阶时，它没有像其他教程那样先让你背诵大量的指板图，而是直接给出了一个“三和弦万能公式”，告诉你只需要掌握好这三个和弦的指型变化，就能在大多数流行歌曲的Solo中游刃有余。这种“抓主要矛盾、忽略次要细节”的教学思路，极大地加速了我的实用性进步。我发现，很多我以前觉得需要练习几周才能掌握的技巧，通过书中的特定练习方法（比如那个叫做“影子跟弹法”的练习，通过听录音然后盲弹，强迫大脑反应速度），在几天内就有显著提升。更让我惊喜的是，它对“即兴”的入门处理非常到位。它不是教你复杂的乐理，而是通过讲解“五声音阶的能量点”，让你在面对任何伴奏时，都能找到听起来“对味”的音符进行即兴发挥。这本书成功地将“弹得好听”和“学得快”完美结合起来，真正做到了理论为服务于实践，而不是反过来。

这本书的魅力，或许就在于它懂得如何与不同学习阶段的吉他手对话。我不是完全的新手，我已经弹了两年，对很多基础概念了如指掌，但我在音乐表达上总是感觉“差了点意思”，缺乏那种能让听众共鸣的“灵魂”。市面上很多“进阶”书籍，要么是让你钻研极其复杂的指弹技巧，要么就是陷入深奥的爵士和声理论中，这些对我目前的兴趣点来说，有点“用力过猛”。然而，这本《101吉他心得》的进阶内容，却聚焦于“音乐的感知与情绪传递”。比如，书中有一个章节专门讨论了“小调的悲伤感”是如何通过特定的“推弦力度”和“音符时值”来放大的，它不仅仅告诉你“用小调”，而是告诉你“小调的悲伤需要慢一点，推弦要带着一点点犹豫”。另一个让我印象深刻的是关于“和声色彩”的讲解，它没有复杂的和弦转换图，而是通过对比“大七和弦”和“属七和弦”在不同歌曲片段中的听感差异，让我直观地感受到了色彩的变化。这种基于“听觉感受”而非“理论推导”的学习方式，极大地激发了我用吉他去“讲述故事”的欲望。它更像是一本关于“如何用吉他讲故事”的指南，而不是一本“如何练习指法”的工具书。它巧妙地填补了我知识结构中关于“艺术表达”这一块的空白，让我觉得我的吉他学习终于迈向了真正的成熟阶段。

这本书的排版和视觉呈现，简直是为那些“视觉学习者”准备的福音。我过去看的那些教材，要么是密密麻麻的五线谱，要么就是模糊不清、让人分不清哪个手指该放在哪个品格的示意图。而这本《101吉他要点》在这方面做得无可挑剔。每一个技巧的讲解，都配上了极其清晰、高对比度的指板图。特别是在讲解“推弦”和“揉弦”这两个对手法要求极高的技巧时，作者甚至使用了不同颜色和箭头来指示力量的方向和幅度，这一点对我这种靠视觉辅助来建立肌肉记忆的人来说，简直是救命稻草。我记得我对着书上的一个“颤音控制”的图解练习了十分钟，就比我过去自己瞎琢磨一个小时的效果都要好。不仅是技巧，连对吉他保养的小贴士也处理得非常细致。比如，它有一个章节专门讲“弦距调整的初步判断”，并配上了从侧面拍摄的琴颈照片，告诉你如何通过观察琴弦和品丝之间的距离，来判断自己的琴是否需要送修或微调，这种超越基础弹奏教学的深度，让我觉得物超所值。它教会我的不仅仅是如何弹奏，更是如何“对待”和“维护”我的乐器。这种全方位的指导，让学习过程变得更加全面和人性化，而不是单向的知识灌输。

如果用一个词来形容我的阅读体验，那就是“颠覆性”。我之前一直受困于一个“技术瓶颈”——我的右手扫弦总是不够稳定，尤其是在进行复杂的切分节奏时，声音听起来总是拖泥带水，缺乏冲击力。我尝试了各种教程里教的“放松手腕”的方法，但总觉得理论化大于实践指导。直到我看到了这本书中的第72条：“打击乐思维与吉他节奏”。作者在这部分，完全跳出了传统乐理的框架，而是将吉他看作一种打击乐器。他详细拆解了“军鼓重音”和“底鼓律动”在吉他扫弦中的应用。他建议我不要去想“我要扫下还是上”，而是去想“我扫的这个音符，在整个节奏中扮演的是哪个鼓的角色”。这个思维转换太神奇了！我跟着书中的提示，对着节拍器，想象自己正在打一套简单的架子鼓，结果我的扫弦一下子就变得清晰、有力，并且富有弹性。更妙的是，书中还穿插了一些关于“如何构建一首歌的动态层次”的讨论，比如什么时候该用轻柔的指弹，什么时候该用强劲的扫弦来推动情绪，这些都是传统入门书完全不会涉及的，它们往往只关注于“能不能把音弹出来”。这本书真正教会了我如何“演奏音乐”，而不仅仅是“弹奏音符”。它让我对吉他的理解，从一个技术执行者，提升到了一个音乐构建者的层面。