Ebert's Bigger Little Movie Glossary

出版者:Andrews McMeel Publishing

作者:Roger Ebert

页数:224

出版时间:2005-12-3

价格:20.00 元

装帧:Paperback

isbn号码:9780836282894

用户评价

我最佩服的是作者在处理那些边界模糊的概念时的态度。电影术语里，很多词汇的使用是流动的，它们随着时代、地域和流派的不同而意义发生微妙的变化。这本书没有采取一刀切的僵硬解释，而是极其细腻地勾勒出了这些词义的演变轨迹。比如，对于“蒙太奇”这个词，书中不仅阐述了爱森斯坦的理论，还追溯了它在法国新浪潮运动中被如何“重新发明”，甚至提到了它在广告片和音乐视频中的变体。这种历史纵深感，让我对很多习以为常的电影技巧有了全新的理解。它让我意识到，我们今天看到的每一个镜头、每一个转场，背后都有着上百年的理论博弈和技术迭代。这本书的价值，就在于它帮助读者建立了清晰的知识坐标系，让你知道你正在观看的这部电影，在电影艺术的长河中，究竟处于哪个位置，它借鉴了谁的遗产，又在向谁发出挑战。

老实说，初次接触这本大部头时，我有点被它那种近乎于百科全书式的严谨和厚重感吓到了。它的排版是典型的学术风格，密密麻麻的文字，偶尔穿插着一些模糊的黑白插图，初看之下，确实不像是那种能让人轻松消遣的读物。然而，一旦你沉下心来，按照作者的逻辑去梳理那些条目，你会发现它蕴含着一种独特的美学。它不是那种为了迎合大众口味而进行过度简化的指南，它坚持用最精确的语言去定义每一个概念，仿佛作者在对读者发出一种挑战：“你真的想知道电影是如何‘运作’的吗？”我发现自己经常在查阅一个术语时，不经意间被引向另一个相关的、更有趣的词条，形成了一种奇妙的知识联结网络。对我来说，它更像是一台精密的显微镜，让你能够观察到电影这门艺术背后的微观结构。那些术语的定义，很多都带着作者鲜明的个人判断和长期的观察积累，读起来一点也不枯燥，反而充满了睿智的火花。

坦白讲，这本书的重量和篇幅让我望而生畏，我几乎不可能在短时间内把它“读完”。然而，它最棒的使用方式，恰恰不是去通读，而是把它当作一个沉静的参照物，放在书架上，或放在手边的工作台上。每当我观看一部风格独特的电影，或者在阅读某篇专业的影评时，遇到一个让我困惑的术语——无论是关于摄影机的运动、灯光的布景，还是剪辑的节奏——我都会下意识地去翻阅它。它总能提供一个清晰、权威且不失温度的解释。它就像一位学识渊博的老教授，你不需要时刻听他讲课，但你知道当你需要解答某个关键问题时，他就在那里，随时准备为你拨开迷雾。这种“常备”的价值，远超出了任何快速指南能提供的便利性。

这部厚厚的辞典简直是影迷的圣经！我拿到手的时候就有一种沉甸甸的满足感，那种纸张的质感，油墨的清香，让人仿佛回到了那个信息尚未被像素完全吞噬的年代。我尤其欣赏它收录词条的广度和深度。它不仅仅是列出那些你能在IMDb上轻易查到的名词，而是深入到电影制作的每一个角落——从早期默片时代的复杂灯光设置术语，到后现代主义剪辑手法中那些晦涩难懂的理论名词，应有尽有。我光是翻阅“高反差”这个词条，就发现里面详细解释了不同胶片库存对黑白电影颗粒感的影响，甚至引用了两位我从未听闻的欧洲摄影指导的访谈片段来佐证观点。这种对细节的执着，让它远超了一般的工具书。有时候我只是随便翻开一页，就会被某个冷门词条背后的历史故事吸引住，比如某种特定年代的片场安全规定，或者某个已经失传的特技制作流程。它不仅仅是知识的载体，更像是一部流动的、有温度的电影史诗。如果你想从一个“观众”升级为“行家”，这本词典是必不可少的修炼工具。

这本书的实用性也体现在它的“反潮流”精神上。在当今这个充斥着“爆米花电影术语”和社交媒体热梗的时代，这本书坚定地捍卫了电影语言的严肃性。你不会在这里找到对“史诗级大场面”或者“XX分钟高能预警”这类流行语的解释，它关注的是那些经得起时间考验的、结构性的词汇。对我这个业余编剧来说，它简直就是一本纠正我思维误区的利器。我经常翻到一些关于叙事结构和镜头调度的词条，比如“能指”与“所指”在银幕上的具体应用，立马就能发现自己写作中那些不自觉的、老套的用法。它强迫你去思考，你所使用的每一个词汇，背后是否有着扎实的艺术逻辑支撑。这种对根基的挖掘，对于任何想要深入创作领域的人来说，都是无价的。