Cultural Appropriation and the Arts

出版者:Blackwell Pub

作者:Young, James O.

页数:192

出版时间:2008-2

价格:£ 55.00

装帧:HRD

isbn号码:9781405176569

具体描述

Now, for the first time, a philosopher undertakes a systematic investigation of the moral and aesthetic issues to which cultural appropriation gives rise. Cultural appropriation is a pervasive feature of the contemporary world (the Parthenon Marbles remain in London; white musicians from Bix Beiderbeck to Eric Clapton have appropriated musical styles from African-American culture) Young offers the first systematic philosophical investigation of the moral and aesthetic issues to which cultural appropriation gives rise Tackles head on the thorny issues arising from the clash and integration of cultures and their artifacts Questions considered include: “Can cultural appropriation result in the production of aesthetically successful works of art?” and “Is cultural appropriation in the arts morally objectionable?” Part of the highly regarded New Directions in Aesthetics series

用户评价

从装帧和排版来看，这本书的制作水准是相当高的，纸张的质感很好，印刷清晰，注释和索引部分做得也很详尽，看得出出版方在物理呈现上是下了功夫的。不过，当我翻阅到关于视觉艺术的部分时，我感到非常困惑，因为几乎找不到任何高质量的插图来辅助理解作者的论点。对于一本探讨视觉艺术和表演实践的书籍来说，缺乏图像的支持，简直是自断一臂。作者反复提到某个特定的雕塑或绘画作品，试图用文字去描绘其复杂的视觉结构和文化内涵，但没有图文对照，读者只能凭借自己脑海中模糊的记忆去想象，这极大地削弱了论述的说服力。我非常希望能看到他所批判的那些‘挪用’案例的原始图像，以便能与他提出的理论视角进行直观的对比。难道艺术评论不应该建立在对‘可见之物’的精准描述和分析之上吗？这种纯粹依赖文字的描述，使得许多关于色彩、构图、材质的讨论变得苍白无力，我感觉自己像是在听一个优秀的播音员朗读一份关于从未见过的风景的旅行日记，令人向往，但始终无法亲身体验其丰富性。

这本书的理论框架似乎过于强调“西方中心主义”的反思，以至于在论述过程中，反而无意中构建了一个新的“反西方”的二元对立。作者在批判权力不对等时，所采用的工具和语言，很大程度上仍然是源自他所批判的哲学传统。我希望看到的是一个真正多中心、去殖民化的分析视角，一种能够超越简单的“施予者-接受者”或“压迫者-被压迫者”标签的更微妙的洞察力。例如，在讨论流行音乐产业如何从边缘文化中汲取灵感时，我更想了解那些被‘采样’的艺术家群体自身的能动性和他们对作品的商业化或再语境化的主动选择，而不仅仅是被动地被主流文化‘剥削’的受害者形象。这本书在这一点上显得有些单薄，它过于专注于宏大的结构批判，却忽视了微观层面个体在文化交流中的复杂博弈。这种一刀切的分析方式，虽然在政治上显得立场鲜明，但在学术深度上却显得不够圆融和丰富，少了那种‘原来事情远比我想象的复杂得多’的醍醐灌顶感。

这本书的封面设计确实很吸引人，那种带着古典油画质感的底色，配上现代感十足的字体排版，初看之下，我以为这是一本深入探讨艺术史中风格演变和跨文化影响的厚重著作。我原本是带着一种期待来翻开它的，希望能够找到一些关于不同文化艺术元素在历史上是如何被吸收、融合，甚至被误读的详尽案例分析。比如，我想知道巴洛克时期的装饰母题是如何穿越地理界限，影响到东方园林建筑的某些细节，或者探究十九世纪末的日本浮世绘对印象派画家们的视觉冲击力究竟有多大。我更期待作者能够对那些看似‘借鉴’实则带有殖民色彩的艺术实践进行批判性的梳理，比如欧洲探险家们将异域文物带回博物馆的过程，以及这些物品在新的语境下如何被重新定义价值和意义。然而，在阅读了开篇的几章后，我发现它似乎更偏向于一种宏观的哲学思辨，而非我所期望的扎实的艺术史案例研究。它更多地在讨论‘身份’和‘挪用’在当代社会语境下的伦理困境，这虽然重要，但对于一个渴望看到具体艺术品和历史背景对照的读者来说，无疑是少了一份触手可及的实在感。那种期待在厚厚的引文和脚注中挖掘出鲜为人知的故事的乐趣，在这里似乎被抽象的理论框架所取代了。

这本书的叙事节奏给我一种非常跳跃的感觉，仿佛作者在一场盛大的派对上，一会儿和A组嘉宾讨论一个严肃的社会议题，一会儿又转向B组嘉宾谈论一个非常个人化的情感体验，两者之间缺乏流畅的过渡。我试图跟上作者的思路，去理解他构建的理论体系是如何一步步支撑起他对艺术创作边界的界定的，但坦白说，很多章节读起来就像在迷宫里绕圈子。比如，在探讨“原创性”这一核心概念时，作者似乎花了大量的篇幅去解构传统西方美学的父权结构，这本身是很有价值的切入点。但是，当涉及到具体的艺术实践时，比如现代舞蹈中对传统仪式的引用，或者当代音乐中对民间旋律的采样，作者的论述往往停留在表层，未能深入剖析这些引用背后的权力动态和受众接受度差异。我期待的是那种深入到作品肌理层面的分析，比如某个舞者手臂的一个微小动作，是如何在不同的文化解读中产生多重含义的。这本书的语言风格偏向学术论文的严谨，但理论深度上又似乎没有完全扎根，导致阅读体验有些悬浮，像是在空中楼阁里听一场高深的讲座，虽然能感受到讲者的热情，却抓不住实质性的落脚点。

我不得不承认，这本书在引发听者思考方面是成功的，至少它成功地让我开始重新审视自己日常接触的许多文化产品，并对其背后的来源产生警惕。它成功地在我的脑海中种下了一颗关于‘边界’和‘归属’的怀疑种子。然而，这种思考的激发更多是源于书中提出的那些尖锐的伦理拷问，而不是它所提供的具体解决方案或替代性的艺术实践路径。读完合上书本时，我感到一种强烈的智力上的兴奋，但随之而来的是一种方法论上的迷茫。作者提出了许多必须被解决的问题，但似乎没有给出太多可供实际操作的工具箱。我期待的是，在揭示了‘什么是错的’之后，能够看到一些‘什么是可能的’——即在尊重文化源头的前提下，艺术创作者如何能进行真诚、互惠的文化对话，而不是在自我审查的重压下噤若寒蝉，或者仅仅停留在符号层面的肤浅挪用。因此，这本书更像是一份严肃的‘警示录’，而非一本‘实操指南’，它提醒我们注意脚下的雷区，但没有为我们指出通往安全地带的地图。