Art Nouveau Tiles, 1890-1914

出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Fowler, Sandra/ Harvey, Wendy

页数:192

出版时间:2007-7

价格:$ 56.44

装帧:HRD

isbn号码:9780764314414

用户评价

这本书最令人惊喜的一点，在于它对“被遗忘的工匠”的致敬。许多我们熟知的艺术大师的作品都有大量的文献记载，但这本书却将聚光灯投向了那些默默无闻的设计师和制模工人。作者通过挖掘当时的行业期刊、工人名册甚至专利申请记录，为我们重构了一个个鲜活的幕后人物。书中有一个章节专门讨论了女性设计师在瓷砖设计领域的贡献，她们是如何在那个男性主导的工业环境中，将更加细腻、柔和的自然主义元素融入到相对硬朗的建筑装饰中去。这种对历史细节的执着挖掘，让冰冷的历史文献变得有血有肉，也让我对那些宏大艺术运动背后的“人”的力量有了更深的敬意。读完后，我再看任何一张新艺术风格的瓷砖，都会忍不住去猜想，是哪位未被载入史册的匠人，倾注了多少心血才完成了这块小小的方寸之作。

我得说，这本书的排版和摄影功力绝对是业内顶尖水平。拿到实体书时，那种厚重感和纸张的质感就让人心情愉悦。当我翻到那些大跨页的整版高清照片时，简直屏住了呼吸。那些瓷砖上的细微裂纹、釉面反射出的微妙光泽，都被镜头捕捉得淋漓尽致，仿佛我正亲手触摸着那冰凉的表面。不同于一些只顾罗列图片的图录，这本书的编排充满了叙事性。它不是简单地将1890年和1914年的作品并置，而是通过精心设计的版式过渡，展示了风格是如何从初期的浮华与繁复，逐步向更简洁、更结构化的后期演变。特别是有几组对比图，将比利时维克多·霍塔设计中的植物藤蔓，与稍晚期德国新艺术运动中更具模块化的几何重复图案放在一起，这种视觉上的对话极其有力，远胜于冗长的文字说明，真正做到了“一图胜千言”。

这本关于新艺术风格瓷砖的图册，从19世纪90年代到一战前夕这段黄金时期，简直是视觉的盛宴。我尤其喜欢它对材料和工艺细节的深度挖掘。书中对当时欧洲各地瓷砖制造商的背景介绍非常翔实，不仅仅是展示了那些精美绝伦的成品，更深入剖析了蒸汽动力、新式釉料以及批量生产技术如何共同催生了这场装饰艺术革命。比如，对摩拉维亚地区某个小工厂如何通过创新烧制技术，实现了色彩的饱和度和耐久性的飞跃，那段描述读起来就像是在听一场关于工业美学的迷你讲座。作者似乎对每一块砖的“生命轨迹”都了如指掌，从最初的设计草图，到泥土的筛选，再到最终被镶嵌在某个巴黎咖啡馆或伦敦维多利亚式住宅的壁炉旁，整个过程充满了手工的温度和时代的烙印。那些对几何图案与自然主义曲线相互作用的分析，精准地捕捉到了新艺术运动那种既追求现代感又回归手工艺的矛盾与和谐，让人在赞叹那些繁复花纹的同时，也能理解其背后的设计哲学。

作为一名建筑史爱好者，我最欣赏的是书中对文化语境的探讨。这些瓷砖绝非孤立的艺术品，它们是那个特定社会背景下人们审美趣味和阶层观念的投射。书中不仅展示了富人阶层定制的昂贵艺术瓷砖，还花了不少篇幅讨论了中产阶级家庭中常见的、更具实用性和标准化的瓷砖应用，比如厨房和浴室的墙面。这种对“高雅艺术”与“日常应用”之间张力的剖析，使得整个研究显得立体而接地气。我尤其关注了书中对出口贸易路线的分析，探讨了法国和比利时的设计元素是如何通过殖民地或贸易网络，影响到遥远的美国或东欧的设计思潮。它让人明白，1914年以前的欧洲装饰艺术，远比我们想象的要全球化和互联互通，每一个花纹的细微变化，背后都可能隐藏着跨越国界的商业和文化交流。

对我来说，这本书的价值在于提供了一套全新的视角来审视“装饰性”本身。在现代主义思潮逐渐兴起，开始排斥一切“多余装饰”的背景下，这本书坚定地为新艺术瓷砖辩护，展示了它们在美学上是如何达到了一种近乎于建筑本身的结构重要性。作者巧妙地运用了符号学和色彩心理学的理论，去解构那些看似随意的卷曲线条和异域花卉图案，揭示了它们在抵抗工业化标准化、呼唤有机生命力方面的深层意图。特别是关于“连续性”主题的讨论，即如何利用连续不断的曲线和重复图案，在视觉上模糊了边界，创造出一种流动的、无尽的装饰效果，这个分析点非常独到和深刻。它不再把这些瓷砖仅仅看作是“漂亮的小物件”，而是将它们视为整个时代精神的物质载体，是那个时代对快速变化的现代生活进行美学回应的有力宣言。