Italian Renaissance Painting According to Genres

出版者:Getty Research Institute

作者:Jacob Burckhardt

页数:246

译者:David Britt

出版时间:2005-1-31

价格:USD 55.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780892367368

具体描述

The Swiss scholar Jacob Burckhardt (1818-1897) was one of the first great historians of culture and art. In his manuscript on the genres of Italian Renaissance painting - still unpublished in the original German and published here in English for the first time - Burckhardt assayed a transformative approach to the study of art history. Rather than undertaking a biographical or a chronological reading of artistic development, Burckhardt chose to read the source materials and extant works of the Italian Renaissance synchronically, by genre. Probably written between 1885 and 1893, this manuscript takes up twelve different categories of paintings, ranging from the allegorical to the historical, from the biblical to the mythological, from the glorification of saints to the denunciation of sinners. Maurizio Ghelardi's introductory essay analyses Burckhardt's innovative treatment of his subject, establishing the importance of this text not only within Burckhardt's oeuvre but also within the continuum of art historical research.

用户评价

这部关于意大利文艺复兴绘画的巨著，光是书名就足以让人对内容的广度和深度产生无限遐想。然而，实际翻阅时，我发现它似乎更像是一部细致入微的艺术史考据集，而非我所期待的那种能够串联起不同流派和风格的宏大叙事。它似乎将重点完全放在了对特定绘画“体裁”——比如肖像画、历史画、宗教画等——的严格分类和历史沿革上，而忽略了米开朗基罗、拉斐尔和达·芬奇等巨匠们在美学理论和创新技法上的突破性贡献是如何超越这些既定范畴的。阅读过程中，我不断在寻找那种能将15世纪佛罗伦萨的严谨线条与16世纪威尼斯的光影魔法联系起来的哲学思考，但得到的却是一份份详尽的、关于某一特定体裁在不同公国之间的流传谱系。这使得整本书读起来像是在一份异常详尽的博物馆藏品清单上做注解，结构清晰，信息量巨大，但缺乏灵魂的共鸣。我个人更倾向于那种能将艺术家的个人困境、赞助人的政治意图以及当时的社会思潮融为一炉的叙述方式，这本书在这方面显得过于学术化和疏离。

这本书的排版和印刷质量无疑是顶级的，那些精美的图版清晰度极高，但在内容组织上，我感受到了一种难以言喻的断裂感。它似乎完全按照“体裁”的首字母顺序或者某个年代学的标准来编排，而不是遵循一条流畅的艺术发展的时间线索。这意味着读者可能需要不断地在不同章节之间跳转，才能理解某一特定艺术家在不同阶段对不同题材的处理变化。这种叙事结构带来的认知负荷是相当大的。我期望的是一个有机生长的叙事，看到马萨乔的线性透视如何被后来的风景背景处理所继承和发展，但在这本书里，透视法可能被归在“建筑主题”下，而风景则被归在“田园叙事”里，使得连接性几乎消失了。结果就是，我仿佛在阅读一本多本独立小册子的合集，每一册都专注于一个狭窄的领域，缺乏一个统一的、富有洞察力的声音将它们编织成一幅宏伟的壁画。这种碎片化的处理方式，大大降低了阅读的连贯性和整体愉悦感。

坦白说，这本书的学术价值毋庸置疑，尤其适合那些需要引用特定体裁发展史的博士生或资深研究者。但对于我这样一个希望通过阅读来拓宽艺术视野、感受那个伟大时代脉搏的普通爱好者而言，它显得过于“技术化”和“非人性化”了。它对“体裁”的固执坚持，使得那些真正具有跨界性质的杰作——那些模糊了历史、神话与现实界限的作品——的光芒被削弱了。例如，达·芬奇的《最后的晚餐》，它既是宏大的历史叙事，也是精妙的心理肖像剧，但在这本书的框架下，它可能要被生硬地划分为“宴饮场景”或“宗教题材”，从而失去了讨论其构图革命性的最佳语境。我更希望看到的是对“风格”的流动性、对“主题”的文化意义的动态分析，而不是一板一眼地将绘画作品固定在它们被贴上的标签里。这本书提供了极佳的“骨架”，却缺少了描绘血肉与情感的色彩。

从一个痴迷于文艺复兴早期人物肖像风格演变的读者的角度来看，这本书的侧重点让我感到非常困惑。它详尽地分析了文艺复兴盛期贵族肖像画中对权力象征的符号学解读，这部分内容确实扎实到位，充满了学院派的严谨。然而，对于早期佛罗伦萨肖像画中那种略带僵硬却充满人文精神的首次亮相，以及它如何受到古典雕塑的启发，这本书几乎没有给予足够的篇幅去深入探讨。似乎“肖像画”这个体裁在被赋予了某种特定的政治功能后，才被认为是值得大书特书的。我感觉自己更像是在阅读一份关于“官方纪念性艺术”的报告，而不是一部关于绘画艺术变迁的通史。我渴望的是那种能够捕捉到艺术家在尝试描绘一个真实而独立的个体灵魂时所经历的挣扎和突破的细腻文字，而不是仅仅罗列出不同委托人对服饰细节的特定要求。这本书的“体裁”划分，似乎成了阻碍艺术深度探究的一堵无形之墙。

拿起这本书的瞬间，那种厚重感预示着一场对意大利文艺复兴艺术的沉浸式体验，然而，读完前几章后，我不得不承认，我迷失在了繁复的“体裁”定义之中。作者似乎非常执着于将每一幅作品塞进一个预设的标签里，这导致了对作品本身创新性的讨论被大大削弱。例如，在讨论宗教题材时，它详尽地分析了圣母子画在不同城市如何服务于地方教会的特定教义，但对于乔尔乔内那种革命性的模糊处理和情绪表达，仅仅是一笔带过，仿佛那只是“风景画”范畴内的一次小小的技术实验。这种过度聚焦于体裁划分的倾向，使得阅读体验变得有些干燥和教条化。我的期待是能看到对“文艺复兴精神”如何渗透到绘画语言中的深入剖析，而不是仅仅梳理出“什么题材在什么时候流行”的脉络。这本书更像是为准备专业考试的学生准备的参考资料，对于渴望从艺术中汲取生活灵感或进行深层美学反思的普通爱好者来说，它的信息密度和视角深度未能达到预期的平衡。

@2015-09-12 19:07:52

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