具体描述
传统摄影技法对当代摄影的创作和审美有着广泛的借鉴和深远的指导意义。《古典风格人像摄影用光技法》作者克里斯托弗·格雷秉着对摄影技法探索和研究的精神，生动地介绍了1910年到1970年人像摄影用光的技术。在今天看来，这些所谓古典风格的旧照片、旧作品具有强烈的时代特色和特殊的审美情趣，结合今天的数码摄影工作和创作便会焕发新的活力。全书按照时间顺序来讲解，以20世纪的6个特色时代对人像摄影用光的特点和技术要点做了细致的梳理和介绍，如爱德华时代、轰鸣的20年代、肮脏的30年代、短暂的40年代、美妙的50年代、狂飙的60年代，每个时代都结合大量案例来说明在今天的技术条件下如何快捷地实现不同风格的古典照片，最后一章还针对性地讲解了这些技术的后期实现方法。
《古典风格人像摄影用光技法》非常适合专业摄影师、摄影爱好者、人像摄影师、摄影专业学生等阅读参考。
作者简介
目录信息
第2章 1920~1930年 轰鸣的20年代
一支主光灯，一支补光灯
柔和而开放的阴影
有特色的背景
戏剧化的天光
长绒围巾
大画幅与短焦距
向上的影子
交叉布光
第3章 1930~1940年 肮脏的30年代
不舒服的姿势
暗影与色调融合
欠曝与过曝的混用
过曝的高光
强烈的逆光与光斑
布光难题的解决
造一面假墙
第4章 1940~1950年 短暂的40年代
绿幕
有力度的布光
第5章 1950~1960年 美妙的50年代
相近色的使用
给20世纪50年代的布光增加现代感
用补色作背景
用补色作背景，第二次拍摄
20世纪50年代的时尚
阴影的使用
凝固动作
“诱惑”作为主题
招贴画美女
用绿幕拍招贴画
裸肩肖像
用简单设备拍出好照片
图案投影板与聚光罩
用镜子拍古典肖像
性感女郎
20世纪50年代的男人
第6章 1960~1970年 狂飙的60年代
人物的边框
把背景缺陷作为拍摄元素
摇摆舞
20世纪60年代的时尚
街头摄影
紧凑构图和滤色片
第7章 最后修饰
转为黑白效果
添加颗粒
调色
深棕色调
硒调色
黑白胶卷
座机的焦点
为绿幕招贴画制作背景
另一种方法
给眼睛增加对比度
油彩上色
· · · · · · (收起)
读后感
评分
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用户评价
从一个纯粹从审美角度出发的读者来看，这本书的吸引力在于它承诺了一种“高级感”。这种高级感，并非指昂贵的设备，而是指一种经过深思熟虑的视觉语言。我非常好奇，作者是如何定义“古典风格”的——是巴洛克时期的强对比，还是新古典主义时期的柔和过渡？不同的“古典”流派，其对光线的处理肯定有着本质的区别。我期望书中能够提供一个清晰的图谱，展示不同时期、不同流派的光线特点，并提供相应的实战案例解析，说明为了达到某种“古典”效果，需要哪些具体的步骤和修正。更深层次上，我希望这本书能教会我如何避免陷入刻板的模仿，而是真正理解古典布光的底层逻辑，并将这种逻辑灵活地应用于现代的人物情感表达上，让每一个肖像都能讲述一个耐人寻味的故事，而不是仅仅成为一张光线标准的“证明照”。这种对“风格内涵”的挖掘，才是此类专业书籍的价值所在。
评分作为一名对肖像摄影有执着追求的爱好者，我一直在寻找能将“科技的精确性”与“艺术的随意性”完美融合的指导书。这本书的书名听起来就充满了对细节的苛求。我特别期待看到作者在讲解技术细节时，是否能结合摄影史的脉络来阐述。比如，摄影早期的湿版火棉胶技术在布光上的限制和特点，是如何影响了后世的布光审美取向的。了解历史背景，往往能帮助我们更好地理解为什么某些布光方法被奉为经典。另外，如果作者能深入讨论色彩在古典风格中的作用，即使是黑白照片，其影调的分布也决定了视觉上的“色彩感”。我希望这本书能教导我们如何通过精确的曝光和影调控制，去模拟出早期摄影或绘画中那种特定的物质感和光泽感。这种从历史深处汲取营养的方法，比单纯模仿现代流行风格要来得坚实和持久得多。
评分说实话，现在的摄影教材很多都偏向于快速、高效、直接的商业化拍摄手法，这在一定程度上扼杀了对光线更深层次的理解和探索欲。这本书的出现，仿佛是一股清流，它提醒着我们，真正的光影艺术需要沉淀和耐心。我个人比较关注的是如何运用非标准化的光源布局来创造那种“意外之美”——那种仿佛自然发生，实则精心策划的光线布局。我希望作者能够分享一些关于如何驾驭复杂环境光（比如窗户光）的技巧，并说明如何通过人工补光来“校准”或“增强”这种古典氛围。例如，如何用一盏或两盏灯，就能制造出仿佛只有烛火或微弱自然光才能达到的那种聚焦感和空间深度。如果书中能提供一些关于布光与环境背景虚化的结合策略，例如如何让背景的阴影部分也参与到画面的构图中来，那就更棒了。对我来说，古典美学不在于复古的道具，而在于那种对形式和光线秩序的绝对掌控力。
评分这本摄影技术类的书籍，虽然我还没有机会完全细读，但从目录和一些片段的浏览来看，它似乎在探讨一个非常精深的话题，那就是如何在现代的摄影实践中，巧妙地融入那些经过时间沉淀的古典美学元素。我特别期待看到作者如何解析光影的运用，那种光影的塑造方式，它不仅仅是用来“照亮”主体，更像是一种叙事工具，能够赋予人物肖像以雕塑般的立体感和历史的厚重感。我猜想，书里会详细拆解伦勃朗光、蝴蝶光、三角光这些经典布光方式的现代变体，并且会深入剖析如何通过对光线硬度和柔和度的控制，来模拟不同历史时期绘画作品中的那种氛围感。对于致力于提升肖像作品艺术性的摄影师来说，这种对“古典”二字的理解和转化，无疑是极具价值的。光影的把握，是区分技术型摄影和艺术型摄影的关键分水岭，如果这本书能提供一套可操作且富有启发性的光线哲学，那它的价值就无可估量了。我希望能从中学习到如何让被摄者的眼神深邃、皮肤纹理细腻而又不失质感，最终达到一种超越时间限制的永恒美感。
评分我最近迷上了那种带点戏剧张力的黑白肖像，那种深邃的暗部和精准的亮部对比，总能让人联想到老电影或者文艺复兴时期的油画。所以，当我在书店看到这本书时，我的注意力立刻就被“古典风格”这几个字抓住了。我预感这本书的重点绝不会停留在简单的器材介绍或者参数设置上，它更像是深入到摄影美学内核的一场探险。我非常好奇，作者是如何将那些二维平面艺术（比如古典油画）中的光影法则，成功地“翻译”到三维空间的摄影布光中去的。这中间涉及的透视、环境光的模拟、以及如何选择反光板和柔光箱的材质，都是需要高深学问的。如果书中能提供不同布光方案对应的具体案例对比，比如同样一个模特，用“文艺复兴式”布光和“新古典主义式”布光，最终呈现出的人物情绪和故事感会产生何种天壤之别，那对我来说绝对是醍醐灌顶的宝贵经验。我期待看到作者如何教我们“看见”光，而不是仅仅“使用”光。
评分布光真的很重要，但是我不会！
评分布光真的很重要，但是我不会！
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评分书愿来自：梁心，第一次购书季
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