Ellsworth Kelly

出版者:Tate Publishing

作者:Christoph Grunenberg

页数:64

出版时间:2008-03-01

价格:USD 29.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9781854376305

具体描述

Without aligning himself fully to any particular art movement, Ellsworth Kelly (b. 1923) has continued in his singular quest to create an original abstract vocabulary. Unlike many of his contemporaries, he has never maintained a sharp divide between the natural and the abstract worlds, deriving his abstract forms from sources as disparate as cityscapes, the play of shadows on a wall, or the structure of plants. Christoph Grunenberg's insightful essay makes a major contribution to understanding the course of Kelly's development, explaining why he is widely seen as one of the greatest American painters of the second half of the 20th century.

用户评价

这本书的文字风格简直可以被称为“清醒的诗意”。它没有那种矫揉造作、充满感叹号的赞美，而是用一种近乎于冷峻的、冷静的语调，来描绘那些极度感性的视觉体验。比如，当描述一幅仅仅由两种纯色组成的巨幅画作时，作者使用的词汇不是“震撼”或“美丽”，而是“张力”、“边界的消弭”和“视觉的共振频率”。这使得我们这些读者在阅读时，仿佛置身于一个没有杂音的展览空间，所有的焦点都被集中在那块精心计算过的色彩平面上。更让我感到惊喜的是，书中对非绘画作品的论述，特别是那些考察光影与建筑关系的小型装置和雕塑，占据了相当大的比重。作者似乎特别关注Kelly作品中那种“介于有与无之间”的状态，比如如何利用材料的反射率来模糊作品与环境的界限。读完这部分内容，我立刻起身走到窗边，开始用一种全新的眼光审视自己房间里的光影变化，那种阅读带来的即时行动力和认知升级，是极其罕见的。这本书成功地将艺术史的知识、哲学思辨的深度，融入到了一种高度个人化、近乎感官体验的写作模式中。

如果要用一个词来形容阅读这本书的感受，我会选择“被提纯”。它彻底洗去了我对“大师”的刻板印象，没有将Ellsworth Kelly塑造成一个被神化的偶像，而是将其描绘成一个无比专注、甚至有些古怪的实践者。书中有一段文字，提到艺术家晚年对某些特定色号的执念，为了重现几十年前记忆中的某种蓝色，他进行了一系列的复杂的化学混合实验，这个细节让我动容。这表明了，极致的简约背后，往往隐藏着最复杂的投入和最坚韧的意志。作者在论述中非常巧妙地穿插了与同时代其他艺术家的对比，但这种对比不是为了贬低谁，而是为了凸显Kelly在追求纯粹形式上的孤独与坚定。这本书的魅力在于它的“反高潮”：它不会给你一个宏大的结论，告诉你一切都完美了；相反，它展示了这种完美是如何在无数次接近、无数次推翻中挣扎出来的。它让你相信，真正的艺术创新，往往来自于对既有规则的彻底解构和对自我标准的绝对服从。这不仅仅是一本关于一个艺术家的书，它更像是一部关于如何保持创作纯净性的心灵指南。

这本书，初看书名，还以为会是一本关于某个特定历史人物或地域的严肃传记，毕竟“Ellsworth Kelly”这个名字本身带着一种沉稳的、具有学术气息的重量感。然而，当我真正翻开书页，映入眼帘的却是一场色彩与形式的盛宴，它更像是一次对视觉本质的纯粹探索。作者似乎完全摒弃了传统叙事中对人物生平的繁琐梳理，转而将笔触聚焦于艺术家作品背后的哲学思辨和创作历程中的关键转折点。比如，其中有一章详细剖析了艺术家早期在巴黎的抽象表现主义影响下的挣扎与突破，那种对线条与光影的执着，简直让人感同身受。作者的语言风格在这里变得极为克制和精确，仿佛他本人也是一位极简主义者，每一个词汇都经过了反复的打磨，只为最有效地传达那种“形即是意义”的观念。我尤其欣赏作者如何巧妙地引入当时的艺术思潮，比如对“色域绘画”的讨论，没有用晦涩的术语去搪塞读者，而是通过对具体作品的细致描述，引导我们进入一种近乎冥想的观赏状态。这本书的排版和图文配合也是一流的，黑白照片与彩图的穿插布局，本身就构成了一种视觉节奏，让人在阅读历史和理论的同时，也能享受到纯粹的视觉愉悦。它不是一本让人一口气读完的消遣读物，更像是一本需要反复品味、时常停下来沉思的艺术指南。

老实说，我最初对这本“Ellsworth Kelly”的期望是它能揭示一些鲜为人知的秘闻轶事，毕竟艺术家的生活总是充满了戏剧性。然而，这本书提供给我的，却是另一种层次的“爆料”——是对创作过程近乎偏执的还原。它没有太多关于私生活的渲染，所有的焦点都紧紧锁定在了画布、雕塑以及它们与空间的关系上。书中对Kelly如何从具象走向纯粹几何形态的转变过程，描述得简直像是一部侦探小说。特别是关于他如何通过在不同光线下观察物体边缘的锐度，来确定最终色彩的饱和度那一节，我看得目不转睛。作者似乎获得了独家的创作笔记，详细记录了艺术家对“光”的物理学研究，这远超出了普通艺术评论的范畴，更像是一份科学实验记录。我仿佛能闻到工作室里松节油的味道，看到颜料在调色板上被精确地混合，那种对完美形式的追求，近乎于一种宗教般的虔诚。这种细致入微的描摹，让原本看似冷峻、不可接近的极简作品，突然拥有了鲜活的、充满汗水的温度。对于那些想要模仿或深入理解这种创作手法的年轻艺术家来说，这本书无疑是一本无价的“操作手册”，尽管它的语言是散文体的，但内里蕴含的技法信息量巨大，远远超出了我对一本艺术家传记的期待。

这本书的叙事结构非常大胆，它没有采用线性时间轴的叙事方式，反而更像是一张由不同维度的观察点构成的网。某一章可能突然跳跃到上世纪八十年代他在美国西部的某个大型公共艺术项目，紧接着下一章可能就回溯到他战后对欧洲现成品艺术的吸收。这种跳跃感，初读时可能会让人有些迷失方向，但一旦适应了作者的节奏，就会发现这恰恰是理解Kelly艺术理念的关键所在。因为对Kelly来说，时间本身似乎是次要的，重要的是形式、颜色和空间这三者在任何时间点上达到的和谐统一。书中对“系列”作品的分析尤为精彩，作者并没有简单罗列出作品，而是深入探讨了为什么某一组作品必须是五幅，而不是四幅或六幅，这种对数量的执着背后，隐藏着对视觉平衡的深刻理解。我必须承认，阅读这本书的过程，像是在进行一场智力体操，需要不断地在历史背景、理论分析和作品直观感受之间进行切换。它强迫读者去思考：艺术的本质，究竟是情绪的投射，还是秩序的建立？作者没有给出标准答案，而是通过对Kelly作品的层层剥茧，将这个问题抛给了每一个读者，这种互动性，是很多艺术书籍所不具备的。