Carlo Scarpa

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出版者:Taschen
作者:Sergio Los
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2002-12-1
价格:USD 19.99
装帧:Paperback
isbn号码:9783822821114
丛书系列:
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具体描述

Carlo Scarpa was a virtuoso of light, a master of detail, a connoisseur of materials. In his lifetime he was often dismissed as "merely" an artist who also wanted to build. Today, however, it is clear that his own brand of Modernism made him one of the 20th-century architectural greats. Scarpa taught at the Venice architectural faculty. Over a period of three decades he designed exhibitions in London, Paris, Rome and Milan, and regularly for the Biennale in Venice, his native city. The major contributions to his fame, though, were museum projects such as the Gipsoteca Canoviana in Possagno and the Museo di Castelvecchio in Verona.

建筑的诗学与物质的沉思:论费尔南多·佩雷斯的《光影之间:从古典主义到现代性的材料语汇》 作者:费尔南多·佩雷斯 (Fernando Pérez) 出版社:大都会建筑学院出版社 (Metropolitan School of Architecture Press) 页数:580页 装帧:精装 --- 导言:在历史的回响与未来的呼唤中寻找建筑的本真 费尔南多·佩雷斯教授的这部巨著《光影之间:从古典主义到现代性的材料语汇》并非一部单纯的建筑史梳理,而是一场深入骨髓的哲学漫游,它以“材料的语汇”为核心切入点,探讨了自文艺复兴盛期至二十世纪中叶,西方建筑如何通过对光线、质地和结构的认知与运用,来表达其时代精神、社会理想与个体感知。佩雷斯教授摒弃了传统上侧重于风格演变或巨匠生平的叙事模式,转而聚焦于那些看似静默无言,实则承载了最多文化信息与建造智慧的物质实体——砖石、木材、混凝土、玻璃乃至金属的肌理与交接方式。 本书的宏大叙事结构,可以被视为对现代性危机的一种深刻回应:当技术进步使得任何材料的模仿和替代变得轻而易举时,建筑的真实性(Authenticity)将依托何处?佩雷斯认为,答案隐藏在对特定材料在特定光照条件下所展现出的固有美学特性,以及它们在历史语境下所蕴含的“技术诗学”之中。 第一部分:古典的沉思与物质的永恒性 (约180页) 佩雷斯将引人入胜的笔触首先投向了古典主义的成熟期,重点剖析了文艺复兴晚期,特别是巴洛克早期建筑师在面对尺度与比例的永恒难题时,如何运用大理石、石灰石和灰泥来“锚定”空间。 第一章:光线作为界定者——卡拉瓦乔式的照明与建筑 本章细致地考察了十七世纪罗马建筑中对戏剧性光影的运用。佩雷斯指出,与早期文艺复兴建筑中追求的均匀、理性的光照不同,巴洛克建筑师更倾向于利用墙体的凹凸变化、窗户的隐藏设置,制造出明确的光源焦点,使材料的纹理在强烈的对比下呈现出雕塑般的力度。他通过对特定教堂立面和内部祭坛的细微观察,论证了这种照明策略不仅服务于宗教叙事,更是一种对观看者心理状态的精准调控。 第二章:承重与装饰的界限——砖石的潜能 佩雷斯对砖(Brick)这种最基础的建筑材料进行了深入的“物质考古”。他挑战了二十世纪以来将砖视为“朴素”或“乡土”的简单标签,追溯了其在十八世纪北欧和西班牙地区,如何通过精细的砌筑技术(如荷兰式砌法和弗兰德斯式砌法)来表现出超越其成本的精湛工艺和细腻的色彩变化。他特别强调了砖块在受潮后颜色深浅的微妙变化,以及这些变化如何记录了建筑与地方气候的持续对话。 第三章:木材的内在韵律——桁架结构的美学逻辑 在分析了石材的静态美之后,佩雷斯转向了木结构。他并未停留在对哥特式木构的描绘,而是深入到十九世纪工业革命初期,一些工匠如何试图在结构逻辑(如剪刀式桁架或拱形屋顶)的清晰几何关系中,提炼出一种纯粹的、可被清晰感知的内在秩序。木材的“年轮之声”,被视为对人类时间感和自然生命周期的沉默致敬。 第二部分:工业的介入与新材料的语境重塑 (约220页) 随着工业革命的深入,钢铁、玻璃和早期钢筋混凝土的出现,彻底颠覆了传统建筑的“承重即外显”的原则。佩雷斯将这一时期的变化视为建筑美学观念的根本性转变,是从“物质的重量”向“结构的可见性”的过渡。 第四章:钢铁的骨骼与玻璃的皮肤——透明度的伦理困境 本章对十九世纪末的结构钢框架进行了批判性考察。佩雷斯认为,早期摩天大楼(如芝加哥学派的代表作)的立面设计,实际上是技术解放与传统审美焦虑之间拉锯战的产物。钢结构提供了彻底的自由,但建筑师们却倾向于用古典的壁柱或文艺复兴的窗间墙来“包裹”这层新的骨骼。这种“装饰性的伪装”揭示了建筑界在拥抱技术透明度时的犹豫不决。他详细分析了几种早期玻璃幕墙系统,探讨了“反射”与“穿透”的辩证关系。 第五章:混凝土的革命性悖论——塑性与纪念性 佩雷斯对钢筋混凝土的讨论充满张力。他承认混凝土的塑形能力是建筑史上一次巨大的解放,但同时也尖锐地指出,当混凝土被简单地暴露在外部(如粗野主义的先声)时,它常常失去了与其环境的微妙联系。他着重分析了那些成功地利用了混凝土浇筑纹理(Board-formed concrete)来保留模板木材痕迹的作品,认为这些作品成功地将工业材料的效率与传统工艺的触感结合起来,创造了一种新的“物质记忆”。 第六章:光与空气的去物质化——现代主义的极简追求 在探讨现代主义早期,佩雷斯将注意力转向了Le Corbusier和Mies van der Rohe等人的后期作品。他认为,这些建筑师的目标是消除材料的“物质感”,追求一种纯粹的、由光和空间构成的“形而上学”的建筑。他以密斯在巴塞罗那展馆中对抛光石材和反光表面的运用为例,论证了这些材料并非为了展现自身,而是为了最大化地捕捉和扭曲周围环境的影像,使建筑本身成为一个巨大的、不断变化的“光影的容器”。 第三部分:地方的回归与手工艺的再发现 (约180页) 佩雷斯认为,二战后,尤其是在全球化的冲击下,建筑对“地方性”(Genius Loci)的关注重新升温。这并非简单的复古,而是一种对材料真实性与建造经验的重新肯定。 第七章:地方石材的语法——挖掘地域性的肌理深度 本章聚焦于战后意大利和北欧地区,一些建筑师如何重新启用地方性开采的石材。佩雷斯强调,关键不在于使用哪种石头,而在于“如何切割和铺设”它。他比较了粗粝的劈开面(Snapped face)与精细的磨光面,论证了前者如何通过保留开采过程中的断裂痕迹,向观众讲述了关于“地质时间”的故事,赋予建筑一种比人生命更长的厚重感。 第八章:被忽视的连接点——细节的伦理学 《光影之间》的精髓之一在于对“连接点”(Junctions)的细致考察。佩雷斯断言,建筑的品质往往体现在材料交汇处的处理上。他对比了传统榫卯结构中材料的“和谐渗透”与现代焊接或粘合中的“机械断裂”。他以数个案例展示了,当建筑师放弃用装饰来隐藏连接时,材料本身如何通过巧妙的搭接、错位或精确的负空间处理,来定义彼此的关系和最终的表达。 第九章:时间的介入——材料的成熟与老化 本书的收官部分探讨了“时间”作为建筑的第九种材料。佩雷斯对铜绿的形成、混凝土的碳化、木材的氧化等自然过程进行了哲学化的解读。他反对现代主义追求的“永恒的新鲜感”,主张接受材料的老化是其生命周期的一部分。一个真正优秀的建筑,应当是那些能够优雅地、有尊严地接受时间和气候侵蚀,并随着岁月的流逝而生成新的美学层次的作品。 结语:建筑的物质性与精神指向 费尔南多·佩雷斯的《光影之间》提供了一套深刻而细致的视觉与物质分析框架。它敦促读者放下对宏大理论的盲目崇拜,转而沉浸于建筑的最低处——泥土、石头、光束的微小交锋之中。通过这种对材料本性的深挖,佩雷斯成功地构建了一条清晰的脉络,揭示了建筑如何在其物质的沉思中,最终指向了人类存在的意义与精神的寄托。这是一部对建筑教育者、实践者和所有热爱物质世界的人士而言,都不可或缺的里程碑式著作。

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用户评价

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,光是捧在手里,就能感受到那种对细节的极致追求。纸张的选择偏向于略带粗糙的哑光质感,墨水的渗透度和色彩的层次感处理得非常到位,即便是大面积的黑色印刷,也保持了一种深邃而不失温度的质感。封面那极简的几何图形排版,仿佛在无声地向你宣告着某种设计哲学——克制中的爆发力。内页的留白处理堪称教科书级别,行距和字号的调整达到了微妙的平衡,让人在阅读长篇幅的文字时,丝毫不会感到压迫感,反而有一种呼吸的从容。装订工艺的考究更是令人称道,平摊时书页之间的过渡流畅自然,没有那种新书特有的生硬感。我猜想,这本书的校对和设计团队一定投入了大量心血,才能将这种“物性”上的完美呈现出来,它不仅仅是一本书,更像是一件可以被反复摩挲的艺术品。这种对物质媒介的尊重,使得每一次翻阅都成为一种仪式感十足的体验,远超出了内容的传递本身。

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这本书最让我感到震撼的是它对“失落”这一主题的探讨深度。它探讨的不是那种戏剧化的、突如其来的灾难性丧失,而是那种日积月累的、潜移默化的、关于身份认同和记忆腐蚀的缓慢消亡。人物的行为逻辑充满了灰色地带,他们没有绝对的善恶之分,更多的是在巨大的时代洪流和个人局限性中,做出了种种令人唏嘘的抉择。书中对于“记忆的不可靠性”这一命题的探讨达到了新的高度,不同角色的回忆相互矛盾,使得真相变得扑朔迷离,迫使读者不得不去质疑自己所接受的信息。这种对人性复杂性的不加粉饰的呈现,让人在合上书本后,久久无法抽离,开始反思自己生命中那些被选择性遗忘或美化的过往片段。它没有提供简单的答案,而是留下了一片广阔而令人不安的思考空间。

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这本书的叙事节奏把握得极其老辣,作者似乎深谙“张弛有度”的艺术。开篇并没有急于抛出核心冲突或宏大背景,而是像一个经验老到的说书人,用一系列看似不经意的生活片段,缓慢而精准地搭建起人物的心理基石。初读时,我甚至有点焦急,觉得情节推进得过于缓慢,但随着深入,才恍然大悟,所有的铺垫都是为了后面那几次力度惊人的情感爆发做蓄力。作者擅长使用大量的内心独白,但这些独白并非拖沓的自言自语,而是充满密度和张力的内在挣扎的具象化。他巧妙地运用了时间线的跳跃和回溯,让历史的重量与当下的困境交织在一起,形成一种复调式的叙事效果。这种结构,要求读者必须全神贯注,稍有分心便可能错过那些微妙的暗示和转折点,一旦跟上,那种被情节紧紧攥住的感觉,实在令人着迷。

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我发现这本书的章节标题设计极具巧思,它们往往不是对内容的高度概括,而更像是一些碎片化的诗句或者历史典故的引用,每一条都像一把钥匙,指向了该章节中某种深层的情感主题,而非情节脉络。这种非线性的标题方式,极大地增强了阅读的探索欲。此外,书中穿插的一些手绘插图或历史照片的版式处理,也体现了极高的审美品味,它们并非简单的装饰,而是与文字内容形成了复杂的对位关系,有时是呼应,有时则是微妙的戏仿或反讽。这种多媒介元素的整合,显示出作者或编辑团队在策划之初就拥有一个非常宏大且统一的艺术愿景。它要求读者进行一种主动的、多层次的解码工作,最终收获的饱满感,是那种单一媒介作品难以比拟的,像是在欣赏一个精心布置的装置艺术。

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文笔的质感有一种独特的“湿润感”,说实话,我很少在当代作品中读到如此精雕细琢的句子结构。作者的词汇选择非常讲究,既不矫揉造作地堆砌生僻词,也没有流于日常口语的扁平化表达。他似乎总能找到那个最精准、最不可替代的动词或形容词,让画面感瞬间跃然纸上。特别是在描绘环境和氛围时,那种光影的变幻、气味的残留,乃至空气的密度,都被描摹得栩栩如生,仿佛我可以嗅到那个场景中的尘土味。更绝妙的是,他的幽默感是内敛的,不是那种直白的笑料,而是隐藏在讽刺与荒诞的边缘,需要细细品味才能捕捉到其精妙之处,常常让人会心一笑,然后又陷入沉思。这种文字的密度,让人忍不住要逐字逐句地去揣摩其背后的深意和韵律。

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断片式建筑

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读不厌的scarpa…好想去意大利啊啊啊啊

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A virtuoso of light, a master of detail, a connoisseur of materials

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A virtuoso of light, a master of detail, a connoisseur of materials

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美院图书馆淘书2

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