アール・デコの優美なファッションイラスト

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出版者:グラフィック社
作者:石山彰
出品人:
页数:128
译者:
出版时间:2013-4-5
价格:JPY 1728
装帧:大型本
isbn号码:9784766124873
丛书系列:
图书标签:
  • 设计
  • 石山彰
  • 画冊
  • 服饰
  • 日本
  • デザイン
  • ◆作品集・設定集
  • 2013
  • アール・デコ
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  • 歴史
  • 20世紀
  • 装飾美術
  • 西洋美術
  • 服飾
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具体描述

《装饰艺术的优雅:时代风华的纸上倩影》 步入二十世纪初的迷人时代,当一场名为“装饰艺术”的艺术浪潮席卷全球,它不仅仅是建筑、家具和珠宝设计上的革新,更深刻地渗透到了当时的时尚界,雕塑出了一道独特而耀眼的风景线。本书将带您穿越时光的帷幕,走进那个充满活力、奢华与精致的年代,去领略由画笔与色彩共同谱写的时代风华。 这里没有冗余的理论阐述,没有枯燥的学术分析。我们聚焦于那些承载着时代印记的时尚插画,它们如同凝固的音符,捕捉了那个年代女性身姿的万千风情。从巴黎的璀璨夜空到纽约的摩天大楼,从爵士乐的摇摆节奏到电影明星的光彩照人,装饰艺术以其大胆的几何线条、鲜艳的色彩组合、以及对新材料和异域风情的迷恋,为当时的服饰注入了前所未有的生命力。 您将在此书中遇见那些精心设计的晚礼服,它们用丝绸、薄纱和蕾丝勾勒出流畅的曲线,缀满了闪耀的珠绣和羽毛,如同夜空中最璀璨的星辰。那些日间的套装,以其简洁利落的剪裁和富有雕塑感的轮廓,展现了新时代女性独立而自信的风貌。无论是长至地面的晚宴长裙,还是俏皮活泼的及膝裙,每一件都经过了精心的构思和绝妙的工艺,体现了那个时期对优雅与舒适的极致追求。 装饰艺术风格的时尚插画,本身就是一件件独立的艺术品。它们往往运用粗犷有力的线条,将人物的身形处理得修长而挺拔,如同伸展的芦苇,又或是流动的瀑布。色彩的运用更是大胆而富有表现力,浓郁的宝石色调、明亮的糖果色,以及强烈的黑白对比,共同营造出一种视觉上的冲击力和奢华感。有时,插画师还会巧妙地运用金箔、银箔,或是压印的纹理,为画面增添更多立体感和质感,让观者仿佛能触摸到布料的柔软与光泽。 书中呈现的插画,不仅仅是服装的描摹,更是那个时代生活方式的缩影。您可以从中窥见女性的发型、妆容、帽子、鞋履、手袋、以及精致的首饰,它们共同构成了一个完整的时尚体系。从短发蓬松的波波头,到华丽夸张的羽毛帽,从珍珠项链的层叠,到扇形胸针的点缀,每一个细节都透露出那个年代的精致品味和对个性表达的渴望。 我们还将看到,装饰艺术如何从远东的艺术、非洲的雕塑、以及古埃及的遗迹中汲取灵感。这些异域的元素,被巧妙地融入到服装的设计中,例如程式化的花卉图案、几何形的装饰纹样、以及夸张的动物造型,为当时的时尚带来了令人耳目一新的多元文化气息。 本书的每一页,都是一次穿越时空的视觉旅行。您将惊叹于插画师们精湛的技艺,他们如何用线条和色彩捕捉转瞬即逝的时尚潮流,如何将服装的细节表现得淋漓尽致,又如何通过人物的姿态和表情,传达出那个时代女性的优雅、活力与独立精神。 这本书更是一个时代的注脚,它记录了一个在战争的阴影中寻求光明与变革的时代,一个对未来充满憧憬和探索的时代。装饰艺术的优雅,不仅仅体现在服装的华美,更体现在那个时代人们追求美好生活、拥抱进步的积极态度之中。 让我们一同翻开这本《装饰艺术的优雅:时代风华的纸上倩影》,让那些定格在纸上的倩影,带您重温那段流光溢彩的黄金岁月,感受那个时代独有的艺术魅力与时尚风尚。它将为您打开一扇窗,让您得以近距离观赏那段历史中,最令人心动的设计与最动人的风姿。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的内容实在令人惊叹,虽然我手里拿的并不是那本您提到的关于装饰艺术时期时装插画的书,但我最近读到了一本关于中世纪手抄本插图艺术的专著,简直可以说是打开了另一个时空的大门。作者对于羊皮纸的准备过程,从动物皮的选择到刮薄、打磨,那种一丝不苟的工匠精神,描述得淋漓尽致,让人仿佛能闻到历史的尘土和动物皮的鞣制气味。更引人入胜的是对颜料的考据,书中详细介绍了如何从矿物、植物乃至昆虫中提取出永恒的色彩——深邃的群青、饱满的朱红,以及那些闪烁着微光的金箔。尤其是关于金箔的应用,它不仅仅是装饰,更是一种象征,象征着神圣和永恒。书中收录了大量高清的局部图,那些微小的、需要借助放大镜才能看清的细节,比如修士在抄写经文时手指的微小颤动,或是圣人衣袍上褶皱的光影处理,都展现了那个时代艺术家们高超的技巧和虔诚的心态。这本书不仅仅是艺术史的梳理,更像是一次对失落技艺的深情追溯,让我对那个时代艺术家的智慧和耐心充满了敬畏之情,读完之后,我对“精细”这个词有了全新的理解。

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我最近翻阅了一本极其硬核的关于日本江户时代浮世绘木版画制作流程的专业指南,其详尽程度简直令人发指,可以说是把“制作”这个动作拆解到了原子层面。这本书完全跳过了美学评论,直奔技术核心,从版木的选择——不同树种对刻痕的反应差异,到墨水的调制——如何利用天然材料实现饱和度惊人的黑,每一个步骤都有详尽的图解和化学分析。尤其是关于“擦印”的部分,作者用多角度的慢镜头照片展示了抱板师如何利用贝壳或竹片,在纸张与版之间施加恰到好处的压力,使油墨均匀地转移,那种对物理学和人体工程学的精准把握,让人叹为观止。书中还专门辟出一个章节讨论了“时间对色彩的影响”,记录了不同时期、不同批次颜料在光照下褪色的具体光谱变化,这对于修复工作者来说是无价之宝。阅读这本书的过程,与其说是阅读,不如说是在进行一场复杂的、跨越数百年的技术复盘,它让我对“匠人精神”有了极为务实和科学的认识。

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手上这本书的内容简直是视觉盛宴与建筑哲学的完美结合,主题是关于包豪斯运动早期在魏玛时期的教学实践。这本书的排版设计本身就是一种宣言,极简主义的网格系统、黑白灰为主的色调,以及那些充满几何张力的照片,无声地传达着“形式追随功能”的理念。它并未过多纠缠于毕业生成就了多伟大的建筑,而是深入到课堂内部,展示了约翰内斯·伊顿(Johannes Itten)色彩理论的实验,以及约瑟夫·阿尔伯斯(Josef Albers)对材料本质的探索。我特别喜欢其中对“预备课程”(Vorkurs)的记录,那些看似抽象的线条、点、面练习,如何被系统地转化为对空间和结构的直觉培养,每张练习稿都清晰地展示了学生思维的演变轨迹。书中引用的教师笔记和学生作业,展现了教育者如何引导学生挣脱传统束缚,去重新“看见”世界。它让人深刻体会到,真正的创新并非凭空出现,而是建立在对基本构成要素的彻底理解之上。

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最近沉迷于一本关于二十世纪早期巴黎咖啡馆文化的书籍,那本册子简直是浓缩了那个时代知识分子的灵魂与喧嚣。它没有宏大的历史叙事,而是聚焦于那些烟雾缭绕、充满哲学思辨的角落。作者显然对那个时期的文学圈子有着深入的田野调查,不仅描绘了海明威、菲茨杰拉德这些文豪的经典形象,更挖掘了那些在沙龙里默默无闻却贡献了绝妙见解的女性思想家。书中的文字是那种老派的、带着一丝慵懒和讽刺的笔调,读起来就像是坐在花神咖啡馆,听着隔壁桌的辩论。插图部分虽然不是专注于某一种艺术风格,而是大量使用了当时报纸上的讽刺漫画和速写,那种粗粝的线条和夸张的表情,精准地捕捉了时代躁动不安的精神面貌。最让我拍案叫绝的是关于“长桌文化”的分析,它如何成为一种身份的象征,以及那些在咖啡渍和烟灰中达成的文学共识。这本书的魅力在于它的“在场感”,让你感觉自己就是那个时代的一份子,品尝着苦涩的咖啡,参与着对未来的定义。

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我最近在图书馆偶得一本关于维多利亚时代英国家庭园艺的私人信件集,这与任何艺术或设计书籍都截然不同,它充满了生活的气息和细微的情感波动。信件的作者是一位生活在郊外的贵族女性,她记录的不是宏大的社会事件,而是她对玫瑰花丛中新开品种的焦虑、对温室里热带蕨类植物能否过冬的担忧,以及与园丁之间关于土壤改良策略的争论。文字的笔法非常古典,充满了那个时代的礼节,但字里行间流淌出的那种对自然秩序的敬畏与掌控欲却无比真实。书中配有大量当时的水彩速写,画的都是花园的一角,笔触轻柔,色彩淡雅,精准地记录了特定季节的光线角度和植物姿态。通过这些信件,我仿佛被邀请进入了那个时代的生活肌理之中,看到了那个时代“美”是如何在日常的柴米油盐和园艺的汗水中被构建起来的。它提供了一种极度个人化、非官方的视角,去理解一个特定阶层如何通过塑造外部环境来安放自己对永恒和秩序的渴望。

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art deco fashion在今天看来依然美不胜收

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