古典芭蕾基础教学法

出版者:上海音乐出版社

作者:张玉萍

页数:379

出版时间:2014-7-1

价格:58

isbn号码:9787552304442

具体描述

《古典芭蕾基础教学法》详细介绍了古典芭蕾舞的基本功训练及技巧训练的方法，并配有大量的动作细节图，帮助读者更清晰地理解、学习做法，适用于舞蹈爱好者及舞蹈工作者学习参考。《古典芭蕾基础教学法》为古典芭蕾教学法的书，由张玉萍编著。黄惠民，朱沛琪为《古典芭蕾基础教学法》的责任编辑。

作者简介

张玉萍，北京舞蹈学院芭蕾舞系副教授、芭蕾教研室主任、硕士研究生导师，2006年荣获北京市高等学校”中青年骨干教师”称号。曾任上海芭蕾舞团独领舞演员。毕业于北京舞蹈学校附中芭蕾舞专业、北京舞蹈学院芭蕾舞系芭蕾表演专业、中央音乐学院音乐舞蹈教育专业、北京舞蹈学院研究生部芭蕾教学与表演等专业。1991年至今在北京舞蹈学院芭蕾舞系任教，擅长于芭蕾基本功训练、剧目排练、芭蕾教学法等课程的教学工作，2004年，赴丹麦皇家芭蕾舞团与丹麦舞蹈学校学习，2008年，赴英国戏剧舞蹈学院学习，2009—2011年，以国家公派访问学者的身份赴俄罗斯圣彼得堡音乐学院访学与研修芭蕾舞。曾接受过俄罗斯、美国、法国、丹麦等不同学派的课程学习，培养了许多优秀的芭蕾学生，并多次获得全国艺术院校“桃李杯”舞蹈比赛的优秀”园丁奖”。先后赴法国、丹麦、俄罗斯、英国、德国、意大利、加拿大、日本、新加坡、菲律宾、泰国等国家进行芭蕾教学的交流与学习。近年来，发表了多篇论述芭蕾教学的文章，参与《古典芭蕾舞基本功训练教程》的编写，创编了《走进芭蕾》等教材。

用户评价

这本书的结构安排，我必须说，非常合理且循序渐进。它没有一开始就抛出复杂的动作组合，而是从最基础的“身体预备”讲起，这让我这样的零基础学习者感到非常安心。我非常感兴趣的是关于“身体的对称性与平衡感”的论述，作者是如何从解剖学和力学角度去解释这些概念，并如何将其转化为实际的训练动作？例如，对于站姿的基本要求，书中是否会提供不同角度的图片，来展示身体各个部位的正确排列，以及重心如何在脚掌上进行调整？我一直觉得，很多初学者在站姿上就存在误区，导致后续的动作都难以展开。关于“肌群的激活与控制”的部分，我期待能看到一些具体的练习方法，而不仅仅是理论上的描述。例如，如何有效地激活核心肌群，以支撑上半身的稳定？如何练习脚背的延展，以及如何在不引起小腿肌肉过度紧张的情况下实现？我曾尝试过一些网络上的教学视频，但很多时候难以找到问题的根源，只能模仿动作，却不知道为什么这样做。如果这本书能够提供一些“自我检测”的方法，或者一些“错误动作”的对比分析，那将极大地提升其价值。我也对“音乐感与空间感”的培养给予了很高的期望。芭蕾离不开音乐，但如何让身体真正“听懂”音乐，并与之共鸣，是很多初学者面临的难题。作者是否会提供一些针对性的听力训练，或者一些简单的节奏练习，帮助学习者将音乐转化为身体的律动？至于“艺术表现力”的启蒙，虽然听起来比较虚，但我相信，真正好的芭蕾教学，应该从小培养学习者对美的感知和表达。书中是否会提供一些关于“情感传递”的指导，或者一些简单的模仿练习，来帮助学习者逐渐建立自己的表演意识？总而言之，这本书从最基础的身体认知到抽象的艺术表达，都给予了充分的关注，让我看到了一条清晰的学习路径，这对于提高学习效率和巩固学习效果都将大有裨益。

这本书的封面设计就吸引了我。典雅的背景色，搭配着简洁有力的书名，似乎就预示着内容会深入浅出，将古典芭蕾的精髓娓娓道来。拿到书的那一刻，我便迫不及待地翻开。首先映入眼帘的是前言，作者用真挚的语言阐述了编写此书的初衷，字里行间透露出对古典芭蕾的热爱以及对教学理念的深刻思考。我特别欣赏的是作者对“基础”二字的强调，这让我意识到，再精妙的技巧，也离不开坚实的地基。从目录上看，本书涵盖了从基本功的训练，到身体的认知，再到音乐与节奏的理解，以及如何激发学习者的艺术表现力等多个维度。我尤其对“解剖学与芭蕾训练的结合”这一部分感到好奇，我一直认为，了解身体的运作机制，对于科学有效地进行芭蕾训练至关重要。书中是否会详细解析不同肌群的作用，以及如何避免运动损伤？这些都是我在阅读过程中会重点关注的。此外，关于教学方法的部分，作者是否会分享一些互动性强的课堂案例，或者不同年龄段学习者的教学侧重点？这些都将是实操性极强的参考。我曾接触过一些芭蕾的入门书籍，但往往过于侧重动作的描述，而忽略了更深层次的教学理念和心理引导。我期待这本书能填补这一空白，让学习者不仅能学会动作，更能理解动作背后的逻辑，培养对芭蕾艺术的真正感知。书中的插图和示范图片也是我关注的重点，清晰、规范的图片能够极大地辅助理解抽象的动作要领。我希望这些图片不仅能够展现动作本身，更能捕捉到舞者在完成动作时身体的线条和气质。如果书中还能提供一些音频或视频的辅助链接，那就更完美了，毕竟，听觉和视觉的结合，对于理解音乐和节奏的配合将是无与伦比的。总而言之，从初步的印象来看，这本书非常有潜力成为我学习古典芭蕾道路上的良师益友，我满怀期待地想要深入探索其中的奥秘。

本书的论述方式，我必须说，非常具有启发性。它不仅仅是罗列动作要领，而是从“为何如此”的角度去解释每一个基本功。我尤其欣赏作者在解释“膝盖的控制”时，是如何从力学角度分析其重要性，并如何引导学习者去感受膝盖在屈伸过程中的力量传递。我一直觉得，很多初学者容易把膝盖“锁死”或者过度屈伸，从而导致发力不准确。我希望书中能提供一些能够帮助学习者“感知”膝盖运动的练习方法，例如，通过一些简单的辅助道具，或者一些特定的站姿，来让学习者更清晰地体会膝盖的正确运动轨迹。关于“脚背的训练与脚趾的运用”的部分，我充满好奇。很多时候，我们只关注到脚背的向上勾绷，却忽略了脚趾在整个动作中的作用。作者是否会详细阐述如何训练脚趾的独立性和力量，以及它们如何在保持足弓的同时，为脚背提供支撑？我曾听说，优秀的舞者，她们的脚趾可以非常有力地抓地，这对于稳定和发力至关重要。我期待书中能提供一些具体的方法来训练脚趾。此外，关于“手臂的姿态与协调性”的论述，也让我颇感兴趣。手臂在芭蕾中不仅仅是装饰，更是连接身体各个部位的重要环节，能够帮助身体找到平衡，并展现出优美的线条。作者是如何从“打开”、“延展”的角度来讲解手臂的训练？是否会提供一些针对不同手臂位置（如第一位、第二位）的详细讲解，以及如何让手臂与身体其他部位的运动协调一致？我曾有过手臂僵硬，与身体脱节的经历，深知其影响。最后，关于“音乐的理解与身体的表达”的探讨，让我看到了这本书的深度。它不仅仅是教授动作，更是引导学习者去感受音乐，并用身体去诠释音乐。作者是否会分享一些关于如何根据音乐的情绪、节奏和旋律来调整动作的力度、速度和幅度的技巧？是否会提供一些不同风格的音乐片段，让学习者去尝试用身体去“翻译”它们？我相信，只有真正理解了音乐，才能跳出有灵魂的芭蕾。总而言之，这本书的教学理念，是建立在对身体和艺术的深刻理解之上的，让我看到了学习芭蕾的更多层次和可能性。

拿到这本书，我最先被吸引的是其内容编排的逻辑性，仿佛一条清晰的引导线，将复杂的芭蕾技巧分解成可理解、可执行的步骤。我特别关注到关于“足弓的建立与维护”的章节，这对于很多初学者来说，是塑造优美脚型和保证脚部健康的关键。作者是如何从解剖学和功能性的角度来解释足弓的重要性，并提供一些具体的练习来加强足弓的力量和弹性？我曾看过一些关于足部训练的资料，但很多都过于理论化，缺乏实际操作的指导。我希望这本书能提供一些简便易行的方法，让学习者在日常生活中就能不知不觉地加强足弓。关于“腰部的稳定性与延展性”的论述，也让我充满期待。腰部作为身体的“中枢”，其稳定与否直接影响到全身的协调性。作者是如何从核心肌群的激活、脊柱的延展，以及骨盆的固定等方面来讲解腰部训练的？是否会提供一些能够帮助学习者找到腰部“支撑感”的练习，从而避免在动作中出现“塌腰”或者“拱背”等不良姿态？我曾有过腰部不适的经历，深知保护和强化腰部的必要性。此外，书中对“肩部的打开与自由度”的讲解也让我眼前一亮。很多初学者的肩部总是显得僵硬，缺乏流动感，影响了整体的优美度。作者是如何从肩胛骨的活动、胸腔的扩张，以及手臂的连接等方面来训练肩部？是否会提供一些能够帮助学习者“甩掉”肩部包袱，让手臂动作更加轻盈、舒展的练习？我一直认为，肩部的流畅性，是展现芭蕾贵族气质的重要因素。最后，我非常期待书中关于“舞台表演的心理准备”的探讨。虽然我可能无法成为职业舞者，但对于在舞台上展示自己，我依然怀有热情。作者是否会分享一些关于如何克服紧张情绪、如何与观众建立连接，以及如何通过肢体语言来传递情感的实用建议？我相信，技术上的精进固然重要，但心理上的准备同样不可或缺。总而言之，这本书的教学方法，是建立在对人体结构和表演心理的深刻理解之上的，让我看到了学习芭蕾的更多可能性和更完整的指导。

这本书的独到之处，在于它不仅仅教授“做什么”，更在于它引导你“如何思考”舞蹈。我特别欣赏作者在解释“身体的感知”时，是如何从触觉、本体感觉等多个维度来引导学习者去“倾听”自己的身体。我曾多次在练习中感到动作的“僵硬”和“不自觉”，很可能就与未能充分调动身体的感知能力有关。我希望书中能提供一些能够帮助学习者“连接”身体不同部位的练习方法，例如，通过一些简单的“感觉游戏”，或者一些“身体扫描”的引导，来让学习者更清晰地体会身体的细微感受。关于“肌肉的记忆与习惯性动作的纠正”的论述，也让我充满期待。我们常常会在不知不觉中养成一些不良的身体习惯，而这些习惯会阻碍进步。作者是如何从神经科学和运动学的角度来解释肌肉记忆的形成，并提供一些能够有效“重塑”不良肌肉习惯的方法？是否会提供一些针对性的练习，来帮助学习者摆脱“代偿性”的运动模式？我一直觉得，纠正错误比学习新的动作更难，而这本书似乎能够提供一些系统性的解决方案。此外，书中关于“音乐的层次与身体的互动”的探讨，也让我看到了其教学的深度。不仅仅是跟随音乐的节奏，更是要理解音乐中的起伏、变化和情感。作者是如何从不同乐器的音色、旋律的走向，以及和声的丰富性出发，引导学习者去寻找与之相匹配的身体回应？是否会提供一些能够帮助学习者“解构”音乐，并用身体“重构”音乐的练习？我曾有过在跳舞时感到“与音乐脱节”的经历，深知这种融合的重要性。最后，我非常期待书中关于“芭蕾的审美标准与个人风格的塑造”的探讨。古典芭蕾有其固定的审美范式，但同时，每个优秀的舞者也都有自己独特的艺术风格。作者是否会分享一些关于如何理解和运用芭蕾的审美原则，同时又如何在技术上融入个人情感和理解的建议？是否会提供一些能够帮助学习者“找到”自己独特艺术“声音”的练习？我相信，真正的芭蕾艺术，是技术与个性的完美结合。总而言之，这本书的教学方法，是将技术训练与内在的感知和思考相结合，让我看到了学习芭蕾的更多维度和更深层次的探索。

这本书的语言风格，我必须说，非常贴近学习者的需求。它不像一些学术性的著作那样晦涩难懂，而是用一种亲切、指导性的语言，将复杂的概念娓娓道来。我尤其欣赏作者在解释“身体的重心转移”时，是如何通过形象的比喻，例如“像水一样流动”，来帮助学习者理解重心变化中的细腻之处。我曾多次在练习中感到动作的“生硬”和“不连贯”，很可能就与未能掌握好重心的细微变化有关。我希望书中能提供一些能够帮助学习者“感受”重心变化的练习方法，例如，通过一些简单的“试探性”动作，或者一些“镜像”的引导，来让学习者更清晰地体会重心在脚掌、身体各部位之间的传递。关于“腿部力量与控制”的论述，也让我充满了期待。腿部是芭蕾动作的“引擎”，其力量和控制能力至关重要。作者是如何从股四头肌、腘绳肌、小腿肌群等多个角度来讲解腿部训练的？是否会提供一些能够帮助学习者在不引起膝盖压力过大的情况下，有效提升腿部力量的练习？我曾听闻，很多初学者在练习跳跃和旋转时，会感到腿部力量不足，影响了动作的完成质量。我也关注到书中关于“音乐的节拍与身体的韵律”的结合。芭蕾是流动的艺术，与音乐的契合度是衡量其艺术性的重要标准。作者是如何从不同音乐的节奏、速度和情绪出发，引导学习者去寻找与之相匹配的身体律动？是否会提供一些针对不同音乐风格的练习，让学习者能够更灵活地应对各种音乐的挑战？我一直认为，能够用身体“歌唱”的舞者，才是真正的艺术家。最后，我非常期待书中关于“对经典剧目片段的教学分析”的探讨。虽然我可能没有机会扮演这些角色，但通过对经典剧目片段的深入解析，能够帮助学习者更好地理解芭蕾的历史传承和艺术发展。作者是否会选择一些具有代表性的片段，并从技术、情感、以及表现力等多个层面进行讲解？我相信，这能够极大地拓展学习者的视野，并激发他们对芭蕾艺术的更深层次的热爱。总而言之，这本书的教学方法，是将技术训练与艺术感知完美结合，让我看到了学习芭蕾的更多层次和更广阔的空间。

翻阅此书，最让我眼前一亮的是其在概念解析上的严谨与细致。它不像很多市面上泛泛而谈的入门读物，而是从最根本的“技术流派”差异，到“身体认知”的深度挖掘，都给予了相当篇幅的阐述。我特别留意到关于“开、绷、直”这三大基本原则的论述，作者是否会详细解释其在不同动作中的具体体现，以及如何在不伤害身体的前提下，达到这些标准？这对于很多初学者来说，是至关重要的。我一直认为，芭蕾不仅仅是肢体的延展，更是一种身体的语言，而这本书似乎致力于帮助读者理解这种语言的语法和词汇。关于“音乐与节奏”的章节，我期待它能超越简单的“数拍子”，而是深入到音乐的结构、情感表达如何与身体的律动相结合。例如，对于一个慢板乐章，舞者应该如何通过身体的呼吸和动作的弧度来诠释其舒缓与深情？对于一个快板，又如何才能展现出轻盈与活力？我希望书中能提供一些具体的音乐片段分析，甚至是乐曲的选择建议。此外，作者对“教学心理学”的融入也让我印象深刻。如何建立学习者的自信心，如何应对练习中的瓶颈期，如何培养其对艺术的审美能力，这些往往是决定一个学习者能否长久坚持的关键。我曾有朋友因为教学过程中过于强调技术，而忽略了学习者的情感需求，最终导致半途而废。这本书是否能提供一些行之有效的心理辅导方法，或者一些激励学习者的案例，将是其价值的重要体现。我也关注到关于“身体纠正与伤病预防”的内容，这部分是实际操作中非常重要的环节。作者是否会提供一些自我纠正的技巧，以及在日常训练中，哪些动作容易导致损伤，又该如何规避？我希望这些内容能够具体而有指导性，而不仅仅是泛泛的提醒。总而言之，这本书在理论深度和实践指导之间找到了一个平衡点，让我对其内容充满了好奇，并期待它能引领我更科学、更深入地理解古典芭蕾。

深入翻阅此书，我对其对“芭蕾的呼吸”的关注感到尤为惊喜。这在很多入门教材中是鲜有提及的，却又是支撑整个身体动作流畅性的关键。作者是否会详细解析芭蕾中的呼吸方式，例如，吸气时身体的扩张，呼气时身体的收紧，以及如何在动作的连接处自然地运用呼吸？我曾多次在练习中感到动作僵硬，无法连贯，很可能就与呼吸的运用不当有关。我期待书中能提供一些引导性的练习，帮助学习者找到正确的呼吸节奏，从而让动作更加舒展、自然。关于“身体的轴心与旋转”的论述，我充满了期待。我一直认为，能够稳定地完成旋转，是检验基本功扎实与否的重要标志。作者是如何从身体的重心转移、手臂的协调配合，以及头部动作（spotting）等方面来讲解旋转的技巧？是否会提供一些针对不同旋转方式（如pirouette）的分解练习，以及如何循序渐进地提高旋转的次数和稳定性？我曾在一个视频中看到舞者轻盈地完成多圈旋转，但自己尝试时却总是感到晕眩和不稳，深知其中的技术含量。我也关注到关于“脚踝的训练与足尖的准备”的内容。足尖功是古典芭蕾的标志性元素，但其训练过程却是漫长而艰辛的。作者是否会详细介绍如何循序渐进地加强脚踝的力量和柔韧性，如何避免在练习足尖时受伤，以及在达到足尖功之前，应该具备哪些身体条件？我希望书中能提供一些科学、安全的训练方法，而不是简单地鼓励“坚持”。此外，书中对“舞台表现力”的探讨也让我眼前一亮。虽然我目前还不是专业舞者，但对舞台的热爱却从未减退。作者是否会分享一些关于如何通过眼神、表情、以及肢体语言来传递情感的技巧？是否会提供一些不同风格的音乐，让学习者去尝试不同的表现方式？我相信，将技术与情感完美结合，才能真正展现出芭蕾的魅力。总而言之，这本书在技术细节的打磨和艺术情感的培养上都给予了充分的关注，让我看到了学习芭蕾的更多可能性。

这本书的篇章设置，可以说是非常周到且考虑到了不同学习者的需求。它没有一开始就强求学习者掌握高难度的技巧，而是从最根本的“身体的准备”开始。我尤其关注到关于“肌群的拉伸与放松”的详细讲解，这对于避免运动损伤和提高动作幅度至关重要。作者是如何从不同肌群的功能和特点出发，提供一些既有效又安全的拉伸方法？是否会提供一些针对特定部位（如大腿后侧、小腿肚）的深度拉伸技巧？我曾有过在运动后肌肉僵硬、疼痛难忍的经历，深知充分拉伸的重要性。关于“骨骼的排列与支撑”的论述，也让我充满了好奇。很多时候，我们只关注到肌肉的发力，却忽略了骨骼的正确排列才是稳定和发力的基础。作者是如何从脊柱的生理曲度、骨盆的位置，以及四肢骨骼的相互关系来讲解这些支撑的？是否会提供一些能够帮助学习者“感受”身体“立柱”般支撑感的练习？我一直觉得，当骨骼排列正确时，整个身体才能显得更加挺拔和有力量。此外，书中关于“手臂的连接与身体的整体性”的探讨，也让我看到了其教学的系统性。手臂不仅仅是肢体的延伸，更是连接上半身与下半身，以及身体各部位的重要“桥梁”。作者是如何从肩关节、肘关节，以及腕关节的协调运动来讲解手臂的连接？是否会提供一些能够帮助学习者“找到”手臂与身体“一体化”感觉的练习？我曾有过在跳舞时感到手臂“不听使唤”的经历，深知这种整体性的重要。最后，我非常期待书中关于“学习芭蕾的动力与兴趣的培养”的探讨。很多初学者在坚持的过程中会遇到困难，而保持学习的动力是关键。作者是否会分享一些能够帮助学习者“发现”芭蕾之美，并从中获得乐趣的建议？是否会提供一些关于如何设定学习目标，以及如何庆祝每一个小进步的方法？我相信，热爱是最好的老师，而这本书似乎能够点燃学习者对芭蕾的热情。总而言之，这本书的教学方法，是从最基础的身体准备入手，并逐步拓展到内在的动力培养，让我看到了学习芭蕾的完整性和可持续性。

这本书在细节处理上的用心，让我印象深刻。它不仅仅是教你“怎么做”，更会告诉你“为什么这么做”。我特别关注到关于“脚踝的柔韧性训练”的论述，这不仅仅是向上勾绷，更是关于脚踝在不同角度下的活动能力。作者是如何从足部的骨骼结构和韧带的延展性来讲解这些训练的？是否会提供一些能够帮助学习者在不引起疼痛的情况下，安全有效地增加脚踝柔韧性的方法？我曾听闻，脚踝的柔韧性是完成许多高难度动作的基础，例如脚背的充分伸展，以及在落地时的缓冲能力。关于“膝盖的内外侧控制”的讲解，也让我颇感兴趣。很多时候，我们只关注到膝盖的前后运动，却忽略了其内外侧的稳定性。作者是如何从股骨与胫骨之间的相对位置，以及膝关节周围的肌肉群来讲解这些控制的？是否会提供一些能够帮助学习者感受膝盖“对齐”的练习，从而避免在膝关节受到不必要的压力？我一直觉得，膝盖的稳定与否，直接影响到整个下肢动作的准确性和流畅性。此外，书中关于“胸腔的打开与呼吸的配合”的探讨，也让我看到了其教学的深度。很多初学者的胸腔容易“憋着”，影响了呼吸的深度和身体的延展性。作者是如何从肋骨的活动、肩胛骨的下沉，以及气息的运用等方面来训练胸腔的打开？是否会提供一些能够帮助学习者“释放”胸腔，让气息更加通畅的练习？我曾有过在跳跃时感到“喘不上气”的经历，深知胸腔的自由呼吸是多么重要。最后，我非常期待书中关于“不同时期芭蕾风格的鉴赏与模仿”的探讨。古典芭蕾本身也经历了不同的发展阶段，例如浪漫主义时期和古典主义时期的风格差异。作者是否会选择一些具有代表性的作品，并从音乐、服装、以及动作风格等方面进行分析？是否会提供一些简单的模仿练习，让学习者能够亲身体验不同时期的艺术魅力？我相信，了解芭蕾的历史与风格，能够帮助学习者更好地理解和欣赏这项艺术。总而言之，这本书的教学方法，是从最基础的身体细节入手，并逐步拓展到艺术风格的鉴赏，让我看到了学习芭蕾的完整性和系统性。

当字典用……

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当字典用……

跟《古典芭蕾》配合看，循序渐进地过程，也学着学习动作分解的译文和中文直接教学的语境。