Anselm Kiefer/Paul Celan

出版者:Thames & Hudson

作者:Lauterwein, Andrea

页数:256

出版时间:2007-08

价格:600.00元

装帧:Hardcover

isbn号码:9780500238363

具体描述

Through Celan's linguistic innovations and Kiefer's intense exploration of past and present, artistic creation becomes both an expression of horror and an act of commemoration.

The art of Anselm Kiefer is rich with references to writers, philosophers, and poets, and his relationship with Paul Celan has been the most complex and intense of these dialogues with the past. Celan's poetry, inextricably linked with the memory of the Holocaust, has haunted Kiefer's work for more than twenty-five years and has influenced him on every level, from the naming of works and exhibitions to the incorporation of symbolic materials from Celan's imagery—sand, straw, hair, and ashes—into his paintings.

Like other German artists of his generation, Kiefer began by questioning his own artistic heritage, focusing on the iconographic and mythological elements of German culture that had been taken over by Nazi propaganda, and subsequently repressed and buried deep in the collective unconscious. It was his encounter with Celan's work in the early 1980s that first enabled him to escape from the vicious circle of fascination and disgust at the cultural ties that bound him to the Third Reich, leading him to confront the subject of the Holocaust and Jewish memory as a whole and to embrace this body of traditions within his art.

Magnificently illustrated throughout with reproductions of Kiefer's best-known works, this book explores the intricate web of associations between the poet and the painter, a network that is extended to embrace other artistic and literary figures such as Ingeborg Bachmann and Joseph Beuys. 157 illustrations, 140 in color.

作者简介

Andréa Lauterwein was born in Zurich in 1969. She wrote her thesis on Paul Celan and Anselm Kiefer.

用户评价

这本书的排版逻辑极其精妙，它没有采用简单的“作品+说明”的线性模式，而是巧妙地将不同创作阶段的作品并置对比，形成一种强烈的对位效果。比如，相邻两页的画作，一幅是晦暗压抑的铅色调，另一幅却突然迸发出炽烈的金色光芒，这种视觉上的骤停与加速，极大地增强了阅读的张力。它成功地捕捉到了艺术家创作生涯中那种不断自我否定与再建构的过程，如同泥土被烈火烧制成陶器，痛苦的蜕变最终铸就了不朽的形式。我特别留意到图片分辨率的选取，它似乎刻意保留了原作中那些颗粒感和粗砺的边缘，避免了数码印刷对原作质感的过度“美化”，这种对原作“在场感”的尊重，使得读者能够更真实地感受到作品的物质性。这种对细节的坚持，体现了出版方对这位大师艺术的深刻理解和敬意。

初次接触这类作品时，我曾感到一种强烈的压迫感，仿佛被卷入了一场无声的末日审判。然而，随着翻阅的深入，我开始捕捉到其中蕴含的希望的微光，那种在彻底的虚无中诞生的，近乎野蛮的生命力。书中的某些构图，那种近乎垂直的、直插云霄的塔状结构，配上天空燃烧般的色彩，营造出一种史诗般的悲壮感。它让我联想到那些被历史遗忘的英雄群像，他们的荣耀与痛苦一同被封存在画布之上，接受后世的审视。这本书的伟大之处在于，它没有回避历史的黑暗面，反而以一种近乎残忍的坦诚将其剥开，却又巧妙地在那些裂缝中注入了重生的可能。这不仅仅是关于艺术家的个人表达，更像是对整个欧洲文化精神的一次深层挖掘，一次对“何为文明”的终极拷问。每一次合上书页，都感觉自己的精神世界被重新校准了一遍，对“美”的定义也随之拓宽。

这本书的装帧设计本身就是一种宣言，那种朴素到近乎粗粝的纸张选择，以及内页布局中留白的艺术，无声地讲述着一种克制的美学。它没有采取时下流行的那种过度商业化的、华丽的图录风格，反而以一种近乎学术研究的严谨态度来呈现这些视觉奇迹。我花了大量时间沉浸在对那些标志性符号的解读中——那些漂浮的铅片、交织的铁丝网，以及那些被火焰吞噬后又重生的文字碎片。这些元素反复出现，构建了一个庞大而自洽的符号系统，让我想起古老的炼金术仪式，艺术家似乎在用一种近乎原始的语言，试图解析现代精神的困境。这种对符号的驾驭能力，使得观看过程充满了智性的挑战，它不提供标准答案，而是抛出问题，让你在作品的“灰烬”中寻找属于自己的“凤凰”。这本书的编排节奏感极佳，它不像单纯的作品集，更像是一部经过精心剪辑的、关于“存在即是伤痕”的视觉交响乐，让你在沉浸中体验到一种近乎冥想的体验。

读到这本封面乍看之下有些肃穆，但内里却蕴藏着无穷张力的画册时，我立刻被那种扑面而来的历史厚重感所震撼。这本书仿佛是一扇通往艺术家内心深处废墟与重生的秘密通道，那些大幅的、充满粗粝肌理的油画作品，不仅仅是画布上的颜料堆叠，更像是被时间打磨过的伤痕，每一道笔触都凝结着难以言说的重量。我尤其欣赏它对材料性的极致运用，那种混杂着泥土、灰烬乃至植物残骸的质感，让人不禁想要伸手触摸，去感受艺术家在创作过程中倾注的那些近乎于仪式的身体劳作。它不是那种轻易能“看懂”的艺术，它要求观者投入时间去“呼吸”作品的氛围，去感受画面中弥漫的，那种介于神圣与亵渎之间的复杂情感光谱。这种深入骨髓的探讨，远超出了单纯的视觉愉悦，它迫使你直面那些关于记忆、创伤与文明更迭的宏大命题，每一次翻阅都像是一次对自身存在境况的严肃反思。这种内在的力量感，是许多当代艺术作品所欠缺的，它沉静，却拥有着撼动人心的力量。

读完这本书，我最大的感受是理解了何谓“深渊的凝视”。它并非仅仅是一本关于艺术家的作品集，更像是一部深奥的哲学论著，只不过它的语言是色彩和材料。它将那些抽象的、难以言喻的痛苦和历史的重负，以一种极其具象化的方式呈现出来，让你无法逃避。那些似乎被随意抛洒的材料，实则蕴含着精确的文化指涉，它们构成了一套复杂的隐喻体系，挑战着我们对“完美”和“秩序”的固有认知。这本书成功地构建了一个自洽的、充满张力的精神宇宙，在这个宇宙里，颓败与新生并行不悖，绝望与希望交织缠绕。它促使我跳出日常琐碎的视角，去思考人类文明深层的、循环往复的命运主题。这是一次令人筋疲力尽，却又无比充实的阅读体验，它需要的不是一时的欣赏，而是长久的沉思与回味。

自从用了晒书房以后都荒废已读清单了，不过豆瓣查书还是比较方便的，就是新书目上的太慢了，我好多书都没条目，加不了

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原來kiefer畫的這麼好