具体描述
An indispensable resource for any visual arts lover, this anthology of original writings covers modern American art and culture from mid-1940's abstract expressionism and the Cold War right through to the late 1990's with its proliferation of video and technological developments in telecommunications and biotechnology—giving readers a firm understanding of the evolution of artistic development within the context of major political, cultural, and sociological trends and ideas that have emerged in the United States since World War II. Presents writings from post WWII through the 1990's and organizes them around ten central areas of discussion (American avant-garde, the beat generation, objectivity/reduction/formalism, process and materials, sculpture, politics, the return of painting, image and identity, and the body and technology). Divides chapter writings into three categories—artists, critics, and context—giving readers clear insight into the major issues that the artists' work raises, and helping them connect the words of artists with criticisms about the art they created, exhibition reviews, and museum catalog essays. Includes selections from outside the visual arts to establish relationships between the issues and impulses raised by the work of these artists to trends and ideas that were gaining prominence within the broader culture at the time that the art was being created. For general readers of modern art history and theory and/or post-war American culture; ideal for museum bookstores.
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目录信息
读后感
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用户评价
这是一本要求读者付出同等努力才能获得同等回报的书籍。作者在处理“批判者”这一角色时，展现了一种罕见的辩证思维能力。他没有将批评简化为“好”与“坏”的二元对立，而是将其视为艺术生态系统中不可或缺的“过滤与编码”机制。书中的论证结构颇具实验性，它时常采用对偶和并置的手法，将看似无关的艺术实践与当时的社会思潮并置比较，从而揭示出深藏于视觉层之下的文化密码。虽然全书的理论密度很高，但其语言本身却保持了一种难得的清晰度，这使得尽管内容深奥，阅读过程却相对顺畅，没有陷入无休止的术语泥沼。我感觉自己像是上了一堂高阶的文化人类学课程，学会了如何去解剖那些我们习以为常的艺术现象，如何剥离掉时代赋予的惯性认知，去看清其原始的结构。这本书对于理解当代艺术批评的复杂性，提供了无与伦比的理论武器。
评分坦白说，这本书的封面设计和标题一开始让我有些误判，我以为它会是一本相对轻松的艺术史概述。然而，一旦翻开，我才发现它完全是另一种调性——深沉、内敛，并且极度依赖于扎实的文献支撑。作者在对特定历史断代的分析中，那种对细节的执着令人敬佩。例如，他探讨某个时期艺术赞助体系如何塑造了视觉语言的趋同性时，引用的史料和旁证之多，让人不得不信服其论点的有力。这本书的叙事节奏是缓慢而有力的，它不急于得出结论，而是带领读者一步步体验从“生成”到“评判”的全过程。我特别喜欢它在讨论艺术“价值”的构建时，那种去中心化的处理方式，它避免了将任何单一因素（无论是艺术家的天才还是批评家的裁决）视为绝对的主导力量，而是强调了各要素之间微妙的张力与平衡。这本书读完后，你不会立刻获得即时的兴奋感，但它会留下一种深远的、改变你观察世界方式的“后劲”。
评分这本书的阅读体验是极其“智力化”的，它需要你时刻保持警醒。作者的行文风格带着一种英式学者的严谨与克制，句子结构复杂但逻辑清晰，仿佛精心编织的钟表机械，每一个齿轮都精确地咬合在一起。我花了相当长的时间去消化其中关于“接受美学”与“生产机制”相互作用的章节。它不仅仅是在谈论艺术，它更像是在探讨一种文化生产的社会动力学。书中对于“语境”的界定尤为精妙，它超越了简单的历史时间背景，深入到语言结构、资本流动乃至公众心理的层面去定义“可被理解”和“被接受”的边界。遗憾的是，对于初次接触严肃艺术理论的读者来说，这本书的门槛可能略高，某些概念的引入显得过于突然，需要读者具备一定的理论前置知识储备才能顺畅跟进。但对于那些已经有一定积累，希望将零散的知识点串联起来，形成一个更宏观认知框架的人来说，这本书无疑是构建知识体系的绝佳蓝图。
评分读完这本书，我有一种强烈的满足感，那种感觉就像是终于解开了一个困扰已久的谜团。它不像那些通俗易懂的艺术普及读物，它更像是一份需要耐心咀嚼的学术盛宴。作者的笔触极其冷静和客观，即使在讨论那些极富争议性的艺术现象时，也保持着一种超然的分析姿态。我尤其喜欢他处理“批评”这一角色的方式。在很多论述中，批评家常常被描绘成一个被动的阐释者，但在这里，批评被赋予了积极的建构力量，它如何定义、如何推翻，甚至如何为艺术家的下一步行动设定了无形的边界。书中穿插的案例分析丰富且具有代表性，从古典时期的学院派僵化，到二十世纪中叶的先锋实验，再到当代艺术对媒介本身的解构，每一步都论证得滴水不漏。这本书的价值在于它提供了一种“深度透视”的工具，让我看待那些被光环笼罩的艺术杰作时，不再满足于表面的审美愉悦，而是开始探究其背后那些由时代、权力和观念交织而成的复杂肌理。
评分这是一本初看时觉得有些晦涩，但读下去后会发现其内在逻辑异常严密且充满洞见的学术著作。作者似乎在试图构建一个关于艺术创作与批评之间复杂互动的宏大叙事框架。书的结构安排得非常精巧，从早期的艺术史视角出发，逐步过渡到更具社会学和符号学意味的分析。我特别欣赏作者在梳理不同时期艺术思潮时所展现出的那种近乎考古学家的细致入微，他并没有简单地罗列流派和代表人物，而是深入挖掘了那些促使特定“语境”得以形成的环境因素——无论是赞助人的权力结构、新兴技术的冲击，还是哲学思潮的暗流涌动。阅读过程中，我感觉自己被引导着穿梭于历史的迷雾之中，那些原本孤立的艺术事件，在作者的笔下被串联成一幅相互影响、彼此塑造的动态图景。尤其在探讨后现代语境下“作者已死”论题时，其论证的层次感和深度令人印象深刻，它不仅仅是对理论的复述，更是一种批判性的重构，迫使读者重新审视自己对艺术品“意义”的既有认知。整体而言，这本书适合对艺术理论有一定基础，并渴望进行深层次思辨的读者。
评分形式很好，搭配合理，不过artists的那个部分太弱了
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