Colour and Light in Oils

出版者:Sterling Pub Co Inc

作者:Verrall, Nicholas/ Capon, Robin

页数:128

出版时间:2005-2

价格:$ 31.58

装帧:HRD

isbn号码:9780713489026

具体描述

Often seen as dark and gloomy, in fact, oils can be used to create colourful and light paintings that are wonderfully expressive. One significant characteristic of oil paint is its richness and depth of colour, something that is of particular interest to Nicholas Verrall. Immediately striking in all his pictures is the skilful way he handles colour to interpret the special qualities of light and mood found in a certain moment in time. In this book he discusses his working methods and the importance of colour, at the same time placing these issues within the general context of painting in oils, with all that this has to offer. Colour and Light in Oils includes information, demonstrations and many inspirational finished paintings to help painters understand the value of colour in interpreting ideas with feeling and impact. Plus, the book provides guidance on a wide range of skills, techniques and advice on subject matter and associated topics.

用户评价

从艺术哲学的角度来看待绘画，是很多爱好者进阶时会遇到的瓶颈。《光与暗的辩证法：从文艺复兴到表现主义的色彩演变》这本书提供了一个宏大而深邃的视角。它不是一本教你具体技巧的工具书，而是一部关于“视觉思想史”的导览手册，但它的导览方式却异常清晰和富有逻辑性。 这本书成功地将不同历史时期对于“光”和“色彩”的理解，与当时的社会思潮和哲学观点联系起来。比如，它细致地对比了提香时代对色彩稳定性的追求，如何与当时的宗教权威相呼应；再到卡拉瓦乔戏剧性的明暗对比，如何反映了巴洛克时期对人类情感张力的挖掘。书中对于“象征主义色彩”的分析尤其精妙，它阐释了为什么某些颜色在特定文化中被赋予了超越物理意义的情感重量。阅读这本书，我不再只是机械地模仿画作表面的光影效果，而是开始思考：画家在那个时代，‘为什么’选择这样的光和颜色？这极大地丰富了我创作时的内在动机。它教会我，真正的光影表达，根植于深厚的文化理解和对人性永恒主题的探索。这本书极大地提升了我对艺术作品的鉴赏深度，让我明白，每一个色块的背后，都隐藏着一个时代的宣言。

我是一名已经摸索了十多年油画的老手，说实话，市面上大部分的技法书对我来说已经失去了吸引力，无非是换汤不换药的调色盘布局和笔触练习。但《光影魔法师的油画奥秘》这本书，绝对是能给我这个老画匠带来全新震撼的一本力作。它最引人注目的地方在于对“非线性光感”的解析，这一点几乎是所有传统教程中避而不谈的“黑科技”。 这本书深入探讨了现代物理学中关于光散射和折射的原理，并巧妙地将其转化为可操作的绘画语言。它没有停留于简单的“高光要亮，阴影要暗”这种基础概念，而是着重分析了不同材质表面对光的“吸收性”和“反射率”。举个例子，书中分析了金属、玻璃和丝绸在同一光源照射下的光泽差异，以及如何用极小的色相变化来表现出这些材质的物理特性。我特别喜欢它关于“边缘处理”的章节，过去我总是在形体交界处用力过度，结果画面显得僵硬。这本书告诉我，真正的光影过渡是柔和且复杂的，它需要你调动对比色和补色来制造视觉上的“模糊地带”，让物体仿佛真的融入了周围的空间之中。读完这本，我感觉自己的“视觉肌肉”又重新被激活了，完全颠覆了我过去对光影的一些固有偏见。

我一直认为，油画的魅力一半在于色彩的厚重感，一半在于画笔运动带来的“生命力”。而《厚涂的狂想曲：油性颜料的物质性表达》这本书，则将重点完全放在了油画材料本身的“质感”上，简直是一场对颜料的赞美诗。这本书完全推翻了“平滑即美”的传统观念，主张大胆地堆叠和刮擦，让画布成为一个三维的雕塑场。 作者对“肌理”的探索达到了令人发指的地步。他详细分析了不同品牌的油画颜料在干燥后形成的微观结构差异，并教导读者如何通过混入特定比例的调和油、沥青或蜡来控制颜料的流动性和干燥后的硬度。书中关于“笔触的能量学”的探讨尤其吸引我。他认为每一个笔触都应该带有明确的意图和方向性，就像指挥家挥舞魔杖。我尝试着用书里介绍的画刀技巧去表现一朵暴风雨前的云层，那种厚重的、仿佛能触摸到的体积感，是我以前用光影技巧怎么也达不到的。这本书不仅是关于如何绘画，更是关于如何与你的颜料进行一场酣畅淋漓的“物质对话”，它鼓励你解放双手，去感受颜料在你指尖下翻滚的原始快感。

这本《色彩与光影的油画技法》简直是为我量身定做的指南！我最近迷上了印象派的画作，尤其是莫奈那些光影变幻的场景，总觉得自己的作品里少了点“灵魂”。买了这本书之后，我简直像是找到了失散多年的老师。它不像那些枯燥的理论书籍，而是用非常直观的方式，拆解了色彩的构成和光线的捕捉。 尤其让我惊艳的是关于“环境色”的阐述。以前我总是按照颜料管上的颜色直接往画布上涂，画出来的东西总觉得有点“假”。这本书里详细讲解了如何观察物体周围环境对物体本身色彩的影响，比如一块石头在阴影下的颜色，绝不仅仅是深灰色，而是包含了天空的蓝色、周围植被的绿色反射。作者通过大量的范例图，手把手地教你如何调出那种微妙的、充满空气感的色彩。书中对暖色和冷色的运用分析得极其透彻，让你明白为什么一幅画会显得温暖或者清冷，这对于提升画面的情绪表达至关重要。我尝试着用书里教的方法去画了一片树林，同样是绿色，但我这次画出的层次感和深度，连我自己都觉得惊叹。它真正教会我的不是“怎么画”，而是“怎么看世界”。

对于我这种工作繁忙、只能利用周末时间偷偷摸摸画两笔的业余爱好者来说，时间成本是最大的挑战。我需要的是那种直接、高效、能立刻出成果的学习材料。《油彩世界的速成秘籍：从新手到大师的捷径》就是这样一本极其务实的教材。它完全抛弃了晦涩的艺术史和学院派的繁文缛节，直奔主题——如何快速掌握油画的核心表达力。 这本书的结构设计非常清晰，每一章都是一个独立的“战斗模块”。我最欣赏的是它的“三步成景法”。第一步：确定主导光源和主要色块（五分钟）；第二步：建立基础的明暗关系（十五分钟）；第三步：加入关键的色彩点缀和锐化边缘（十分钟）。这种模块化的学习方式让我可以在短时间内完成一幅具有完整视觉效果的练习作品，极大地增强了我的信心。而且，它对溶剂和媒介的使用也给出了非常明确的建议，比如在不同天气和湿度下应该如何调整稀释剂的比例，避免了初学者常犯的“油多画不干”或者“颜色发灰”的尴尬。它就像一个高效的工具箱，里面装满了即插即用的技巧，让你把有限的创作时间最大化地用在刀刃上。