The 20Th-Century Poster

出版者:Walker Art Center

作者:Dawn Ades

页数:0

出版时间:1990-10

价格:USD 29.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781558591301

用户评价

我买这本书的初衷，其实是想深入了解战后西方艺术思潮如何渗透到日常视觉文化中去。我一直对“波普艺术”在广告设计中的应用很感兴趣，总觉得那个时代的人们在消费主义的浪潮中，其视觉语言是何等的坦率而大胆。这本书在这方面的内容处理得非常巧妙，它没有停留在对安迪·沃霍尔那类符号的简单复制上，而是深入挖掘了那些看似不起眼的“中产阶级”日常物品——比如肥皂盒、罐头标签——是如何被提升到艺术的层面的。我发现，早期的很多海报设计，在色彩选择上有一种近乎天真的乐观主义，尤其是在五六十年代，那种饱和度极高的原色搭配，现在看来有些土气，但却饱含着战后重建的激情和对未来无条件的信任。与此相对比的是，书中对“反文化运动”时期视觉语言的呈现，则显得叛逆而混乱，用迷幻的字体、扭曲的线条和强烈的色彩对比，来表达对主流体制的疏离和抗议，这部分的插图简直是视觉上的噪音，但又极富表现力。这种并置，让我清晰地看到了艺术与商业、理想与现实之间拉扯的张力。这本书的装帧本身也很有意思，它没有采用统一的、高度风格化的排版，而是让每一页的布局都模仿了它所展示的那个时代的海报的固有格式，这使得每一次翻页都像是一次身份的切换，体验感极佳，完全不是那种枯燥的教科书式阅读。

这本书给我最大的启发，是关于“媒介的局限性如何催生创新”这一主题的深度挖掘。在数字媒介尚未出现的那个年代，设计师们必须在纸张的尺寸、油墨的限制、以及大众阅读习惯的约束下进行创作，这种“有边界的自由”反而激发出了极端的创造力。我注意到了一个现象，那就是在两次世界大战之间，由于经济萧条和资源匮乏，很多海报设计转向了极简和图形符号的提炼，这并非是艺术上的倒退，而是一种对材料和成本的精明回应。那些只用两三种颜色和高度提炼的图形符号来表达复杂主题的设计，其能量密度是惊人的。对比现在我们随处可见的、过度依赖数码特效和复杂纹理的平面设计，这本书中的作品仿佛在提醒我们，真正的设计力量来源于清晰的构思和对核心信息的提炼。我反复研究了几页关于意大利未来主义海报的部分，那种对速度、机器和打破传统的狂热，通过那种斜向的构图和粗粝的笔触被完美地捕捉下来。这种对媒介固有特性的尊重和利用，是当代很多数字设计师需要重新学习的一课。

这本厚重的画册，光是掂在手里沉甸甸的分量，就让人对接下来的视觉盛宴充满了期待。我原本以为这会是一本专注于设计史脉络梳理的学术著作，毕竟“20世纪”这个时间跨度本身就意味着一场波澜壮阔的艺术演变。然而，当我翻开内页，扑面而来的是那种近乎原始的、未经修饰的视觉冲击力。它没有用大段的文字去解释每一个流派的兴衰更替，而是像一个经验丰富的老策展人，直接将那些标志性的、能瞬间击中人心的作品并置在一起，让你在“野兽派”的粗粝与“装饰艺术”的精巧之间，完成一次心跳加速的穿越。特别让我印象深刻的是，它对印刷技术发展与艺术风格相互塑造的呈现方式。比如，对早期的石版画技术如何催生了慕夏那种流动的、女性化的线条，以及后来凸版印刷在先锋派运动中扮演的“粗暴”而直接的角色，都有着令人玩味的对比。那些关于信息传递效率最大化的设计，在今天看来，其简洁和力量感反而显得更为现代和永恒。我花了好久才从那几页关于苏联构成主义海报的章节中抽离出来，那种几何形的严谨和对社会功能的极致追求，那种“为工人阶级设计”的宣言，即便在今天这个信息爆炸的时代，依然能让人感受到一种严肃的使命感，远超乎我们现在看到的那些仅仅追求“吸睛”的平面设计作品。这本书真正厉害的地方在于，它让你意识到海报不只是一个广告工具，它是一段时代的剪影，是社会情绪最直接的视觉记录。

作为一名业余的设计爱好者，我必须说，这本书的文献价值和审美愉悦感是并存的。我尤其欣赏它在处理“跨文化影响”这块内容时所展现的细致。比如，它没有将“20世纪设计”描绘成一个完全由西方主导的故事，而是花了不少篇幅来展示日本浮世绘对早期欧洲海报设计，特别是对图形轮廓和色彩平面的影响。那些早期的艺术家们，在接触到异域文化时，其作品中呈现出的那种兴奋和借鉴是显而易见的。这种全球化的视角，让整本书的格局瞬间打开了，不再是单一的欧洲中心主义叙事。此外，这本书的纸张质量和印刷工艺也值得称赞，色彩的还原度非常高，即便是那些已经泛黄的古老海报，其细节和层次感也得到了很好的保留，这对于研究者和爱好者来说至关重要。翻阅它，不仅仅是在看历史，更像是在触摸历史留下的纹理。我发现自己经常会停下来，仅仅是为了欣赏某一幅作品的边角处理，那种印刷时轻微的墨点扩散，或者纸张纤维的纹理，都充满了时间的魅力，这是数字屏幕永远无法完全复制的质感。

说实话，我对艺术史的了解仅限于皮毛，拿到这本书时最大的感受是“信息量爆炸”。我原以为我会因为看不懂那些复杂的艺术理论而感到挫败，但这本书的优势在于它的“可视化”叙事能力。它似乎默认读者对理论已经有所了解，所以它更倾向于展示“结果”——那些令人惊叹的成品。特别是那些早期的瑞士风格和德国包豪斯时期的作品，其对网格系统和清晰度近乎宗教般的坚持，让我这个习惯了随性表达的人感到无比震撼。那些字体选择的逻辑性，行间距的精确计算，简直是理性的胜利。书中收录的那些海报，很多都是功能性极强的公共信息发布工具，比如交通指南、卫生宣传或者政治动员。但它们之所以能流传下来，正是因为它们在完成信息传达任务的同时，无意中创造了一种新的美学范式。我特别喜欢其中穿插的一些小小的侧边栏，它会用非常简短的语言解释某个字体或某个设计原则的起源，比如“Akzidenz-Grotesk”这个字体的诞生，如何为后来的“Helvetica”铺平了道路。这种不喧宾夺主的知识点补充，恰到好处地满足了像我这样希望了解“为什么”的普通读者的好奇心，而不会让人觉得在强行上课。

当时花两百块买的,很值得,有收藏价值

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中大喜乐斯珍藏，以文字为主，图片资料较少。

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