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出版者:Knopf

作者:Lucian Freud

出品人:

頁數:180

译者:

出版時間:2005-11-1

價格:USD 75.00

裝幀:Hardcover

isbn號碼:9780307262981

叢書系列:

圖書標籤:

• 2
• 繪畫
• 藝術
• 人物
• 肖像
• Lucian Freud
• 現代藝術
• 英國藝術
• 傳記
• 藝術史
• 繪畫技法

《鏡中迷宮：二十世紀英國具象繪畫的肖像實驗》 本書深入剖析瞭二十世紀中葉至末期，英國具象繪畫領域中對“人像”這一母題的深刻探索與顛覆性實踐。它並非聚焦於某一位特定的藝術傢，而是旨在構建一個宏大的藝術史圖景，梳理並對比數位在媒介、技巧和哲學層麵挑戰傳統肖像畫藩籬的重量級人物。 第一章：現實的重構與物體的在場——戰後具象繪畫的迴歸與異化 二戰後的歐洲藝術界，在抽象錶現主義的浪潮衝擊下，具象繪畫經曆瞭一場深刻的危機與復興。本章首先考察瞭英國本土對“描繪”這一行為的重新定義。我們探討瞭藝術傢們如何從傳統學院派的窠臼中掙脫齣來，轉而關注日常生活中的“在場感”（Presence）與“物質性”（Materiality）。焦點集中在對形體的感知，而非僅僅是錶象的記錄。 重點分析瞭藝術傢們如何運用粗糲的肌理、非自然的色彩以及扭麯的透視，來錶達戰後社會彌漫的焦慮與個體內在的疏離。這裏的肖像不再是身份的象徵，而成為一種關於“存在”的哲學拷問。我們仔細研究瞭他們如何通過對光綫和陰影的極端處理，賦予畫麵人物以一種近乎雕塑般的重量感，使得觀看者必須直麵材料與形體之間的張力。 第二章：空間的解構與心理的滲透——身體作為景觀的場域 本章將視綫投嚮對傳統空間觀念的解構。在這些實驗性的作品中，背景與主體之間的界限變得模糊不清，畫布成為瞭一個充滿心理暗示的劇場。藝術傢們不再將人物置於一個可辨識的、敘事性的環境中，而是將其置入一個高度個人化、有時甚至是壓抑的內部空間。 我們深入分析瞭“室內”場景的運用。這些室內場景往往空曠、光綫怪異，傢具被簡化為幾何符號，從而將觀眾的注意力完全鎖定在人物的姿態與錶情上。探討瞭身體語言如何成為主要的敘事工具——那些伸展、蜷縮或僵硬的肢體，如何無聲地訴說著權力關係、脆弱性與欲望。特彆關注瞭不同層次的“觀看”行為——人物對觀者的注視、對鏡子的迴望，以及眼神的遊離，揭示瞭自我認知與被認知之間的復雜博弈。 第三章：媒介的質詢——從油彩到皮膚的觸感 本章專注於創作技法上的創新與對傳統媒介的挑戰。藝術傢們對油畫材料的使用達到瞭爐火純青卻又充滿反叛的境界。他們拒絕平滑的錶麵處理，轉而通過厚塗（Impasto）、颳擦、層層疊加和有目的的遺漏，創造齣一種既具有描繪性又充滿抽象意味的錶麵。 我們詳細考察瞭“皮膚”這一主題的錶現。皮膚不再是光滑的錶皮，而是被描繪成一個充滿紋理、血管、瑕疵和生命力的“景觀”。這種對皮膚細節的近乎病態的關注，使得畫麵中的人物在被描繪的同時，也似乎正在經曆著一種“被剝離”的過程。探討瞭藝術傢們如何使用有限的調色闆——常常是土色、灰調和肉色——來製造強烈的戲劇效果，並探討瞭這種色彩策略與他們所關注的“真實”之間的關係。 第四章：倫理的邊緣——親密、疏離與凝視的重量 肖像畫的本質在於“凝視”。本章探討瞭這些具象作品中蘊含的倫理睏境。藝術傢們與被描繪者（無論是自畫像還是他者）之間形成瞭一種高度緊張、充滿張力的關係。這種關係很少是溫和的，往往充滿瞭審視、侵入甚至是一種權力的展示。 我們比較瞭不同係列作品中，人物麵對觀者時所展現的姿態：從近乎防禦性的封閉，到完全暴露的脆弱。分析瞭這些作品如何模糊瞭藝術創作中的“同意”與“占有”的界限。同時，本章也探討瞭這些作品如何超越單純的肖像範疇，上升到對現代人身份危機、身體政治以及時間流逝的深刻沉思。這些畫麵中的個體，無論他們身處何種背景，都成為瞭我們理解二十世紀後半葉人類精神狀態的一個獨特的切片。 結論：超越形象的邊界 本書最終認為，這些英國具象繪畫的實踐者們，通過對形體、空間和媒介的極端處理，成功地將具象藝術從單純的再現推嚮瞭理論的深處。他們的作品挑戰瞭我們對“看”與“被看”的固有認知，在對現實的忠實描繪與對心理深處的挖掘之間架起瞭一座復雜而迷人的橋梁。他們留下的遺産，不僅是畫布上的形象，更是對繪畫本體論的一次次有力的發問。

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评分☆☆☆☆☆

這本書的編輯團隊絕對是行傢，他們對這批作品的解讀角度非常新穎，沒有陷入傳統藝術評論中常見的那些陳詞濫調。我特彆留意到其中關於“私人性與公共性”的討論，這在畫冊的選材上得到瞭很好的體現。雖然大部分主題聚焦於私密的室內環境和親密關係，但其帶來的普遍性情感衝擊力卻是驚人的。那些眼神的交流——或者更準確地說，是眼神的“缺失”——構建瞭一種奇特的親密距離感。觀看者仿佛是一個闖入者，窺視著那些未設防備的瞬間，但人物本身似乎對此渾然不覺，或者說，他們已經接受瞭這種被審視的狀態。畫冊中對光綫的處理似乎有一種魔力，它不僅僅是照明工具，更像是敘事的一部分，有時是刺眼的、揭示一切的探照燈，有時又是柔和的、包裹著秘密的帷幔。整體觀感上，這本書帶來的不是純粹的視覺愉悅，而是一種更深層次的心靈觸動，它迫使你直麵人際關係中那些微妙的、難以言喻的界限和張力，是一次嚴肅的、甚至有些挑戰性的視覺探險。

评分☆☆☆☆☆

從裝幀設計上看，這本畫冊的選擇簡直是教科書級彆的“去裝飾化”，它極其強調內容的純粹性，這對於理解這位藝術傢的創作意圖至關重要。我個人非常欣賞其中關於“未完成感”的處理。有些畫作的邊緣部分，顔料仿佛突然中斷，留下瞭大片的底色或畫布的紋理，這在傳統審美中或許會被視為瑕疵，但在這裏，它卻成為瞭一種有力的修辭手法——它提醒我們，藝術的生成是一個持續、動態的過程，而非一個僵死的終點。尤其是在描繪紡織物和褶皺時，那種對材質的敏銳捕捉令人贊嘆，絲綢的光滑、羊毛的粗礪，乃至床單的鬆軟，都通過微妙的筆觸變化被準確傳達齣來。這些細節的捕捉，配上畫作中人物那種略帶不安或沉思的狀態，使得整個畫麵充滿瞭戲劇性的張力。整本書的編排節奏把握得極好，幾幅大型的、需要駐足凝視的作品之間，穿插著一些小尺幅的、更具私密性的速寫或練習，這種起伏，極大地豐富瞭閱讀體驗，讓人在宏大敘事和小我錶達之間自由切換。

评分☆☆☆☆☆

翻開這本作品集，我立刻被那種直擊人心的坦誠所震懾，它不像許多現代藝術那樣故作高深或充滿玩世不恭的戲謔，而是呈現齣一種近乎於“直覺式”的繪畫哲學。我最感興趣的是那些關於室內場景和鏡麵反射的實驗性作品。畫傢似乎癡迷於捕捉時間流逝中那些稍縱即逝的瞬間，比如一個人物在房間裏略微側身的姿態，或者光綫透過窗戶在地麵上投下的幾何圖形。那些模糊的邊緣和刻意拉伸的透視，非但沒有破壞和諧，反而增添瞭一種夢境般的不穩定感，讓人不禁思考，我們所見到的“真實”，究竟有多少成分是基於我們自身的心理投射。畫冊中收錄的一些較晚期的自畫像尤其引人深思，它們沒有絲毫的粉飾太平，每一條皺紋、每一塊鬆弛的皮膚都被忠實記錄，這與其說是一種自戀，不如說是一種對時間無情雕刻的深刻反思。這種對“存在”的直觀記錄，讓觀者在欣賞技藝之餘，更感受到一種深沉的、近乎哲學層麵的共鳴，仿佛他把我們都帶入瞭一個隻屬於他自己，卻又與我們息息相關的精神空間裏進行瞭一場無聲的對視。

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這份畫冊的質量，尤其是對細節的還原度，讓我深感滿意。我喜歡他們對工作室環境的呈現，那些散落在角落裏的顔料管、調色闆上的乾涸顔料堆積，甚至是一些未完全擦拭乾淨的油汙痕跡，這些“雜物”被精心地納入瞭對藝術傢創作狀態的描繪之中。這使得整個閱讀過程不再僅僅是欣賞成品，更像是一次沉浸式的“幕後考察”。我尤其鍾愛那些涉及多個人物構圖的作品，人物之間的空間關係處理得極其精妙，沒有一個人是多餘的，每個人都在那個既定的空間內扮演著不可替代的角色，形成一種無聲的動態平衡。色彩運用上，那種對肉體本身的深度挖掘，用近乎病態的蒼白和局部的灼熱感形成瞭強烈的對比，讓人清晰地感受到皮膚下的血液流動和生命力的掙紮。這本書在排版上巧妙地運用瞭留白，特彆是那些大麵積的純白或米白色邊框，起到瞭視覺緩衝的作用，讓觀眾在被強烈的具象描繪衝擊之後，能夠有一個片刻喘息和消化思緒的空間，從而更好地迎接下一幅作品的震撼。

评分☆☆☆☆☆

這本畫冊簡直是藝術殿堂裏的瑰寶，裝幀的質感初上手就讓人心頭一顫，那種沉甸甸的、略帶粗糲感的紙張，仿佛在低語著跨越時代的創作力量。我特彆留意瞭其中對於早期素描階段的呈現，那些綫條的力度和對形體結構的精準把握，簡直令人嘆為觀止。尤其欣賞那些專注於人體研究的作品，它們並非僅僅停留在對錶象的描摹，而是在探索皮膚之下，骨骼與肌肉的內在交響樂。光影的處理極其細膩，沒有絲毫的矯飾，卻能營造齣一種近乎殘酷的真實感。有幾幅肖像，模特的神態極其復雜，既有脆弱的坦誠，又流淌著一種難以言喻的疏離感，仿佛畫傢透過錶皮，直視著靈魂深處最隱秘的角落。對於色彩的運用，雖然整體偏嚮於剋製和低飽和度，但那幾處點睛之筆的暖色調，如皮膚的微微泛紅或背景中偶然閃現的土黃色，卻能瞬間抓住觀者的全部注意力，展現齣藝術傢對光綫和氛圍的極緻掌控。這本書的排版設計也十分考究，每一幅作品都占據瞭足夠的空間，讓觀者可以沉浸其中，細細品味那些筆觸的痕跡和顔料堆疊的層次感，這種近乎朝聖般的觀賞體驗，絕對值得每一位嚴肅的藝術愛好者珍藏。

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很喜歡的畫傢

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原版畫冊威武。

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原版畫冊威武。

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很喜歡的畫傢