The World Encyclopedia of Contemporary Theatre

出版者:Routledge

作者:Rubin, Don (EDT)/ Diakhate, Ousmane (EDT)/ Eyoh, Hansel Ndumbe (EDT)

页数:440

出版时间:2000-10

价格:$ 98.31

装帧:Pap

isbn号码:9780415227469

具体描述

Now available in paperback for the first time this edition of the World Encyclopedia of Contemporary Theatre series examines theatrical developments in Africa since 1945. Entries on thirty-two African countries are featured in this volume, preceded by specialist introductory essays on Anglophone Africa, Francophone Africa, History and Culture, Cosmology, Music, Dance, Theatre for Young Audiences and Puppetry. There are also special introductory general essays on African theatre written by Nobel Prize Laureate Wole Soyinka and the outstanding Congolese playwright, Sony Labou Tansi, before his untimely death in 1995. More up-to-date and more wide-ranging than any other publication, this is undoubtedly a major ground-breaking survey of contemporary African theatre.

用户评价

我最初购买这本书是希望能得到一份全球视野下的、跨文化的当代戏剧编年史。然而，它在地理覆盖上的不均衡性暴露无遗。北美和西欧占据了全书超过百分之七十的篇幅，被划分得极其细致，连各个城市的小剧场运动都有单独的章节进行深入分析。而一旦涉及到非洲、南美洲或者中东地区，内容就骤然缩水，通常只是用一两章的篇幅进行粗略的、概括性的总结，而且描述中充满了刻板印象和一种居高临下的“他者化”视角。例如，对非洲戏剧的论述，焦点过多地放在了殖民历史对本土仪式剧场的影响上，而对当代非洲艺术家如何利用戏剧进行后殖民身份建构和创新表达的关注则明显不足。这感觉就像在吃一顿盛大的宴席，却发现大部分菜品都是你已经尝腻了的经典西餐，而那些来自异域的、充满异彩的特色菜肴，却被放在了角落里，只有很少的分量。这本书的“世界”的定义，显然还是带着浓厚的西方文化中心主义的烙印，无法真正提供一个平等的全球剧场图景。

这本书的语言风格异常的学术化，用词精准，句式复杂，充满了德语哲学和法国结构主义的影子，但这种“高级感”有时反而成了理解的障碍。许多关键概念的阐释需要反复阅读三四遍才能勉强把握作者的真实意图，而且作者倾向于使用大量的限定词和从句，将简单的论点包裹在层层叠叠的学术辞藻之下。例如，探讨“身体性”时，他不会直接描述演员如何运用肢体，而是会先铺陈一段关于“主体性在后现代景观社会中的异化投射”的论述，然后再象征性地提及舞台上肢体的“张力场域”。这使得阅读过程变成了一场体力的消耗战。对于那些想要快速获取案例分析和核心观点的读者来说，这本书的“信息密度”与“理解难度”之间的比例极不友好。我更希望看到清晰、有力的论证和直观的剧照分析，而不是被这些拗口的术语和冗长的定语拖入泥潭，让人感觉作者是在刻意炫耀其知识储备，而非真正地进行知识分享。

说实话，这本书的装帧和排版确实达到了教科书级别的严谨，每一页的页眉页脚都处理得一丝不苟，索引做得极其详尽，几乎可以作为工具书来使用。但当我试图寻找关于“跨媒介叙事”在当代剧场中的应用时，我发现它完全停滞在了对“传统舞台空间”的坚守上。作者似乎对数字技术、虚拟现实、实时影像介入舞台的探讨兴趣寥寥，或者说，他们压根就没将这些视为“戏剧”的核心组成部分。整本书的语境仿佛还停留在上世纪七十年代，讨论的重点依然是“灯光如何服务于演员的内心独白”，而不是“观众的移动视角如何重塑叙事结构”。我专门查阅了关于“沉浸式戏剧”的索引词，结果只找到了寥寥数语，将其简单归类为“娱乐化倾向的剧场衍生品”，缺乏任何实质性的理论建构。这简直像是一份为老派戏剧学院院长准备的参考手册，它完美地概括了过去，却对正在发生的未来视而不见。它的严谨性反而成了它的桎梏，使得它在面对快速迭代的当代艺术形态时，显得如此力不从心和陈旧。

这本书的书脊厚得惊人，光是掂在手里就感觉沉甸甸的，封面设计是那种极其简洁的纯色，配上烫金的标题，透着一股不容置疑的权威感。我最初翻开它的目的，是想找一些关于上世纪八十年代欧洲先锋戏剧运动的资料，特别是那些在边缘剧场扎根的团体。然而，我很快发现，这本书的着力点似乎完全不在我预期的方向。它花了极大的篇幅去梳理了特定几个国家在九十年代末到本世纪初的商业化戏剧趋势，详尽地分析了百老汇和西区在金融危机后的投资结构变化，以及它们如何通过标准化剧本和明星效应来规避风险。那种对市场数据和财务报表的细致罗列，比起戏剧分析，更像是经济学论文的附录。我记得有一章专门分析了某个大型音乐剧制作的全球巡演授权费用结构，里面的图表复杂到我需要拿出草稿纸才能勉强跟上作者的逻辑链条。对于热衷于文本解构、导演阐释或者表演理论的我来说，这种冰冷的数据堆砌，实在让人提不起精神，仿佛置身于一个巨大的、华丽的、但毫无灵魂的剧场建筑模型前，只能看到钢筋混凝土，闻不到汗水和油彩的味道。它似乎更适合那些想开剧院公司、需要撰写商业计划书的投资者，而不是渴望洞察舞台艺术精髓的研究者。

我花了整整一个下午试图从中找到关于“去中心化”戏剧实践的论述，特别是那些发生在非传统空间，比如仓库、废弃工厂或者城市广场上的作品。我记得翻到“亚太地区”那一章时，略微燃起了一丝希望，因为亚洲戏剧的活力一直在于其对传统框架的不断冲击和试验。然而，这个部分的处理方式极其保守，它几乎将所有篇幅都贡献给了几个在东京和首尔设立的、已经获得政府大量资助和官方认可的大型剧院集团的年度报告摘要。作者似乎对任何游离于主流批评视野之外的、未经“正名”的草根艺术形式持有一种近乎不屑的态度。那些充满生命力和政治批判性的街头表演、偶戏的民间复兴运动，在书中只是一笔带过，被归入了“地方民间文化活动”的范畴，没有给予任何深入的文本分析或历史定位。这让我感到非常失望，就像你期待找到一条充满野性的河流，结果只看到了一条被规范、被水泥砌好的人工运河。这本书的视角过于“官方化”，它似乎只相信那些能被列入政府年鉴、能在官方票务系统上找到票根的戏剧，而忽略了真正推动艺术向前发展的那些看不见的、流动的、反叛的力量。