Japanese Colour Prints

出版者:Phaidon Inc Ltd

作者:Jack Ronald Hillier

页数:128

出版时间:1998-8

价格:90.00元

装帧:Pap

isbn号码:9780714827216

具体描述

This series acts as an introduction to key artists and movements in art history. Each title contains 48 full-page colour plates, accompanied by extensive notes, and numerous comparative illustrations in colour or black and white, a concise introduction, select bibliography and detailed source information for the images. Monographs on individual artists also feature a brief chronology.

用户评价

最近我一直在研究不同文化中“收藏”的本质，而这本《Japanese Colour Prints》正好提供了一个绝佳的对照点。我所关注的焦点，完全集中在了这本书是如何被“对待”的。如果它被一个专业的博物馆收藏家拥有，那么它的光照、湿度、酸碱度都会被精确控制，它将成为一个被冰封的、纯粹的知识载体。但如果它落入一个普通爱好者的手中，它很可能会被随意地放在书架上，被阳光直射，甚至可能被不小心洒上茶水。我更倾向于后者，因为后者才代表了艺术品融入日常生活的真实状态。我不是在评价艺术本身，而是在评价“艺术的生命线”。这本书的封面，那种略微泛黄的白边，对我来说，就是无数个寻常日子堆叠而成的勋章。它提醒着我，那些被奉为经典的艺术，其最终的归宿往往是回归平凡的使用和磨损之中。它让我思考，我们究竟是在收藏“艺术”，还是在收藏“我们自己过去与艺术互动的瞬间”？这本书，与其说是关于日本的色彩，不如说是关于“时间如何染色”的无声论述，而这些染色过程，远比书页上的任何红色或靛青都要深刻得多。

关于这本名为《Japanese Colour Prints》的册子，我产生了一种奇特的疏离感。不是说内容不好，而是我感觉自己像一个闯入者，试图通过一个封闭的窗口窥探一个完全陌生的世界。我的兴趣点完全偏离了主题，转向了“这本书的国际旅行史”。设想一下，它最初可能是在日本的一家书局里，被一位对异域风情好奇的西方商人购得，然后被小心翼翼地用麻布包裹，装进远洋货轮的船舱。一路颠簸，它可能目睹了泰坦尼克号沉没前的最后一次辉煌，也可能见证了两次世界大战期间物资的匮乏与珍贵。这本书的边角上，那些被多次摩挲而变得光滑的痕迹，对我来说，比任何一笔细腻的笔触都更具故事性。我更愿意相信，这本书曾被某位战地记者当作临时的书写板，或者被某个流亡的艺术家当作抵抗平庸的慰藉。它所代表的，已经不是单一的艺术流派，而是人类文明在特定历史时期对“美”的渴望与追逐。当我合上书本时，我感受到的不是知识的充盈，而是一种对“时间洪流”的敬畏——我们手中的任何一件物品，都是无数次偶然相遇和必然命运交织的结果。

我最近接触到了一批关于东方艺术的书籍，其中有一本《**Japanese Colour Prints**》让我印象颇深，但我要说的不是这本书本身的内容，而是它给我带来的联想和它所处的阅读环境。想象一下，在一个细雨连绵的下午，我窝在一家老式咖啡馆里，空气中弥漫着烘焙咖啡豆和陈旧纸张的混合香气。我面前摊开的这本书——姑且称之为“这本关于日本彩色版画的书”——它的装帧古朴，那种厚重的纸张散发着时间的味道。我没有细究里面的版画细节，反而被它边缘那些轻微的磨损吸引了。这让我联想到，每一位阅读过它的人，或许都曾在某个安静的角落，与那些远古的色彩进行着无声的对话。这本书的重量，仿佛承载着千百年来匠人的心血与技艺，即便只是把它放在膝上，也能感受到那份沉甸甸的历史感。我更关心的是，这本书在不同读者手中留下的“痕迹”——也许是某个年轻人为了研究而做的笔记圈画，或许是某个旅人无意中沾染上的异国尘土。这种物性的存在，远比书本上的图像本身更能触动我，它变成了一座桥梁，连接着过去与现在，遥远的东方与我所在的这个西式空间。我甚至开始好奇，这本书的译者或编辑，他们是如何处理那些在西方语境下可能被误解的色彩象征的？那种文化上的翻译与转译，才是最引人入胜的“隐形内容”。

阅读体验的深度往往与我们对“缺失”的关注程度成正比。对于这本关于日本彩色版画的书，我反而对那些没有被印刷上去的“空白”更感兴趣。那种留白，在日本美学中本就具有极高的地位，但在这里，它被翻译成了一种物理上的缺失感。我忍不住去思考，如果这本书是在一个完全不同的技术环境下印刷的，例如使用现代的胶印技术，那么那种木刻特有的颗粒感、墨汁渗透到纸张纤维中的微妙层次，是否还能被完整保留？这种对“工艺失真”的忧虑，占据了我相当大的注意力。我甚至在想，这本书的装订线是否能承受住未来多次的翻阅？这种对“物质耐久性”的焦虑，让我对书中的每一幅图像都带上了一种易逝的悲剧色彩。它不再仅仅是艺术品，而是一个关于“如何对抗熵增”的哲学命题。我更希望这本书能够被数字化保存，但同时又害怕数字化的过程会抽离掉它身上那种特有的、带着木屑气味的“在场感”。所以，我沉浸于一种矛盾之中：既想永久保存它的实体，又深知实体终将腐朽，这种挣扎，比任何一幅具体的版画都更加扣人心弦。

最近沉迷于一种近乎考古学的阅读体验，翻阅着手头这套关于日本木刻版画的书籍时，我发现自己更关注的是那些“未被提及”的背景故事。比如，在那些如梦似幻的浮世绘景象背后，隐藏着江户时代社会阶层的微妙动态，以及幕府对艺术创作的隐晦控制。这本书，虽然展示了精美的图像，但它作为一种“媒介”，其自身的命运也值得玩味。它可能曾经是某位西方艺术家的灵感来源，被珍藏在蒙尘的阁楼里，也可能曾被用作交换珍稀货物的筹码。我试图去构建一个关于“这本书”的平行历史：它跨越了海洋，经历了战争与和平，其纸张的纤维记录了环境湿度的微妙变化。当我轻轻翻动书页时，发出的那种细微的“沙沙”声，简直就是一种古老的密码学符号。我脑海中浮现的不是歌舞伎演员的脸庞，而是那些在版画工坊里日夜劳作的雕刻师，他们的手指如何与木头搏斗，如何与墨汁共舞。这本书的价值，此刻似乎超越了其艺术内容本身，它变成了一件有生命的文物，一个关于跨文化传播与物质载体历史的活教材。我甚至开始想象，如果这本书被置于现代极简主义的展览空间中，它会如何与周围的冰冷金属和玻璃产生剧烈的张力。