Ike Taiga and Tokuyama Gyokuran

出版者:Philadelphia Museum of Art

作者:Felice Fischer

页数:504

出版时间:2007-5-24

价格:USD 75.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780300122183

具体描述

Ike Taiga (1723–1776) and his wife Tokuyama Gyokuran (1727–1784) were preeminent artists in 18th-century Japan. This landmark book––the only comprehensive survey available in English—focuses on the lives and times of these artists and accompanies the first-ever exhibition devoted to their work in the United States.

Considered by contemporaries to be an eccentric marvel, indifferent to worldly preoccupations, Taiga is best known as an exponent of the so-called Nanga school of Chinese literati painting. He was hugely prolific and experimental, working in an impressive range of styles, techniques, compositions, and subjects to produce over 1,000 calligraphies and paintings, and many large-scale fusuma (sliding doors) and screens. While not as well known as her husband, Gyokuran was a significant artist and a well-regarded poet of Japanese verse. Taiga wrote poetry in Chinese, and translated poems by both artists are featured prominently in this volume.

作者简介

Felice Fischer is The Luther W. Brady Curator of Japanese Art and Curator of East Asian Art, Philadelphia Museum of Art.

用户评价

这部作品给我带来了极其深刻的触动，它不仅仅是一本书，更像是一扇通往另一个世界的窗户。作者在描绘那些错综复杂的人物关系时，展现出了一种近乎残酷的真实感。我尤其欣赏其中对于“时间”这一概念的独特处理。它不是线性的，而是像河流一样，时而湍急，时而平静，甚至在某些关键节点上出现了回溯和重叠，让人不得不停下来反复咀嚼那些看似不经意的对话和场景，思考它们在整体叙事结构中所处的真正位置。比如，书中对某一处废弃工厂的描写，初读时只觉得是背景烘托气氛的场景，但随着情节的深入，才意识到那片锈蚀的金属和弥漫的灰尘，其实是主角内心挣扎的外化，是某种无法言说的宿命感凝结成的具体物质。书中那种克制而又饱满的情感表达方式，让人在阅读过程中时常感到胸口一紧，却又找不到明确的宣泄口，这种体验非常独特。文字的密度极高，每一个形容词、每一个动词的选择都像是经过千锤百炼，绝无冗余。它不像许多流行小说那样迎合读者的期待，反而更像是在挑战读者的理解极限，需要投入极大的心力去解读那些深藏在字里行间的隐喻和象征。读完合上书本的那一刻，我感觉自己仿佛经历了一场漫长而艰苦的朝圣之旅，身心俱疲，但灵魂却得到了某种程度上的洗涤和升华。

我必须承认，这本书的某些主题探讨是相当尖锐和令人不适的。它毫不留情地撕开了人性中那些最黑暗、最自私的层面，却又在毁灭性的描绘中，偶尔闪现出人性光辉的微弱火花，这种对比带来的冲击力极强。书中对于“记忆的不可靠性”的探讨，更是达到了哲学思辨的高度。作者通过反复重述的关键事件，展示了时间如何扭曲认知，如何让受害者和施暴者都能在自己的叙事中找到“合理性”。这让我深刻反思了自己对许多过往事件的记忆，究竟有多少是基于事实，又有多少是基于自我保护的需要而构建的谎言。文笔方面，它不像那种追求华美辞藻堆砌的文风，而是偏向于一种冷峻、精确、甚至略带病态的精准。每一个句子都像一把手术刀，切开表象，直达核心的病灶。书中对于城市景观的描绘也十分出色，那些阴冷的街道、永不休息的霓虹灯，都成为了角色心理压力的投射。读这本书需要勇气，因为它强迫你直视那些你通常会避开的道德困境和存在的虚无感。

这本书的独特之处在于其强烈的地域色彩和对传统文化的解构。作者似乎对某种古老而衰落的地域文化有着深厚的感情，并将这种情感融入了角色的血液之中。整个故事的背景，虽然并未明确指出是哪个具体的地理位置，但那种潮湿、封闭、充满历史遗留问题的氛围却扑面而来。书中对一些传统习俗和仪式性的描绘，非常细致，充满了神秘感和一种末世的颓废美。我感觉自己仿佛能闻到空气中混杂的霉味和香火味。更重要的是，作者非常巧妙地将这种地方性与普世的人类情感——爱、背叛、失落——联系起来。那些古老的规矩和现代的欲望之间的冲突，构成了故事的主要驱动力。我特别欣赏作者对“沉默”的运用。很多时候，角色之间最深刻的交流并非通过言语，而是通过眼神的交汇、停顿的长度、或者身体语言的微小变化来完成的。这种“留白”的处理，给予读者极大的想象空间，也让人物的内心世界显得更加深不可测。阅读这本书的过程，与其说是看故事，不如说是在体验一种复杂的情绪景观，一种对逝去时代的复杂悼念。

这本书的结构设计，简直是神来之笔，充满了精妙的反讽和结构上的对称美学。它没有采用传统的线性时间轴，而是采用了多重视角切换和非顺序叙事的手法，但奇怪的是，这种复杂性非但没有造成阅读障碍，反而让整个故事的张力更加饱满。作者像一位高明的音乐指挥家，将不同的乐章——过去的回忆、当下的行动、未来的预感——巧妙地交织在一起，形成了复调的效果。尤其令人称奇的是，书中对“真相”的描绘。真相并非一个明确的点，而是一团不断变化的迷雾，每一次通过不同角色的眼睛去看，都会产生新的棱镜折射。比如，某段历史事件，甲角色的叙述充满了对权威的控诉，而乙角色的回忆则着重于日常的琐碎和情感的错位。读者必须自己去缝合这些碎片，构建自己的理解。这种需要主动参与的阅读体验，极大地提升了阅读的乐趣和深度。它不是在喂养你，而是在给你工具，让你自己去开采矿藏。初次接触这种叙事手法可能会感到吃力，但一旦适应了作者的节奏，你会发现自己对叙事逻辑的理解达到了一个新的高度。

老实说，我一开始对这本书的期待值并不算太高，毕竟市面上同类型的“史诗性”作品已经太多了，大多是华丽辞藻的堆砌，内容空洞。然而，这本书彻底颠覆了我的偏见。它的厉害之处在于，它构建了一个宏大叙事的同时，却从未丢失对“微观个体”的关注。书中对小人物命运的刻画，细致入微到了令人发指的地步。我记得有一个片段，讲的是一个在边境城镇靠卖手工编织品为生的老人，他因为一次微不足道的误会而付出了巨大的代价。作者没有用煽情的语言去描述他的悲惨，而是通过老人如何小心翼翼地保存着一小块褪色的布料，如何用近乎仪式性的动作去修复他那把老旧的梭子，来展现那种深入骨髓的无力和尊严。这种“不动声色的力量”是极其震撼的。而且，这本书的节奏控制堪称教科书级别。它知道何时该快刀斩乱麻，何时该放慢脚步，让读者沉浸在某种氛围中无法自拔。我常常在凌晨两三点放下手机，因为我不得不把注意力全部集中在书页上，生怕错过任何一个微妙的语气转折。它不是那种读完就能丢开的书，它会像藤蔓一样，在你日常生活的缝隙中悄悄生长，时不时冒出一个念头，让你重新想起书中某个场景，那种挥之不去的余韵，是衡量一部作品是否真正伟大的标准。

日本文人画

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