Making Art History

出版者:Routledge

作者:Mansfield, Elizabeth 编

页数:288

出版时间:2007-6

价格:$ 55.31

装帧:Pap

isbn号码:9780415372350

具体描述

"Making Art History" is a collection of essays by contemporary scholars on the practice and theory of art history as it responds to institutions as diverse as art galleries and museums, publishing houses and universities, school boards and professional organizations, political parties and multinational corporations. The text is split into four thematic sections, each of which begins with a short introduction from the editor, the sections include: Border Patrols: it addresses the artistic canon and its relationship to the ongoing 'war on terror', globalization, and the rise of the Belgian nationalist party; The Subjects of Art History, which questions whether 'art' and 'history' are really what the discipline seeks to understand; Instituting Art History, which concerns art history and its relation to the university and raises questions about the mission, habits, ethics and limits of university today; and, Old Master, New Institutions that shows how art history and the museum respond to nationalism, corporate management models and the 'culture wars.'

用户评价

这本书给我的整体感觉是“不适感”与“兴奋感”的完美混合体。它打破了太多我根深蒂固的艺术认知框架，以至于在读完后，我发现自己对过去习以为常的名作都产生了“再审视”的冲动。作者的笔触极其锐利，敢于挑战那些被奉为圭臬的艺术史叙事，他的论证过程充满了强烈的个人信念，有时候甚至显得有些偏执，但他这种近乎布道者的激情，却极具感染力。他不是在讲述一个早已完结的故事，而是在邀请读者参与到一场永无止境的、关于“何为艺术”的辩论中去。这本书的排版和图文搭配也极为考究，很多插图不是高分辨率的完美复制品，而是带有年代感的、略微失真的印刷品图像，这反而增强了历史的厚重感和真实感。总之，这是一部要求读者全身心投入，并愿意被颠覆思维的作品，它留下的不是知识的堆砌，而是思维的震颤。

我必须承认，这本书对我既是启迪，也是一种智力上的挑战。它的行文风格极其华丽，句式复杂，常常使用长达半页的复合句来构建一个完整的思想闭环。这使得阅读过程充满了仪式感，仿佛不是在阅读文字，而是在解码一段古老的、充满象征意义的铭文。作者的语言驾驭能力令人叹为观止，他对色彩、光影、材质的描述，已经超越了纯粹的学术写作，达到了散文诗的境界。比如，他描述巴洛克雕塑时，用了大量关于“运动的惰性”和“凝固的激情”的矛盾词汇，让我仿佛能触摸到大理石表面那冰冷的、却又蕴含着爆炸性力量的质感。然而，这种极致的文学性也带来了阅读的门槛。对于习惯了清晰、直接叙述的读者来说，这本书的前期可能会让人感到有些迷失，因为它很少提供明确的“结论”，更倾向于抛出深刻的“问题”。它要求读者放弃对确定性的渴望，转而拥抱那种模糊和暧昧的、艺术本身所固有的特质。

阅读这本书的过程，简直像是一场精神上的马拉松，要求你时刻保持高度的警觉和开放的心态。它的结构不是传统的章节划分，更像是无数个互相关联又彼此独立的“切片”，每一个切片都深入到一个特定的视觉文化现象中，而且视角极其刁钻。我印象最深的是关于“镜子”在文艺复兴时期绘画中的隐喻分析，作者没有停留在对透视法的技术探讨上，而是探讨了镜子如何成为观看者与被观看者之间永恒的拉扯，以及自我的边界是如何在反射的光影中被消解和重塑的。这种跨学科的融合是这本书最强大的武器之一，它会突然从艺术史跳跃到早期光学理论，再猛地转向萨特的存在主义哲学，让你不得不跟着作者的思维跳跃，不断地在脑海中建立新的连接点。坦白说，有些段落的阅读速度非常慢，我常常需要停下来，合上书，在房间里走动，消化那种信息密度极高的论证。这绝对不是一本可以在咖啡馆里轻松翻阅的读物，它需要你全神贯注，甚至需要你准备好纸笔，随时记录那些突如其来的灵感火花。

这本书，初拿到手的时候，那种沉甸甸的质感就让人心生敬畏，封面设计极其大胆，不是那种学院派的规整，而是充满了某种野性的张力，仿佛每一笔色彩都在呐喊。我原本以为这是一本标准的艺术史教科书，充斥着枯燥的年代考证和僵化的流派划分，但翻开第一页我就知道我错了。它没有给我一个线性时间轴，而是像一个迷宫，引导你穿梭于不同的文化碎片之中。作者的叙事方式非常个人化，充满了对艺术品的“私语”，他不会直接告诉你某幅画的“正确”解读，而是用一种近乎诗歌的语言，描述了光线落在画布上的瞬间，以及那种光线如何改变了观看者的心境。比如，在谈论某个中世纪祭坛画时，他花了大量的篇幅去描绘教堂中空气的湿度和烛火的摇曳，而不是仅仅停留在圣经故事的复述上。这种处理方式，让原本冰冷的、遥远的艺术品重新获得了呼吸。更让我着迷的是，书中对“失败”的作品和“被遗忘的”艺术家的关注，他似乎更喜欢那些在历史洪流中被冲刷掉的、带有瑕疵的美。这种对边缘的挖掘，比那些耳熟能详的大师作品分析，更让我感到震撼和亲切。这本书不是让你“学习”历史，而是让你“体验”历史的脉搏。

这本书最令人耳目一新之处，在于它对“艺术史”这个概念本身的解构。作者似乎并不关心谁是“第一个”发现某种技法的人，或者哪一个时期是艺术的“巅峰”。相反，他关注的是权力结构是如何塑造我们今天所看到的美学标准的。他以一种近乎考古发掘的方式，剥离掉那些被学院派镀上的金光，去探究那些被压抑的声音和被边缘化的审美体验。有一章专门分析了“装饰”是如何从一个贬义词，一步步被重新纳入严肃艺术的讨论范畴的，这中间穿插了对全球贸易、女性手工艺以及殖民地审美趣味的精彩论述。这种视角是极其现代的，它没有给我们一个高高在上的历史审判官的视角，而是让我们意识到，我们对“美”的理解，其实是建立在一系列偶然的、带有偏见的文化筛选之上的。读完后，我再看任何一件艺术品，都会下意识地问自己：谁决定了这件作品的价值？它的光芒是被有意地聚焦，还是自然散发出来的？