TAP! The Greatest Tap Dance Stars and Their Stories 1900-1955

出版者:Da Capo Press

作者:Rusty Frank

页数:358

出版时间:1995-3-22

价格:USD 24.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780306806353

具体描述

From the vaudeville era, through the Astaire-Rogers movies, to the intricate artistry of bebop, tap has dominated American dance with its rhythm, originality, and humor. This book collects the voices and memories of thirty of America's best-loved tap-dance stars and two hundred rare theater, film, and publicity photographs. Here Shirley Temple recalls her magical duo with Bill "Bojangles" Robinson; Fayard Nicholas describes his days at Harlem's Cotton Club performing with Cab Calloway; Fred Kelly visits his and his brother Gene's Pittsburgh dance studio; Hermes Pan reminisces about his work with George Gershwin, Ginger Rogers, and Fred Astaire; and, in a chapter new to this edition, Toy and Wing tell about their days as the world's leading Asian tap duo. Appended with the most comprehensive listing of tap acts, recordings, and films ever compiled—newly updated for this paperback edition— Tap! brings to life the legends of one of America's most cherished and enduring art forms.

用户评价

这本书的结构安排颇具匠心，它不仅仅是一本人物传记的简单罗列，更像是一幅精心编织的美国近现代娱乐史挂毯。作者巧妙地运用了大量的口述历史片段——那些来自亲历者或其后代的珍贵回忆，使得文字的质感无比真实和厚重。我感受最深的是，文字中流露出的对“技艺”本身的敬畏。它没有过多地渲染舞台的奢华，而是将笔墨聚焦于那些日复一日、年复一年的枯燥训练，是如何将一双普通的脚，打磨成可以讲述故事的乐器。这种对“匠人精神”的深入挖掘，让这部作品超越了简单的娱乐史范畴，带上了一种近乎哲学思辨的色彩。阅读时，我时常会停下来，思考艺术的本质，以及那些在时代洪流中坚守自己纯粹追求的艺术家们，他们的坚持到底意味着什么。那种沉甸甸的分量感，让人在合上书页时，依然久久不能平静。

坦白讲，初读这本书时，我以为它会是一本相对枯燥的学术性梳理，但很快，我发现自己完全被那种强烈的“现场感”所吸引住了。作者对舞台灯光、汗水气味、观众席上爆发出的掌声与唏嘘声的描摹，达到了令人叹为观止的程度。尤其是在描述几场决定性的表演高潮时，作者的文字仿佛被施了魔法，节奏陡然加快，句子变得短促、充满爆发力，那种紧张感穿透纸页，直达读者的神经末梢。这不像是历史记录，更像是一部极其优秀的文学作品，充满张力和戏剧性。它成功地将那些“过去式”的人物重新激活，让他们在读者的脑海中活蹦乱跳起来，每一个转折、每一次停顿，都充满了生命力，让人不禁惊叹于文字的力量，竟能如此精准地复原一个已经消逝的艺术维度。

这部作品的语言风格非常多变，这一点非常值得称道。它时而采用一种近乎于老派评论家般的严谨和克制，对技术的分析一丝不苟，充满了专业人士之间的默契交流感；但转瞬之间，又会切换到一种充满温情和怀旧的笔调，仿佛一位老朋友在咖啡馆里向你讲述他年轻时追逐梦想的经历。这种风格上的张弛有度，避免了长篇历史著作可能出现的沉闷感，让不同侧重点的读者都能从中找到自己的乐趣点。无论是醉心于技术分析的行家，还是仅仅想了解那个时代风貌的普通读者，都能被这种兼具学术深度与人文温度的叙事方式牢牢吸引，让人在阅读过程中，体验到一种复杂而满足的情感回馈，是近年来难得一见的优秀非虚构作品。

这部回顾美国舞蹈黄金时代的著作，真是让人沉醉于那个光影交错的年代。作者以一种近乎诗意的笔触，勾勒出了舞台上那些闪耀群星的群像，他们的脚尖如何与地板对话，每一次轻叩都仿佛是历史的回响。我特别喜欢那种对细节的捕捉，比如某位舞者在特定演出中使用的独特手套，或是他在谢幕时那个标志性的鞠躬姿势，这些仿佛能让我透过文字，亲眼目睹当年的盛况。全书的叙事节奏把握得极好，时而如激昂的踢踏舞步，短促有力，直击人心；时而又像舒缓的慢板，娓娓道来，将那个时代的社会背景与艺术生态交织在一起，展现了舞蹈家们在光环背后的挣扎与荣耀。阅读的过程中，我时常会不自觉地在脑海中为这些文字配上背景音乐，想象着那些失传已久的旋律，那种代入感是极其强烈的，让人感受到了一种跨越时空的共鸣，仿佛自己也站在了剧院的包厢里，屏息凝神，等待着下一段传奇的开场。

这本书给我带来的最大惊喜，在于它对“流派”和“地域性”影响的细致考察。它不是孤立地看待每一个明星，而是将他们置于一个复杂的文化地理网格之中。你会清晰地看到，来自南方城市的影响如何与中西部剧院的保守风格碰撞出新的火花，以及移民文化如何潜移默化地改变了舞蹈的语汇。作者没有简单地给出结论，而是通过对比不同时期、不同地域的演出记录和评论，引导读者自己去构建理解的框架。这种引导式的叙事，极大地提升了阅读的互动性和思考的深度。每次读到一个新的章节，都像是在进行一次深入的田野调查，挖掘出那些埋藏在光鲜亮丽背后的文化根源和审美变迁的脉络，让人对这段历史有了更立体、更全面的认知。