A History of African-American Artists

A History of African-American Artists pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Random House Inc
作者:Bearden, Romare/ Henderson, Harry
出品人:
页数:560
译者:
出版时间:1993-10
价格:593.00元
装帧:HRD
isbn号码:9780394570167
丛书系列:
图书标签:
  • African American Art
  • Art History
  • African American History
  • Black Artists
  • American Art
  • Fine Art
  • Painting
  • Sculpture
  • Culture
  • History
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具体描述

A landmark work of art history: lavishly illustrated and extraordinary for its thoroughness, A History of African-American Artists -- conceived, researched, and written by the great American artist Romare Bearden with journalist Harry Henderson, who completed the work after Bearden's death in 1988 -- gives a conspectus of African-American art from the late eighteenth century to the present. It examines the lives and careers of more than fifty signal African-American artists, and the relation of their work to prevailing artistic, social, and political trends both in America and throughout the world. Beginning with a radical reevaluation of the enigma of Joshua Johnston, a late eighteenth-century portrait painter widely assumed by historians to be one of the earliest known African-American artists, Bearden and Henderson go on to examine the careers of Robert S. Duncanson, Edward M. Bannister, Henry Ossawa Tanner, Aaron Douglas, Edmonia Lewis, Jacob Lawrence, Hale A. Woodruff, Augusta Savage, Charles H. Alston, Ellis Wilson, Archibald J. Motley, Jr., Horace Pippin, Alma W. Thomas, and many others. Illustrated with more than 420 black-and-white illustrations and 61 color reproductions -- including rediscovered classics, works no longer extant, and art never before seen in this country -- A History of African-American Artists is a stunning achievement.

跨越界限:全球艺术史中的女性身影 一部探索二十世纪以来女性艺术家如何重塑艺术版图的宏大叙事 本书聚焦于那些在全球艺术史上长期被边缘化、但对美学实践和文化对话产生深刻影响的女性创作者。这不是一部简单的“女性艺术家”名录,而是一部深入剖析权力结构、性别角色、身体政治以及艺术本体论的学术专著。 第一部分:现代性的裂缝与觉醒(1900-1945) 本书的开篇追溯了二十世纪初,在欧洲和美洲的现代主义浪潮中,女性艺术家们如何挣扎于传统性别期待与激进的艺术表达之间的张力。我们细致考察了立体主义、表现主义和早期抽象艺术运动中那些鲜少被提及的名字。 关键议题: “闺房”与工作室的对立: 分析了沙龙体制和艺术学院如何系统性地将女性艺术家的创作空间限制在家中,以及她们如何利用这些“私密”空间进行颠覆性的实验,例如通过摄影和拼贴技术解构传统的肖像画规范。 身体的政治表征: 重点研究了弗里达·卡罗(Frida Kahlo)的自画像传统,但更着墨于她的同辈,如克里斯蒂安·卡德曼(Christiane Kademann)和墨西哥壁画运动中的女性参与者,探讨她们如何将个人的生理痛苦和民族身份的复杂性融入公共叙事中。 材料的革命: 考察了早期使用非常规材料(如工业废料、日常纺织品)的女性艺术家,挑战了传统“高雅艺术”对媒介的定义。例如,对阿梅莉亚·佩洛(Amelia Perro)在魏玛时期运用拼布和刺绣构建社会批判场景的深入分析。 第二部分:战后迷雾与概念的生成(1945-1970) 二战后,随着抽象表现主义在美国占据主导地位,女性艺术家的角色似乎被进一步压缩。然而,正是在这一时期,一场更为隐蔽和深刻的观念革命正在酝酿。 关键议题: 从行动到观念的转向: 关注那些拒绝被“媒介”定义的艺术家。我们详细分析了在欧洲,一些女性雕塑家如何放弃具象形式,转向对空间、光线和时间性的纯粹研究,挑战了战后盛行的“英雄主义”叙事。 抽象中的内在景观: 探讨了美国东海岸一批女性抽象艺术家,她们的创作往往带有强烈的心理学色彩,与同时代男性艺术家的宏大叙事形成鲜明对比。这不是对“感性”的简单回归,而是对潜意识和集体记忆的精确结构化。 早期生态意识的萌芽: 考察了在偏远地区或非传统艺术中心活动的女性,她们的作品开始探讨人与自然环境的关系,预示了后来的土地艺术和生态艺术的兴起,但其媒介往往是短暂的、记录性的,难以被主流收藏体系捕获。 第三部分:身体、权力与解放的年代(1970-1990) 本书认为,七十年代的女权主义艺术运动并非孤立发生,而是建立在先前数十年的默默耕耘之上。这一部分是全书的转折点,详细阐述了艺术家如何直接介入社会和政治议程。 关键议题: “女性空间”的构建与解构: 分析了女性艺术家们如何集体创立画廊、工作室和研究机构,这些“安全空间”如何成为实验激进理论和实践的熔炉。研究对象包括欧洲的集体艺术项目和美国的女性主义视觉中心。 身份政治的复杂性: 这一部分特别强调了非白人、非西方女性艺术家的声音。深入研究了后殖民语境下,女性艺术家如何运用符号学和挪用策略,揭露殖民遗产和全球资本主义对女性身体和文化的双重规训。例如,对南美和亚洲女性艺术家如何利用传统手工艺的批判性重构。 表演艺术的制度化挑战: 考察了表演艺术(Performance Art)作为一种难以被传统艺术市场吸收的媒介,如何成为女性艺术家挑战父权制凝视(Male Gaze)的最有力武器。书中详述了数个关键表演事件的文本分析和其对后续行为艺术的深远影响。 第四部分:全球化时代的媒介融合与理论深化(1990至今) 进入后现代与全球化时代,女性艺术家的创作视野变得空前广阔,媒介之间的界限持续消融。本书的最后部分探讨了当代女性艺术家如何应对数字文化、全球移民和身份的流动性。 关键议题: 数字领域中的自我书写: 分析了新一代艺术家如何利用新媒体、录像和网络平台来构建多重叙事,挑战了单一、中心化的历史记录模式。重点在于她们如何利用技术的间隙来表达边缘群体的声音。 批判性怀旧的运用: 探讨了当代女性艺术家对历史图像、档案材料的重新编排,这并非简单的怀旧,而是一种批判性的重构,旨在挖掘历史叙事中被删除的女性行动者的轨迹。 跨学科的渗透: 考察了女性艺术家如何与科学、人类学、城市规划等领域进行深度合作,将艺术实践从画廊和博物馆推向公共领域和知识生产的前沿。 本书的结论强调,艺术史不应是关于“谁是天才”的线性叙事,而应是一张由无数相互关联、相互挑战的实践网络构成的复杂图景。通过重新聚焦那些被系统性遗忘的声音,我们得以更完整、也更具批判性地理解过去一百年的审美演变和社会变迁。

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