Ilya Kabakov

出版者:Mit Pr

作者:Groys, Boris

页数:56

出版时间:2006-5

价格:$ 18.08

装帧:Pap

isbn号码:9781846380044

具体描述

The fictitious hero of this 1984 installation is a lonely dreamer who develops an impossible project: to fly alone in cosmic space. But this dream is also an individual appropriation of a collective Soviet project and the official Soviet propaganda connected to it. Having built a makeshift slingshot, the hero apparently flies through the ceiling of his shabby room and vanishes into space. The miserable room and the primitive slingshot suggest the reality behind the Soviet utopia, in which where cosmic vision and the political project of the Communist revolution are seen as indissoluble.The Man who Flew into Space from His Apartment also raises questions of authorship in modernity. All of Kabakov's work is made in the name of other, fictitious artists. This reveals a hidden rule of the modern art system: only an artist who doesn't want to be an artist or who doesn't even know that he is an artist is a real artist--just as only an artwork that does not look like an artwork is a real artwork. The installation is a narrative, the documentation of a fictitious event.Afterall Books are distributed by The MIT Press.

用户评价

这本书的编辑和策展功力实在令人称赞，它成功地构建了一个跨越不同媒介和创作时期的对话场域。虽然每一部分似乎都独立存在，但当你合上书本，你会意识到它们之间存在着一条无形的、由核心哲学驱动的连续性。我特别欣赏其中对“日常物品的异化”的精妙处理。那些原本毫无价值、甚至带有负面含义的工业废弃物或家庭杂物，经过艺术家的重新语境化，竟然焕发出一种庄严的美感和沉重的历史感。这种“化腐朽为神奇”的转化，远非简单的挪用，而是一种深刻的价值重估。书中的分析文字也十分到位，它们没有过度解读，而是提供了一个坚实的理论框架，帮助我们将视觉体验锚定在更广阔的社会文化语境中，避免了陷入纯粹的主观臆断。这是一本需要被细心对待的书，它不是用来快速浏览的，而是需要被“体验”的，如同进入一个精心设计的迷宫，每走一步都有新的发现。

这本书的排版和装帧本身，就构成了一种强烈的艺术声明。它没有采用那种光滑、高光的印刷效果，反而偏爱粗粝的纸张质感和大量留白，这使得那些高对比度的黑白图像更具冲击力。这种对物质性的强调，无疑提升了阅读体验的深度。书中收录的那些似乎是手稿、草图或早期工作坊记录的材料，展现了一种创作过程的原始能量，它剥离了艺术品最终完成后的那种“光环”，直抵创作的初期阶段——那种充满不确定性、摸索前行的状态。对我而言，这些“幕后花絮”比最终的作品更有说服力，它们揭示了艺术家在面对材料、概念和自我怀疑时的挣扎与突破。我尤其欣赏那些跨页展示的、近乎手写体的注释和标记，它们打破了作者与读者之间的传统距离，营造出一种亲密的、甚至略带冒犯性的直接交流感。它让我想起在古籍书店里翻阅那些泛黄的旧纸张时的那种敬畏与兴奋。

深入体会这本书所呈现的观念，我不得不承认它对“身份”与“记忆”主题的探讨极其深刻，但表达方式却异常克制和内敛。艺术家很少直接去呐喊或控诉，而是通过设置一系列象征性的“容器”——比如空椅子、被遗弃的家具、或是被反复涂改的平面——来间接触碰这些宏大议题。这种“缺席的在场”非常高明。你看着那些空旷的场景，脑海中浮现的却是那些曾经居住于此的人的剪影和他们的未竟之言。它迫使你成为一个主动的“填充者”，用你自己的经验去填补画面中的空白。不同于那些直白叙事的艺术作品，这里的每一件作品都像是一个谜语，答案不是唯一的，而是取决于你站在哪个角度去观察。这种开放性让我感到既受挫又兴奋，它奖励那些愿意投入时间去思考、去感受文化语境的读者，也让这本书的价值在反复重读中得以累积和深化。

这本关于当代艺术的选集，简直是一次视觉与哲思的狂欢。我印象最深的是其中对“空间”的解构与重塑。艺术家似乎不满足于传统意义上的画廊或博物馆的界限，而是将日常环境中那些被遗忘的、充满生活气息的角落，比如废弃的楼道、堆满杂物的阁楼，甚至是那些刻意制造出来的“微型世界”，作为其创作的核心载体。书中的摄影作品和装置艺术的图录，无不透露出一种对“在场感”的执着追求。你看着那些照片，仿佛能闻到空气中弥漫的尘土味和时间沉淀下来的潮湿气息。它挑战了我们对艺术作品“完美呈现”的期待，转而拥抱了残缺、临时性和一种近乎诗意的混乱。这种对非正式空间的迷恋，让人不禁反思，艺术的真正场域究竟在哪里？是不是我们每天走过、却从未真正“看见”的生活本身？我特别喜欢其中几组关于“房间”的系列作品，它们不是简单的室内描摹，更像是艺术家搭建的记忆剧场，每一个物件的摆放都充满了耐人寻味的暗示，引人深入挖掘其背后的叙事脉络。

阅读这本书的过程，像是一场与时间的慢速对话。它不像那些节奏飞快的艺术史著作那样急于下定论，而是提供了一系列细致入微的个案分析，让我们得以沉浸其中，慢慢品味创作者的意图与时代背景的交织。尤其让我着迷的是其中对“叙事碎片”的处理手法。艺术家似乎非常擅长从宏大的历史叙事中抽离出来，专注于那些被主流叙事所忽略的、个体的、近乎耳语般的小故事。这些故事往往被包裹在极其精心的符号系统里，需要读者投入极大的耐心去解码。我甚至觉得，这本书与其说是在展示艺术作品，不如说是在展示一种观察世界的方式——一种对“未完成性”的欣赏和对“潜台词”的捕捉。某些章节的文字组织非常具有实验性，句子结构不再是线性的，而是螺旋上升的，带着一种循环往复的、梦境般的逻辑。这迫使我必须放慢阅读速度，反复咀咏那些措辞，才能捕捉到其间微妙的情绪波动。