A Century of African American Art

出版者:Rutgers Univ Pr

作者:Amaki, Amalia K. 编

页数:288

出版时间:2004-11

价格:$ 67.80

装帧:HRD

isbn号码:9780813534565

具体描述

The Paul R. Jones Collection is one of the oldest, largest, and most comprehensive holdings of African American art in the world. Jones, who was named by Art and Antiques as one of the top one hundred collectors in the country, began buying paintings, prints, photographs, and sculpture four decades ago and has now amassed over fifteen hundred works, many of them by well-known artists. Among the sixty-six represented in A Century of African American Art are Romare Bearden, Elizabeth Catlett, Jacob Lawrence, Henry Osawa Tanner, James Van Der Zee, Carrie Mae Weems, and Hale Woodruff. Lavishly illustrated with over one hundred color photographs, this book provides an important resource for the study of the works included in the Jones collection, the artists who created them, as well as the social and historical contexts that engendered them. The volume brings together ten essays, which examine four issues in American art: portraiture and realism in relation to abstract expressionism, the implications of color, the role of narrative, and the concept of multiple originals. Each essay makes the intentional effort to de-race African American art--not to strip the work of its idiomatic cultural footing, but rather to situate it within the larger picture of the nation's history and cultural traditions. Reflecting the diversity of the collection itself, the contributors come from wide-ranging fields including American art, African American art, African art, art conservation, color theory, photography, and sociology. Together, the eclectic selections make a major contribution to recontextualizing African American scholarship in the broadest sense, while also providing important insights into theJones collection.

用户评价

这本书的封面设计真是引人注目，那种深沉的蓝色和烫金的字体搭配在一起，透着一股历史的厚重感，让人忍不住想立刻翻开一探究竟。我原本对艺术史的了解还停留在教科书上那些耳熟能详的西方大师那里，所以当我在书店偶然看到这本厚厚的精装本时，内心其实是带着一丝好奇和忐忑的。好奇的是，究竟“一个世纪”如何浓缩进这几百页的篇幅里，而忐忑的是，我担心内容会过于学术化，变成一本晦涩难懂的工具书。然而，开卷后的体验完全超出了我的预期。作者的叙事方式非常流畅，更像是在讲述一个家族的兴衰史，而不是简单地罗列作品和年代。他似乎有一种魔力，能将那些静态的画作、雕塑和摄影作品，赋予鲜活的生命力和时代的背景。比如，在描述二十世纪初期的那些作品时，那种压抑、挣扎却又不屈不挠的精神，简直能穿透纸张，直击人心。阅读的过程，与其说是学习知识，不如说是一次情感上的共鸣与洗礼。我尤其欣赏作者在处理不同艺术流派交替时的细腻笔触，那种从具象到抽象的转变，不再是生硬的断裂，而是顺理成1然的文化演进，充满了内在的逻辑和张力。这本书的排版和印刷质量也堪称一流，那些精美的图版色彩还原度极高，即便是小幅的作品，细节也清晰可见，这对于深度欣赏艺术作品来说，至关重要。读完第一部分，我已经迫不及待想知道，那些经历过民权运动洗礼的艺术家们，是如何用他们的画笔和雕塑，记录和反思那个风云激荡的年代。

如果让我用一个词来形容这本书的阅读体验，那就是“震撼”。这种震撼不是来自于视觉上的冲击（虽然图像质量很高），而是来自于认知上的刷新。它彻底颠覆了我过去对“美国艺术”的刻板印象。作者没有回避那些令人不安的历史真相，反而将艺术创作视为对社会结构、种族不平等以及希望的复杂回应。书中对于“抗议艺术”和“内省艺术”之间的张力处理得尤为精妙。抗议的声浪固然高亢激昂，但那些深入到日常生活肌理中，通过日常物品、家庭场景来探讨尊严与生存的内省作品，同样具有穿透人心的力量。这本书的文字有一种力量感，它不是在“赞美”或“记录”，而是在“论证”和“确立”——确立非裔美国艺术在世界艺术史中的核心和不可替代的地位。它强迫你正视那些长期被边缘化的声音和视角。我甚至觉得，这本书应该被列为所有艺术专业学生的必读书目，因为它提供了一个完美的案例，展示了如何将艺术史从单一的西方中心主义叙事中解放出来，纳入更广阔、更多元的文化视野。读完之后，我感觉自己看待艺术的眼睛都被“校准”了，更加注重艺术背后的社会语境和文化根源。这是一部具有里程碑意义的学术力作，它的价值将远远超越艺术史研究的范畴，触及社会文化研究的核心领域。

这本书的阅读体验，远超我预期的那种枯燥的艺术史书写。它的行文风格，带着一种近乎文学报道的敏锐和温度。作者似乎花了大量时间与这些艺术家和他们的后人进行深入的交谈，使得书中的人物形象丰满立体，不再是扁平的艺术史标签。我尤其欣赏作者对于“地域性”的强调。他没有将非裔美国艺术视为一个铁板一块的整体，而是细致地区分了南方、北方、西海岸，乃至全球背景下的艺术实践差异。例如，书中对“哈莱姆文艺复兴”时期那种集体性的、充满使命感的创作氛围的描摹，那种热烈而奔放的笔触，简直让人身临其境，仿佛能听到当时的爵士乐和诗歌朗诵声。随后，当叙事转到战后，那种个体创作的内省和观念的转变时，作者的语气也随之变得更加沉静和内敛。这种随着历史脉络而变换的叙事节奏，使得整本书读起来高低起伏，张弛有度，绝不拖沓。此外，书中对一些被艺术史长期忽略的女性艺术家的发掘和重估，也非常值得称赞。作者用强有力的证据和细致的文本分析，将她们应有的历史地位重新摆正，这本身就是一种对历史公正的呼唤。这本书的价值，不仅在于梳理了艺术脉络，更在于它在修复和完善艺术史的集体记忆方面所做的努力。

我对这本书的编排结构感到非常满意。它采取了一种近乎编年史的方式，但又不完全拘泥于时间顺序，而是以关键的社会事件和艺术运动作为节点来划分章节，这种处理方式极大地增强了逻辑性和可读性。书中对色彩、光线和构图的专业术语运用得恰到好处，既能满足专业人士的需求，又不会让非专业读者感到迷茫，因为作者总是会紧接着用通俗易懂的语言来解释这些技术特点是如何服务于艺术家的情感表达和时代主题的。比如，在分析立体主义对某些早期非裔雕塑的影响时，作者深入探讨了非洲传统雕塑与现代主义思潮的“意外交汇”，这种跨文化的对话被描绘得非常生动有趣。更令人称道的是，本书提供了大量的附录资料，包括重要的艺术宣言摘录、艺术家口述历史片段，甚至还有一些重要的展览目录信息，这对于希望进一步进行学术研究的读者来说，简直是无价之宝。我感觉这本书的作者不仅仅是一位艺术史学家，更像是一位资深的“策展人”，他精心挑选了最重要的展品，设计了最佳的观赏路径，引导我们一步步深入理解这一个世纪的艺术景观。每一次翻阅，都像是在进行一次高质量的、有深度的私人导览。

读完这本书，我最大的感受是，它成功地构建了一个宏大而又精致的叙事框架，将一个世纪以来非裔美国艺术家的创作历程，置于美国社会变迁的宏大历史背景之下进行审视。这本书的学术严谨性毋庸置疑，大量的原始资料引用和深入的艺术理论分析，让它不仅仅停留在“介绍”层面，而是上升到了“深度剖析”的高度。我特别留意了作者对“身份认同”这一核心议题的处理。这种身份的探索，是贯穿始终的一条主线，它随着时代的发展，从早期的自我确认、到中期的激进表达，再到后期的多元融合，呈现出极其丰富的层次感。作者并没有采用简单的“英雄史观”，而是坦诚地展示了艺术家们在主流艺术界边缘挣扎的现实困境，以及他们如何在这种张力中孕育出独树一帜的美学体系。书中对某些标志性作品的解读，角度非常新颖，比如他对某位雕塑家在材料选择上的偏执，作者将其解读为对传统西方雕塑材料（大理石、青铜）的一种文化反叛和本土化尝试，这让我对这件作品有了全新的理解。对于那些对艺术史有一定基础的读者来说，这本书无疑提供了一个极佳的、聚焦于特定群体视角的深度研究文本。它要求读者不仅要看“画了什么”，更要思考“为什么这样画”，以及“在那个时刻，这种画法意味着什么”。总而言之，这是一本需要慢读、细品的著作，每一次重读，都会有新的感悟涌现出来。