Great Singers on Great Singing

出版者:Hal Leonard Corp

作者:Hines, Jerome 编

页数:150

出版时间:2004-7

价格:$ 21.46

装帧:Pap

isbn号码:9780879100254

具体描述

Jerome Hines has interviewed 40 singers, a speech therapist, and a throat specialist to provide this invaluable collection of advice for all singers. This collection includes the commentary of Licia Albanese, Franco Corelli, Placido Domingo, Nicolai Gedda, Marilyn Horne, Sherrill Milnes, Birgit Nilsson, Luciano Pavarotti, Rose Ponselle, Beverly Sills, Joan Sutherland and many others. "Probably the best book on the subject." Publishers Weekly

用户评价

这本书的结构组织，简直是一场精心编排的音乐会序曲、快板与慢板的交织。它没有采用传统的传记式或时间顺序的叙事。相反，它似乎是围绕几个核心的“声音特质”来组织章节的，比如“穿透力”、“色彩变化”和“情绪的持久性”。这种非线性的结构，迫使读者在不同的时间点，回溯和连接之前读到的内容，形成一种立体的认知网络。我尤其欣赏作者在讨论某位女低音的“黑暗音色”时，所引用的文学作品中的意象。他将这种声音比作深海的某种矿物质，既沉重又珍贵，充满了无法言喻的神秘感。这种跨学科的联想，让原本枯燥的声音分析变得充满了诗意。这本书不是写给声乐专业的学生的，它更像是写给所有对“人类表达的极致”抱有好奇心的思考者。它没有给出任何可以简单复制的练习，它给出的是一种看待声音、看待艺术的全新视角。读完后，我感觉自己的耳朵被“重新校准”了，对任何一场现场表演，都会多一份审视和期待，去寻找那些隐藏在旋律背后的、关于伟大与坚持的故事。

坦白说，我对音乐史的了解仅停留在皮毛，所以我一开始担心这本书会因为过于专业而让我望而却步。但这本书最令人惊喜的地方在于，它构建了一个非常平易近人的“情感入口”。作者从不吝啬于描述演唱者在舞台上那一瞬间的情绪崩溃或狂喜——那是技术达到极致后，灵魂喷薄而出的瞬间。有一段描述，关于一位男中音在演唱《弄臣》中“女人善变时”，声音如何从戏谑的轻佻，迅速转变为对命运的深刻悲悯，整个段落读下来，我几乎能听见那声音的质感在文字间流动。书中对于“共鸣”的讨论也极其富有创意，它没有停留在声学原理上，而是将其比喻为“情感在空间中的扩散力”。作者甚至构建了一个理论模型，将听众的身体反应与歌手的呼吸同步联系起来。这本书的价值，不在于它告诉你“如何唱得好”，而在于它让你深刻理解了“为什么好的歌声能打动人”。它成功地将一位艺术家严苛的训练，转化为了一种超越技术的、近乎哲学的体验。我甚至开始对那些我原本不熟悉的歌剧角色产生了强烈的兴趣，想要去寻找那些被文字所描绘的“神级演绎”。

读完前三分之一，我发现这本书的叙事节奏有一种奇特的、近乎催眠的力量。它不是那种强行灌输知识的教材，而是更像一位经验丰富的老教授，坐在你对面，手里端着一杯浓郁的咖啡，开始娓娓道来。他谈及的那些“伟大歌唱家”，并非只是教科书上那些名字，而是被赋予了鲜活的个性：有的是天生的天才，对呼吸控制有着近乎本能的理解；有的则是后天刻苦的“建筑师”，将自己的嗓音雕琢成精密的乐器。书中有一章专门讨论了录音技术对演唱美学的影响，这一点非常深刻。作者质疑道，那些在二十世纪中期录制下来的“完美”声音，是否真的代表了现场表演的精髓？他引用了大量对比材料，试图还原在没有电子修饰的年代，声场如何塑造歌手的动态范围和情感表达。特别是对那些早期78转唱片声音的细致分析，简直是“听觉考古学”。文字的编排上，作者非常擅长使用长句和复杂的从句结构，这使得阅读过程本身就带有一种古典音乐的庄重感和韵律美。你需要放慢速度，去咀嚼每一个措辞，才能完全领会其中蕴含的微妙对比和深刻见解。这绝不是为速食文化准备的读物，它要求读者给予充分的尊重和专注。

这部《歌者之歌》……哦，不对，我得换个名字了，毕竟我手里拿的这本书的封面设计极其朴素，几乎没有任何指向性，就像是上世纪八十年代某个大学内部出版的讲义汇编。当我第一次翻开它的时候，我的期望值基本降到了冰点。我以为这会是一本干巴巴的声乐技术手册，充满了拗口的意大利语术语和各种声带振动图解。然而，出乎意料的是，这本书的开篇竟然是一段对歌剧黄金时代幕后故事的精彩叙述。作者似乎是个潜伏在各个歌剧院后台几十年的老线人，他用一种近乎八卦的口吻，描绘了特里奥夫（请原谅我记不清那个名字了）如何因为在排练中与指挥争吵而愤然离席，最终却在第二天以一个惊人的高音征服了全场观众的细节。那种紧张感、那种舞台上的魔力，被文字捕捉得活灵活现。书中对不同流派演唱风格的对比分析也颇具洞察力，比如对美声学派如何在不同国家地区逐渐演变出细微差异的剖析，简直像是在进行一场跨越世纪的田野调查。特别是关于十九世纪末期，女高音们如何在“高音c”的竞争中，暗地里互相较劲，甚至传闻中使用的那些“秘密的练习方法”，读起来让人津津有味，完全不像在读一本严肃的音乐理论著作，更像是在偷听一场顶级艺术家的私密对话。它成功地将冰冷的音乐科学包裹在充满人情味和戏剧张力的故事外衣下，让人放不下手。

我注意到这本书的排版设计似乎是特意模仿了某种学术期刊的风格，四周留白较大，页边距很宽，这给阅读带来了一种清冷、近乎博物馆展品的观感。这种“去装饰化”的处理，反而突出了文字内容的密度。最让我印象深刻的是，书中对“沉默”在演唱中的作用进行了长篇论述。我们通常关注歌唱家如何运用声音，但这本书却深入探讨了他们如何驾驭舞台上的寂静。作者分析了不同作曲家在关键情节安排的停顿，以及歌手如何利用这些短暂的空白来增强下一句歌词的爆发力。这部分的分析极其精微，需要反复阅读才能捕捉到其中的层次感。例如，他对某位男高音在咏叹调结尾处那个“被刻意延长了的呼吸”的描述，细致到让人感觉自己就是那个坐在包厢里，屏住呼吸等待的观众。这种对细节的执着，体现了作者对演唱艺术的近乎偏执的尊重。它挑战了流行的“高亢即是力量”的观点，提倡一种更内敛、更有控制力的艺术表达。读完这部分，你对现场音乐会的理解都会被彻底重塑。

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