Speaking of Dance

出版者:Routledge

作者:Morgenroth, Joyce

页数:240

出版时间:2004-10

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780415967990

具体描述

Speaking of Dance: Twelve Contemporary Choreographers on Their Craft delves into the choreographic processes of some of America's most engaging and revolutionary dancemakers. Based on personal interviews, the book's narratives reveal the methods and quests of, among others, Merce Cunningham, Meredith Monk, Bill T. Jones, Trisha Brown, and Mark Morris. Morgenroth shows how the ideas, craft, and passion that go into their work have led these choreographers to disrupt known forms and expectations. The history of dance in the making is revealed through the stories of these intelligent, articulate, and witty dance masters.

用户评价

老实说，我一开始是被这本书那充满诗意的标题吸引的，但真正让我沉浸进去的，是它对“瞬间”的捕捉能力。作者似乎拥有一种魔力，能够将那些稍纵即逝的舞台光影、舞者肌肉的微小颤动，凝固成永恒的文字。它不是一本技术手册，而是更像一本哲学随笔，只不过它的载体是人体运动。我尤其赞叹的是他对节奏和空间感的文字转化。通常，这些是极难用语言描述的元素，但在这本书里，你几乎能“听”到音乐的缺失，也能“看”到舞台被舞者分割成无数个动态几何图形的过程。其中有一章专门讨论了“沉默的对话”，即舞者之间无需言语的眼神交流和肢体回应，那种默契和张力被描绘得如此到位，让我回想起自己过去观看现场表演时的震撼体验。这本书的结构松散却又暗含逻辑，它不强求你线性阅读，你可以随意翻到任何一页，都会发现一个自成一体的精彩世界。对于那些厌倦了学术腔调的读者来说，这本书简直是一股清新的文艺气息，它让严肃的艺术研究变得如此悦耳和易于亲近。

我必须得说，这本书在细节描述的精细度上达到了一个令人发指的水平。它不是泛泛而谈“舞者的努力”，而是深入到脚尖承受的压力、汗水滴落的轨迹，甚至是排练室里那股特有的木地板和松香混合的气味。这种极致的感官描写，让读者仿佛也被拉进了那个高压的创作环境之中。特别是关于服装和道具对身体限制与解放的讨论，作者提出了一个非常有趣的观点：有时候，那些看似束缚的元素，恰恰是激发身体做出非凡反应的催化剂。这本书的叙事线索非常丰富，它不像一条笔直的河流，更像是一张巨大的网，将舞蹈史、社会学、心理学以及个人传记巧妙地编织在一起。我花了很长时间才消化完其中关于“集体无意识在舞台上的体现”的那一节，因为它涉及的概念非常宏大，但作者的处理方式却异常清晰有力，没有丝毫的拖泥带水。对于希望了解舞蹈艺术幕后复杂性的读者来说，这本书提供的视角是独一无二且极具价值的。

这本书最打动我的地方，是它毫不掩饰地展示了艺术家的脆弱性。它没有回避那些光环背后的挣扎、怀疑和自我否定。作者似乎非常擅长与那些被访者建立深度的信任关系，使得那些通常不会公开的内心独白得以呈现。我尤其喜欢它对“即兴”的探讨，作者将即兴视为一种高度结构化的自由，而非无序的放纵。他通过几个鲜活的案例，剖析了顶尖舞者如何在瞬间做出复杂决策的过程，这不仅仅是身体的反应，更是思维和情感的爆发。阅读这本书的过程，就像是进行了一次深入的“共情之旅”，我不仅理解了那些动作的意义，更理解了做出这些动作的人的心情和动机。书本的结尾处理得非常高明，它没有给出任何盖棺定论的结论，而是留下了一个开放性的、邀请读者继续思考的空间，让人在合书后依然能感受到思维的余温，久久不能忘怀。

这本书真是让人爱不释手，我得承认，我本以为这会是一本相对枯燥的理论分析集，结果却完全出乎我的意料。作者的叙事方式极其细腻，仿佛手中拿着的是一幅精美的丝绸画卷，轻轻展开，每一个细节都栩栩如生。我尤其欣赏他对不同流派舞蹈家内心世界的挖掘，那些关于创作瓶颈、舞台焦虑和终于找到自我表达的瞬间，简直是直击灵魂。书中穿插的那些历史轶事，不是那种冷冰冰的年代记录，而是充满了人情味，让你能真切感受到舞蹈艺术是如何在时代的洪流中挣扎、演变，最终找到自己独特的声调。比如，他描述某位现代舞先驱在战后废墟中寻找新动作语言的片段，那种绝望中的创造力，读起来让人热血沸腾。这本书的排版也做得非常出色，留白恰到好处，让读者的思绪有喘息的空间，去消化那些深邃的见解。它不仅仅是在谈论“如何跳舞”，更是在探讨“如何生活，如何感受世界”。读完合上书本，感觉自己对“身体是如何思考”这个问题有了全新的认识。这绝对是一部能让人重新审视自己与身体关系的杰作，强烈推荐给所有对艺术创作过程有好奇心的人。

这本书的论述角度非常新颖，它没有陷入那种高高在上的评论姿态，反而是把自己放在了一个非常谦卑的学习者的位置上。我读到它对不同文化背景下的身体规范的探讨时，深感震撼。作者没有简单地将西方古典美学作为唯一的标尺，而是花了大量的篇幅去解析亚洲传统表演艺术中对“气韵”和“内在张力”的追求。这种跨文化的比较分析，极大地拓宽了我的视野。它让我意识到，我们习以为常的“美”，其实只是一个不断被重塑的概念。而且，作者在引用其他艺术家的观点时，非常巧妙，引用不是为了炫耀学识，而是为了更好地支撑自己的论点，就像是在一场精彩的辩论赛中，引用了最有力的旁证。书中的语言风格在不同章节间变化显著，有时是精准的分析报告风格，有时又切换成充满激情的散文诗，这种多变的文体构造，极大地增强了阅读的趣味性和不可预测性，每次翻页都像是在进行一次全新的探索。