历代名家书法经典字谱

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出版者:黑龙江美术
作者:李放呜
出品人:
页数:92
译者:
出版时间:2008-1
价格:15.00元
装帧:
isbn号码:9787531819387
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《历代名家书法经典字谱:张猛龙碑》内容:书法是中华民族传统文化艺术宝库中一朵绚丽的奇葩,它有着三千余年的悠久历史和优良传统。鲁迅先生曾讲:“视文字为美观是华夏之独特”,而今这门独特的艺术已不仅为国人所喜爱,而且远播重洋,驰誉国外,在世界艺术之林中独领风骚,放射出奇异夺目的光彩。 《历代名家书法经典字谱》系列丛书采取全新的版式,全面的剖析,全方位多视角地展示历代书法名家传承至今的经典字帖。其中每个分册选一位书法家的代表作,分人物简介、书法特点、用笔技巧、基本笔画、偏旁部首、结构布势、集字临创、原帖再现等章节进行介绍,每个字均有运笔图解和技法精解,可谓图文并茂,详略得宜,深入浅出,循序渐进,具有较强的理论性和可操作性,既适用于初学者自修,也适合用于书法培训的教材。 《历代名家书法经典字谱:张猛龙碑》为该系列丛书之一。

《中国古代绘画通史》 第一卷:萌芽与奠基(史前至秦汉) 本书旨在系统梳理中国绘画艺术自史前萌芽至秦汉时期的演变脉络,深入剖析不同历史阶段的绘画特征、美学思想及其社会文化背景。 绪论: 探讨“绘画”概念在古代中国的初始形态,界定研究范围与方法论,强调早期艺术形态与后世文人画传统的内在关联。 第一章:远古的图腾与象征——史前绘画(距今约一万年—公元前21世纪) 本章聚焦新石器时代岩画、陶器纹饰的艺术价值与文化意蕴。重点分析彩陶纹饰的抽象几何美学,以及岩画所反映的原始宗教信仰、渔猎生活场景。例如,马家窑文化的旋涡纹与半坡几何纹,如何预示了后世线条的力度与韵律。 第二章:青铜时代的礼制与装饰——夏商周绘画的侧影(约公元前21世纪—公元前256年) 商周时期,绘画艺术更多地依附于礼器、建筑构件。本章研究青铜器上的神兽纹饰、蟠螭纹的造型语言,解析其“狞厉”美学背后的等级秩序。同时,探讨漆器绘画的初步发展,如宴乐、狩猎场景的刻画,这些早期叙事性绘画的构图方式。 第三章:百家争鸣中的图像表达——战国秦代绘画的转型(公元前475年—公元前206年) 战国时期,社会变革催生了更具世俗性和写实性的图像需求。本章详细考察帛画的突破性成就,特别是《人物御龙图》、《素纱褌赋图》等,分析其用线、设色技巧,以及早期对人体动态的把握。秦代画像石和画像砖上的宴饮、出行题材,则展现了帝国初建时的雄浑气象。 第四章:恢弘气象与神灵世界——汉代绘画的鼎盛(公元前202年—公元220年) 汉代是古代绘画史上一个极为重要的转折点。本卷用大篇幅分析墓室壁画的成就,涵盖韩井墓、马王堆三号墓等重要遗址。重点剖析墓室壁画中的“仙境图”、“升天图”,揭示道家思想如何渗透到视觉艺术中,以及画像砖上对现实生活场景(如农耕、百戏)的白描式记录。讨论汉画像石的“减地平雕”技法与平面化布局对后世绘画构图的影响。 结论: 总结史前至汉代绘画从象征符号向叙事图像的演变,确立线条在中国造型艺术中的核心地位。 第二卷:气韵生动与士人风骨(魏晋南北朝至唐代) 本卷聚焦魏晋南北朝的思辨精神与唐代绘画的博大精深,探讨“气韵生动”理念的诞生及其对艺术本体论的奠基作用。 第五章:玄学清谈与个体精神的觉醒(魏晋南北朝:公元220年—589年) 探讨玄学思潮对绘画观念的冲击。本章分析顾恺之“以形写神”的理论实践,通过研究其存世作品(如《洛神赋图》摹本),解析其如何将哲学思辨转化为线条的内在精神力量。同时,关注南北朝时期佛教造像艺术的兴盛,敦煌壁画的早期风格,以及南朝画家对人物衣纹表现的细腻化探索。 第六章:盛唐气象与宫廷艺术的巅峰(公元618年—755年) 唐代是中国古代绘画的黄金时期,艺术风格雄健富丽。本章集中探讨宫廷画院的制度与规范,特别是吴道子“吴带当风”的线条革命,如何使人物造型摆脱早期僵硬感,获得动态美。分析周昉、张萱对“丰肥”审美趣味的塑造,以及他们在仕女画中的色彩运用。此外,系统梳理唐代山水画的滥觞,如李思训的青绿山水,确立了其装饰性与宏伟性。 第七章:中晚唐的多元发展与风格转变(公元755年—907年) 安史之乱后,绘画重心开始向文人阶层转移。本章研究以王维为代表的“水墨画”的初步形成,探讨其“诗中有画,画中有诗”的理念如何突破工笔设色的窠臼,确立水墨写意的美学基础。同时,分析晚唐对生活细节的关注,以及壁画领域在继承前代传统基础上的地域性发展。 结论: 梳理魏晋至唐代绘画从重宗教转向重人文精神的过程,确立了人物画和早期山水画的成熟范式。 第三卷:技法成熟与格局确立(五代两宋) 本卷是研究中国古典绘画技术与理论体系的奠基阶段,重点分析院体画的精湛技艺和文人画的异军突起。 第八章:五代十国的艺术群像(公元907年—960年) 本章概述五代时期,由于政治分裂,艺术中心转移带来的地域性风格差异。重点分析后梁朱瓌、后唐卫贤在山水画和人物画上的承上启下作用,以及南方诸国在湿润气候下对水墨表现力的探索。 第九章:北宋院体与写实主义的辉煌(公元960年—1127年) 宋徽宗时期,翰林图画院的专业化达到顶峰。本章详述院体画的严谨程式,包括“格物致知”的创作原则。深入解析范宽的《溪山行旅图》所体现的北方山水的雄伟格局,李成的“寒林如蟹爪”等独特笔墨技法。对张择端的《清明上河图》进行细致的社会风俗与构图艺术分析。 第十章:南宋的意境转换与“院体”的延续(公元1127年—1279年) 偏安江南后,绘画风格趋于内敛与写意。本章探讨马远、夏圭的“边角式”构图,及其如何将“一角”、“半边”融入水墨之中,以表达南宋士人的哀愁与哲思。重点阐述南宋对“意境”的强调,超越对客观物象的纯粹描摹。 第十一章:文人画的崛起与理论的完善(两宋交替) 本章分析苏轼、米芾等文人大家对绘画的理论建构,他们如何批判院体的“画家匠气”,提倡“不着颜色”、“平淡天真”。重点剖析米芾“米点皴”的开创性,标志着水墨写意手法在山水画中占据主导地位。 结论: 总结宋代绘画在技法(皴、擦、点、染)上的精进,以及院体艺术与文人艺术两条主线的并驾齐驱。 第四卷:笔墨的独立与意境的深化(元、明、清) 本卷关注笔墨语言的自觉化,探讨元代“复古”思潮下文人画的最终确立,以及明清时期绘画流派的纷呈。 第十二章:元代的遗民情怀与文人画的统治(公元1271年—1368年) 元代是文人画彻底独立于宫廷院体的时代。本章集中探讨“元四家”(黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙)的艺术主张及其风格差异。重点解析倪瓒“萧疏简淡”的审美观,以及他们如何将书法笔法全面融入山水画,实现“以书为画”。同时,分析赵孟頫对“复古”的提倡及其对魏晋风度的追慕。 第十三章:明代的学院派与文人画的融合(公元1368年—1644年) 明初的“戴文进风格”代表了院体的最后一次辉煌。本章深入研究“吴门画派”的成就,以沈周、文徵明为代表,探讨他们如何在继承元代笔墨的基础上,融入宋代院体的精致,形成雅致的江南文人画风貌。讨论唐寅、仇英在人物画和界画上的创新。 第十四章:晚明画坛的革新与个性解放(十六世纪后期) 晚明时期,个性解放思潮影响深远。本章分析以董其昌为代表的“松江画派”,他提出的“南北宗论”对后世中国画史产生了巨大影响。探讨陈继儒、项圣谟等人的艺术转向,以及对“平淡天真”的进一步解读。 第十五章:清代的继承与对立(公元1644年—1911年) 清代绘画呈现出“摹古”与“创新”的复杂局面。重点分析“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁)对元明笔墨传统的集大成,以及他们如何以“熟”取胜,构建了僵化的摹古体系。同时,对比“四僧”(石涛、八大山人)的叛逆精神,分析石涛的“我自用我法”如何突破传统藩篱,展现出强烈的个性化笔墨语言。 结论: 总结历代名家在笔墨技法、审美取向上的迭代演变,为中国画艺术在近现代的转型奠定理论基础。 附录 中国古代绘画术语词汇表 重要画家生平年表 重要绘画作品索引(不含字谱相关内容)

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这本书的装帧实在让人眼前一亮,封面采用了烫金工艺,字体大气磅礴,拿在手里沉甸甸的,很有分量感。内页纸张的选择也十分考究,米白色的纹理纸,既保护了视力,又让墨迹的细节得到了很好的展现。我特地对比了几本市面上常见的字帖,这本书的印刷精度明显要高出一筹,那些细微的笔锋转折、干湿浓淡的变化,都忠实地还原了原作的风貌。尤其是对那些古代碑帖中常见的“飞白”和“枯笔”的处理,几乎可以感受到拓片时代的质感。装订方面,平摊效果极佳,无论是临摹还是欣赏,都不需要费力去按压书页,非常人性化。这不仅是一本学习资料,更像是一件值得珍藏的艺术品。对于真正热爱书法、追求高品质印刷效果的同好来说,这本书的硬件条件绝对是顶级的享受。它让我对传统文化的敬畏之心油然而生,每一次翻阅都仿佛与古人进行了一场无声的对话。

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我接触书法已经有十多年的光景,也收藏了不少历代名家的字帖,但坦白说,真正能系统梳理并提供详尽解说的版本并不多见。这本书的独特之处在于其编排的逻辑性和深入的学术性。它不仅仅是简单地罗列范例,而是将不同时期的风格演变、地域特色、甚至书家个人的心性对书写的影响都做了梳理。比如,书中对魏晋风度的阐释,没有停留在空泛的赞美,而是通过对特定字体的结构调整和笔势的分析,清晰地展示了何为“自然天成”。对于我们这些临习者而言,这种层层递进的讲解,远比单纯的“照猫画虎”要有效得多。它教会了我“看”书法,而不是仅仅“写”书法。这种知识的密度和深度,绝对是普通入门字帖望尘莫及的,是进阶学习者案头必备的工具书。

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说实话,我买这本书之前其实有点犹豫,毕竟市面上的“经典”太多,真正能打动人的不多。但当我打开它,看到那些精选的作品时,那种震撼是难以言喻的。选材的眼光极为独到,它没有一味追逐那些烂熟于心的“爆款”,而是穿插了许多被低估但艺术价值极高的碑刻和墨迹。每一页的留白处理得恰到好处,既保证了主体内容的清晰可辨,又营造出一种古朴的韵味。我尤其喜欢它对“意境”的捕捉,比如某几页宋代大家的作品,透过影印件,依然能感受到那种萧散、冲和的气度,让人心神为之一静。它更像是一本艺术鉴赏的画册,而非单纯的教材。对于那些渴望从书法中汲取精神力量,寻求心灵慰藉的读者来说,这本书的艺术感染力是毋庸置疑的,它提供的精神滋养价值无可替代。

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我最近刚开始尝试研究篆书的结构,一直苦于找不到一本能够清晰解析篆隶转折和笔画起收的资料。这本书在处理非楷体部分时,展现出了惊人的细致度。它不仅仅提供了字样,更在关键的笔画过渡处,做了非常细微的图解式标注,这对于初学者理解古文字的“法度”至关重要。以往我总觉得篆隶难以把握其方圆开合的韵律,但通过这本书的示范,我开始体会到那种“屈伸”与“呼应”的美感。这种对细节的极致关注,体现了编纂者极高的专业素养和对传统技法的尊重。它把原本可能晦涩难懂的古文字学习过程,变得更加直观和可操作化。如果你正处于从楷书向篆隶过渡的瓶颈期,这本书提供的这种“结构透视”的帮助,是任何普通字帖都无法比拟的,它真正做到了化繁为简,深入本质。

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作为一名教师,我经常需要为学生挑选合适的学习范本。这本书的系统性和权威性,使得它成为了我教学的首选参考资料。我欣赏它在内容组织上的宏大视野,它跨越了朝代更迭,清晰地展示了书法艺术“一脉相承”又“不断创新”的发展脉络。特别是它在对不同书体——篆、隶、草、行、楷——的收录上,做到了既有广度又有深度,确保了学生能够建立一个全面而扎实的审美基础。更重要的是,这本书在版权和来源的标注上非常严谨,体现了高度的学术诚信。这对于引导学生建立正确的治学态度至关重要。面对如此高质量的范本,学生学习起来也更有方向感,知道自己正在追随的是怎样一条伟大而清晰的艺术路径。这本书的价值,已经超越了个人学习的范畴,它是一套兼具教育意义和收藏价值的文化工程。

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