陆俨少山水画刍议(精)/书画巨匠艺库

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出版者:上海人美
作者:陆亨
出品人:
页数:228
译者:
出版时间:2018-01-01
价格:280.0
装帧:
isbn号码:9787558606168
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《笔墨乾坤:中国山水画的传承与革新》 中国山水画,以其独特的东方哲学意蕴和精湛的笔墨技巧,承载着中华民族深厚的文化底蕴,历经数千年而不衰。从魏晋的玄远隐逸,到唐宋的巍峨壮丽,再到元明清的文人情怀,山水画在不同的历史时期,以其多样的面貌,映照着时代精神和文人理想。本书《笔墨乾坤:中国山水画的传承与革新》并非聚焦于某一位艺术家的个人创作实践,而是试图站在一个更宏观的视角,梳理中国山水画的发展脉络,探讨其内在的演变逻辑,并审视其在当代语境下的传承与革新之道。 第一章:溯源而上——山水画的萌芽与确立 中国山水画的滥觞,可以追溯至史前时期的岩画和古代的青铜器纹饰,其中已隐约可见对自然景物的描摹与符号化的提炼。到了魏晋南北朝时期,随着道家思想的兴起和士人阶层的形成,“可行、可望、可游、可居”的山水理想逐渐成为艺术创作的精神内核。此时,顾恺之、宗炳等人的山水画论,标志着山水画作为独立的画科开始确立其理论基础。“山水之乐,得之心而寓之于画”,山水画不再仅仅是客观景物的再现,更是艺术家内在精神的寄托和生命体验的表达。这一时期,山水画的笔墨语言尚在探索之中,线条的勾勒和色彩的晕染,勾勒出初步的山水意境,为后来的发展奠定了基础。 第二章:气象万千——唐宋山水画的辉煌 唐代是中国山水画走向成熟并达到第一个高峰的时期。李思训的“金碧山水”,以其富丽的色彩和精谨的勾勒,描绘出雄浑壮丽的宫殿楼阁与山峦叠嶂,展现了盛唐的雄心与气魄。而王维的“水墨山水”,则以其诗意的笔墨和淡雅的意境,将山水画引入了更为写意和抒情的轨道。“诗中有画,画中有诗”的美学追求,使得山水画的情感表达更加丰富。 宋代,山水画迎来了其发展的鼎盛时期,并形成了更为成熟的艺术体系。以范宽、李唐、郭熙为代表的北方山水画派,以其雄浑苍茫、笔力遒劲的特点,描绘出北方山峦的雄伟壮丽,如范宽《溪山行旅图》的“势”之磅礴,郭熙《早春图》的“林泉之乐”的营造,都将山水画的表现力推向极致。而以马远、夏圭为代表的南方山水画派,则以其清旷秀丽、笔致简练的风格,展现了江南水乡的灵动与雅致,如马远“一角”的构图,以及其山水画中流露出的文人闲适情趣。这一时期,山水画的笔墨技法日臻完善,皴法、点法、苔法等多种表现手法层出不穷,使得山水画的物质性和精神性得到了高度的统一。山水画的审美价值也得到了极大的提升,成为文人雅士寄情山水、修身养性的重要途径。 第三章:意境深远——元明清山水画的文人化 元代,随着民族矛盾的激化和文人政治地位的下降,山水画的文人化趋势进一步加强。黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙等“元四家”,以其独特的笔墨语言和个性化的表达,将山水画推向了写意的高度。“逸笔草草,聊写胸中逸气”,他们更加注重表现主观情感和个人精神,山水画成为了文人抒发情怀、寄托理想的载体。他们的作品,或苍劲郁勃,或疏淡幽远,都充满了诗意的哲思。 明清时期,山水画的文人化发展延续并深化。沈周、文徵明、董其昌等吴门画派的代表人物,继承了元代文人画的传统,并在笔墨和构图上进行了新的探索。董其昌的“南北宗论”,对中国山水画的发展产生了深远的影响,他强调“读万卷书,行万里路”,将学养与实践相结合,推崇“以书入画”的笔墨理念,提倡“墨气”和“笔力”的结合。清代的“扬州八怪”等,则在继承传统的基础上,注入了更为自由和个性的创作精神,他们的山水画,或奇崛,或野逸,展现了不同于主流的艺术风貌。这一时期,山水画的笔墨语言更加丰富多样,对笔墨的运用达到了出神入化的境地,水墨的晕染、飞白的运用,都为山水画注入了生命力。 第四章:东西相遇——近代山水画的转型与碰撞 进入近代,随着西方文化的涌入和中国社会的剧烈变革,中国山水画面临着前所未有的挑战与机遇。一部分画家开始借鉴西方写实主义的素描关系和色彩理论,试图将西画的科学性融入中国画的创作中,例如徐悲鸿、刘海粟等。他们主张“中西绘画,可以互相取长”,对传统山水画的写意精神和笔墨语言进行了改革。另一部分画家则坚守传统,并在传统的基础上进行创新,例如齐白石、黄宾虹等。黄宾虹以其“黑、密、厚、重”的山水画风格,将传统山水画的笔墨韵味推向了一个新的高度,他注重对自然山水的体悟和对笔墨的深入研究,创造出独具特色的“生活之山水”。 这一时期的山水画,在技法、构图、题材等方面都发生了深刻的变化。一方面,对造型的准确性和色彩的丰富性有了新的追求;另一方面,对笔墨的写意精神和精神内涵的挖掘也从未停歇。这种转型期的碰撞与融合,为中国山水画注入了新的活力,也为后来的发展留下了丰富的可能性。 第五章:融古铸今——当代山水画的探索与前瞻 进入当代,中国山水画的发展呈现出更加多元和复杂的态势。在全球化和市场经济的影响下,山水画的创作既面临着新的机遇,也承受着新的压力。在继承传统的基础上,当代山水画画家们正在进行着多方面的探索。 笔墨的当代性: 如何在传承经典笔墨的同时,赋予其新的时代精神和视觉语言,是当代山水画面临的重要课题。一些画家在保留传统笔墨韵味的同时,大胆地运用现代色彩、肌理和构图,试图在传统与现代之间找到平衡点。例如,一些作品借鉴了抽象表现主义的笔触,或者融入了现代几何的构成,使得画面既有中国山水画的写意精神,又具有强烈的当代感。 观念的革新: 当代山水画不再仅仅是对自然景物的描摹,而更多地指向艺术家对社会现实、人生哲学、生态环境等问题的思考。山水画成为了艺术家表达观念、抒发情怀的载体。一些作品以抽象或象征的手法,表达对城市化进程、人与自然关系的思考,甚至对社会问题的批判。 媒介的拓展: 除了传统的宣纸、水墨、色彩等媒介,一些当代山水画家开始尝试运用新的材料和技术,例如,将拼贴、摄影、装置等元素融入山水画创作,打破了传统山水画的边界,带来了全新的视觉体验。 地域与文化的多样性: 随着社会的发展和交通的便利,中国山水画的地域风格日益融合,但同时,不同地域的文化积淀和艺术家个人的成长经历,仍然为山水画注入了独特的个性和地域特色。 理论的重塑: 面对新的创作实践,传统的山水画理论也面临着重新审视和构建。如何评价当代山水画的价值,如何界定其在艺术史上的位置,需要新的理论视角和评价体系。 《笔墨乾坤:中国山水画的传承与革新》一书,正是希望通过对山水画发展历史的回顾,对不同时期艺术特征的梳理,对当代山水画创作的观察与思考,来呈现中国山水画在漫长历史长河中的生命力与创造力。它不是一本简单的图录,也不是一部孤立的个案研究,而是试图勾勒出一条贯穿古今的艺术脉络,探讨山水画如何从古典走向现代,又如何在现代语境下焕发新的生机。我们相信,中国山水画在未来的发展中,必将继续在传承与革新的道路上,不断丰富其笔墨的乾坤,展现其无穷的魅力。

作者简介

陆俨少(1909-1993年),现代画家。又名砥,字宛若,上海嘉定县南翔镇人。1926年考入无锡美术专科学校,1927年考入无锡美专学习,同年从王同愈学习诗文、书法;次年师从冯超然学画,并结识吴湖帆,遍游南北胜地。1956年任上海中国画院画师。1962年起兼课于浙江美术学院,1980年在该院正式执教,并任浙江画院院长。擅画山水,尤善于发挥用笔效能,以笔尖、笔肚、笔根等的不同运用来表现自然山川的不同变化。线条疏秀流畅,刚柔相济。云水为其绝诣,有雄秀跌宕之概。勾云勾水,烟波浩淼,云蒸雾霭,变化无穷,并创大块留白、墨块之法。兼作人物、花卉,书法亦独创一格。 陆俨少1927年拜冯超然为师,并与吴湖帆相识,在两位先生处,看到不少历代名家真迹。抗日战争期间,陆俨少流寓内地,1946年回归故乡。在此之前,陆俨少的作品大部分是对古代传统的消化和吸收。返乡途径三峡的经历,引发了他的创新意识,开始将以前局部改造传统转换为有意识地建立个人风格。 1956年,任上海中国画院画师。1961年至1966年,赴浙江美术学院兼职山水画教席;在此期间,其绘画个性得以发展,最终在晚年形成了自己独特的风格。

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮,那种古朴又不失典雅的气质,仿佛在触摸历史的纹理。初翻开扉页,我就被那种细腻的纸张质感所吸引,拿在手里沉甸甸的,能感受到编者对这本书的用心。尤其是封面那幅引人入胜的画作摹本,色彩的过渡和线条的韵味都处理得极为讲究,让人在尚未深入阅读前,就已经对书中所蕴含的艺术价值产生了强烈的期待。它不仅仅是一本书,更像是一件精心打磨的艺术品,摆在书架上本身就是一种享受。这种对实体美学的追求,在现在这个数字化阅读盛行的时代,显得尤为珍贵和难得。每一次翻阅,都能从中发现一些新的细节,比如字体排版的疏密有致,使得长篇的论述阅读起来也毫不费力,节奏感把握得恰到好处。我甚至会花上不少时间去端详那些图版的印刷质量,那清晰度简直让人感觉画家就在眼前挥毫泼墨一般,这种沉浸式的体验,是电子书难以企及的境界。

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这本书给我带来的最大触动,是它关于艺术精神传承的探讨。它不仅仅停留在对“形”的描绘和分析,更着力于挖掘作品背后那种难以言喻的“神韵”和“气度”。作者似乎有一种天赋,能够将那些抽象的、只能意会的美学概念,通过生动的语言转化为可供读者体悟的具象描述。这种对精神内核的捕捉,使得阅读过程充满了情感上的共鸣,仿佛作者正在耳边低语,为你揭示那些隐藏在笔墨之下的时代精神和个人抱负。这种细腻入微的感性认知与理性分析的完美结合,让这本书的价值远超一般性的艺术鉴赏读物,它更像是一本关于如何用心去看待世界的指南,教导我们如何在日常的观察中发现和珍视那些不易察觉的美。

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阅读过程中,我深刻体会到作者在梳理艺术脉络时所展现出的那种宏大叙事能力和精准的洞察力。他/她并非只是简单地罗列事实或描摹技法,而是将笔触深入到艺术家的创作心境与时代背景的复杂交织之中。这种深度的挖掘,使得原本可能显得枯燥的理论分析充满了鲜活的生命力。尤其是在探讨某些关键转折点时,作者的论证逻辑严密而又充满启发性,常常能引导我跳出固有的认知框架,用一种全新的视角去审视那些经典的作品。文字的驾驭能力非常高超,时而如行云流水般流畅自如,时而又如磐石般坚定有力,这种文风的张弛有度,极大地提升了阅读的愉悦感和思考的深度。我常常读完一个小节,需要停下来,反复咀嚼其中的观点,甚至会因此联想到其他领域的相似规律,这种知识的迁移和碰撞,正是优秀艺术评论的魅力所在。

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这本书的结构安排堪称一绝,它不像传统的学术专著那样刻板僵硬,反而透露出一种精心编排的叙事节奏感。从开篇的气势磅礴的引言,到逐步深入的技法剖析,再到最后对艺术遗产的总结和展望,每一步都像是精心设计的乐章,层层递进,扣人心弦。作者巧妙地利用了小标题和段落间的过渡,将复杂的艺术流派和风格的演变梳理得井井有条,使得即便是对该领域了解不深的新手,也能顺畅地跟随作者的思路前行,不会感到迷失或疲惫。这种兼顾学术严谨性和大众可读性的平衡点把握得非常精准,体现了极高的专业素养和教学智慧。我甚至觉得,这本书本身就是一本关于如何进行有效沟通和知识传授的范本,其内在的组织逻辑本身就蕴含着一种艺术性。

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从图书馆或书店的视角来看,这本书的出版定位无疑是精准而具有远见的。它填补了市场上在某一特定研究领域的深度空白,其详实的资料收集和独到的见解,使其成为一个重要的参考坐标。我注意到书后附带的索引和参考文献部分做得非常扎实,显示了背后团队巨大的投入和严谨的治学态度,这对于后续的研究者来说,是不可多得的宝贵资源。这种对学术基础的夯实,确保了书中所论述的观点不仅具有启发性,更拥有坚实的可靠性。可以说,这本书已经超越了一本普通的画册或评论集,它更像是一部具有里程碑意义的艺术史料,未来在相关研究领域中,必然会被频繁引用和参考,具有极高的收藏和研究价值。

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