Art Matters

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出版者:William Morrow
作者:Neil Gaiman
出品人:
页数:112
译者:
出版时间:2018-11-20
价格:USD 19.99
装帧:Hardcover
isbn号码:9780062906205
丛书系列:
图书标签:
  • NeilGaiman
  • creative
  • Reading
  • Creation
  • ChrisRiddell
  • 艺术
  • 设计
  • 美学
  • 创意
  • 文化
  • 表达
  • 视觉
  • 灵感
  • 风格
  • 思想
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具体描述

A stunning and timely creative call-to-arms combining four extraordinary written pieces by Neil Gaiman illustrated with the striking four-color artwork of Chris Riddell.

“The world always seems brighter when you’ve just made something that wasn’t there before.”—Neil Gaiman

Drawn from Gaiman’s trove of published speeches, poems, and creative manifestos, Art Matters is an embodiment of this remarkable multi-media artist’s vision—an exploration of how reading, imagining, and creating can transform the world and our lives.

Art Matters bring together four of Gaiman’s most beloved writings on creativity and artistry:

“Credo,” his remarkably concise and relevant manifesto on free expression, first delivered in the wake of the Charlie Hebdo shootings

“Make Good Art,” his famous 2012 commencement address delivered at the Philadelphia University of the Arts

“Making a Chair,” a poem about the joys of creating something, even when words won’t come

“On Libraries,” an impassioned argument for libraries that illuminates their importance to our future and celebrates how they foster readers and daydreamers

Featuring original illustrations by Gaiman’s longtime illustrator, Chris Riddell, Art Matters is a stirring testament to the freedom of ideas that inspires us to make art in the face of adversity, and dares us to choose to be bold.

《艺术的意义》 洞悉艺术,重塑认知 艺术,是人类情感与智慧的结晶,是文明进程中不可或缺的脉络。然而,在快节奏的现代生活中,我们是否真正理解了艺术的价值?是否还有余暇去审视那些触动心灵、启迪思想的作品?《艺术的意义》正是这样一本旨在邀请读者深入艺术世界,重新发现其独特力量的书籍。它并非是一部枯燥的艺术史教科书,也不是一本充斥着专业术语的理论分析集,而是以一种亲切、引人入胜的方式,引导我们理解艺术如何塑造我们的认知、丰富我们的情感,并最终影响我们理解自身与世界的方式。 这本书的开篇,并非直接抛出复杂的艺术理论,而是从一个极其日常的场景切入。想象一下,你走进一家画廊,面对一幅你从未见过的画作。你可能会感到困惑,不确定自己该如何“欣赏”,甚至觉得自己“不懂”。这种普遍的体验,正是本书希望打破的藩篱。作者深知,艺术并非只属于少数精英,而是每个人都可以参与的对话。因此,本书将引导读者放下对“专业性”的顾虑,学会用自己的眼睛去观察,用心去感受。从色彩的搭配、线条的运用,到构图的平衡、光影的变幻,每一个看似微小的视觉元素,都蕴含着创作者的情感与思想,等待着被我们细细品味。 《艺术的意义》并非仅仅聚焦于视觉艺术。它广泛地触及了音乐、文学、戏剧、建筑,甚至是我们日常生活中被忽略的“设计”。作者认为,这些不同形式的艺术,虽然表现手法各异,但其核心目的却是一致的:通过感性的媒介,传递抽象的情感,表达深邃的哲思,记录时代的印记。在音乐部分,我们或许会跟随作者的笔触,去体会巴赫赋格曲的严谨与灵动,去感受贝多芬的英雄交响曲中的激昂与不屈,亦或是被爵士乐的即兴自由所打动。这些并非简单的旋律组合,而是人类情感的深度挖掘与升华。在文学领域,书本将带领我们走进文字的世界,感受莎士比亚戏剧中人性的复杂与挣扎,体会陀思妥耶夫斯基小说中对灵魂深处的拷问,或是沉浸于诗歌的意境之中,让文字化为触动心灵的丝弦。 本书的核心理念之一,在于强调艺术的“叙事”功能。每一件艺术品,无论是有意为之还是无意流露,都在诉说着一个故事。这个故事可能关乎历史事件,可能描绘社会现象,可能揭示个人内心的隐秘角落,甚至可能是一种对未来世界的畅想。通过理解艺术品背后的叙事,我们能够更好地理解创作者所处的时代背景、社会环境以及他们想要传达的信息。《艺术的意义》将引导读者学会“阅读”艺术品,如同阅读一本书籍一样,从中提取信息、理解情感、捕捉思想。例如,在探讨一幅描绘战争场面的绘画时,作者不会仅仅停留在画面的色彩与技巧,而是会引导我们去感受战争带来的痛苦、恐惧与人性的扭雹,去思考艺术在记录历史、反思战争中所扮演的角色。 此外,本书还着重探讨了艺术在塑造我们“观看”世界的方式上所起到的关键作用。艺术的训练,能够培养我们敏锐的观察力,让我们注意到平时容易忽略的细节,发现平凡事物中蕴含的美。一幅印象派画作,或许会让我们重新审视光线如何在物体表面跳跃,色彩如何相互影响;一部电影的镜头语言,可能会教会我们如何通过画面的构图与剪辑来理解角色的情绪与情节的发展。这种“艺术的视角”,不仅局限于艺术欣赏,更会渗透到我们生活的方方面面,让我们对周围的世界更加敏感,对生活更加投入。 《艺术的意义》同样不回避艺术与社会、艺术与文化之间的紧密联系。艺术并非孤立存在,而是深深植根于其产生的土壤之中。一幅文艺复兴时期的宗教画,折射出那个时代的信仰与人文主义思潮;一首摇滚乐,可能象征着年轻一代的反叛与自由精神;一部具有时代特色的电影,更是对当时社会风貌的生动写照。通过艺术,我们得以窥见不同文化、不同时代的精神风貌,理解人类文明的多样性与共通性。本书将帮助读者认识到,欣赏艺术,也是在进行一次跨越时空的文化对话。 更进一步,本书还探讨了艺术在个人成长与自我认知中的意义。艺术的体验,能够挑战我们的既有观念,激发我们的批判性思维。当我们面对一幅观念艺术作品时,我们可能会被迫质疑“什么才是艺术”,从而重新审视我们对“美”和“价值”的定义。这种思想的碰撞与启迪,对于拓展我们的认知边界、培养独立思考的能力至关重要。同时,艺术也是一种强大的情感宣泄与慰藉的途径。当我们感到压抑、迷茫时,一首舒缓的音乐,一部感人的电影,或者一首触动心灵的诗歌,都能给予我们力量,让我们重新找回内心的平静与希望。 《艺术的意义》在语言风格上,力求平实、晓畅,避免使用晦涩难懂的术语,而是用生动的比喻和贴近生活的例子来阐释复杂的概念。无论是对于艺术初学者,还是对艺术已有一定了解的读者,都能从中获得启发。作者以一种充满热情与尊重的态度,将艺术的奥秘缓缓展开,仿佛一位亲切的向导,带领我们一步步走进艺术的殿堂。 书中并不会提供标准答案,因为艺术的解读本身就是充满个体差异性的。作者更希望传递的是一种开放的态度和探索的精神。每一次的艺术体验,都是一次独特的发现之旅。这本书所提供的,不是一套固定的规则,而是激发读者思考与感受的工具。它鼓励我们去提问,去质疑,去形成自己的判断,去建立属于自己的艺术理解体系。 在阅读《艺术的意义》的过程中,你会发现,艺术并非遥不可及,它就隐藏在我们生活的缝隙之中,存在于我们每一次的触动与思考之中。通过这本书,你将学会如何更深刻地感受世界,如何更丰富地表达自己,如何与艺术建立起一种持久而有意义的连接。它将帮助你理解,为何艺术“重要”,为何它能够跨越时间和空间的界限,触及人类共通的情感与精神。这本书,是一扇门,等你推开,去发现一个更广阔、更精彩、更富有人情味的艺术世界。它将不仅仅是一次阅读的体验,更可能是一次改变你看待事物方式的深刻旅程。

作者简介

Neil Gaiman is the #1 New York Times bestselling author of more than twenty books, including Norse Mythology, Neverwhere, and The Graveyard Book. Among his numerous literary awards are the Newbery and Carnegie medals, and the Hugo, Nebula, World Fantasy, and Will Eisner awards. Originally from England, he now lives in America.

Chris Riddell is an acclaimed British artist who lives in Brighton, England. He has written and illustrated many books of his own, including Ottoline and the Yellow Cat and Ottoline Goes to School, and has illustrated, for Bloomsbury UK, The Graveyard Book; Coraline; and Fortunately, the Milk; as well as The Sleeper and the Spindle.

目录信息

读后感

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用户评价

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坦白说,我最初对这类探讨艺术本质的书籍抱持着一丝怀疑态度,总觉得它们要么过于学院派,要么流于表面。然而,这本书彻底颠覆了我的预设。它最令人称道之处,在于其叙事结构上的精妙设计。章节之间的过渡处理得极其流畅自然,不像许多同类书籍那样生硬地堆砌论据。作者娴熟地运用了大量的案例分析,从文艺复兴的黄金比例到当代装置艺术的“去物质化”趋势,每一个例子都服务于其核心论点,绝无冗余。更让我印象深刻的是,作者在分析艺术家创作动机时,那种近乎人类学家的细致入微。他不仅仅描述了“是什么”,更深入挖掘了“为什么”——艺术创作背后的社会结构、经济驱动力,乃至艺术家个人的生存困境。这种多维度的剖析,让艺术品不再是高悬于庙堂之上的孤品,而是深深扎根于人类社会肌理之中的真实产物。读完后,我感觉自己对整个艺术生态系统的认知都得到了极大的拓宽,不光是看懂了作品,更能理解作品产生的土壤。

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我必须承认,这本书的阅读过程充满了挑战性,它绝非那种可以用来放松心情的消遣读物。作者对哲学思辨的运用达到了一个很高的水准,部分篇章涉及到现象学和符号学的交叉论述时,我不得不放慢速度,甚至需要查阅一些背景资料才能完全跟上他的思路。但这种“需要努力才能理解”的过程,恰恰是其价值所在。它提供了一种精神上的磨砺。这本书的真正魅力在于其体系的完整性和对“观看”这一行为的深刻反思。它促使我思考,我们是如何被媒介、文化资本以及历史叙事塑造成现在的“观众”的。作者似乎在不断地提醒我们,每一次凝视都不是空白的,而是被无数隐形的线条所牵引和限定。这种自省式的阅读体验,带来的满足感远超获取简单知识的愉悦。对于那些已经有一定艺术基础,并希望向更高层次理论研究迈进的读者来说,这本书无疑是提供了坚实的理论基石和跳脱的视角。

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这本书的文字风格,用“犀利”来形容或许有些贴切,但又少了点韵味。它更像是一把精心打磨过的手术刀,切入艺术评论的陈词滥调,直抵核心的矛盾。我特别欣赏作者敢于挑战既有权威的勇气。书中不乏对一些被奉为经典的艺术理论提出质疑的段落,这种批判性的视角让人耳目一新。它不是在推翻一切,而是在邀请读者参与到这场严肃的智力辩论中来。例如,在讨论“原创性”这个概念时,作者的论证逻辑严密得令人拍案叫绝,他将后现代的解构主义思想巧妙地融入到对早期大师作品的再审视中,构建了一个极具说服力的框架。阅读体验是高度互动的,它不接受被动接受,而是强迫你不断地停下来,回顾自己过去在博物馆里匆匆走过的那些瞬间,重新审视那些曾经“一眼看穿”的作品。对于任何一个渴望超越走马观花式观展体验的严肃爱好者来说,这本书都是一本不可多得的“清醒剂”。

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哇,这本书真是让我眼前一亮!从翻开第一页开始,我就被作者那充满活力的叙述方式深深吸引住了。它不是那种枯燥乏味的理论堆砌,更像是一场与老朋友的深度对话,轻松却又不失洞察力。作者似乎拥有一种魔力,能将那些看似遥不可及的艺术概念,用最贴近生活的语言娓娓道来。我尤其喜欢它探讨“美”与“意义”之间的张力时所展现出的那种微妙的平衡感。比如,在谈到一件抽象表现主义作品时,作者并没有急于给出标准答案,而是引导读者去感受线条、色彩在画布上爆发出的原始情感,那种“你看到的就是你理解的”的开放性,给了我极大的解读自由。阅读过程中,我的思绪也跟着作者的思路在不同的时代和流派间穿梭,仿佛完成了一次微缩的艺术史之旅。每一次阅读,都能捕捉到新的层次和理解的维度。那种阅读完后,对周围世界产生全新感知的体验,是许多严肃论著难以给予的。这绝对是一本值得反复品读,并在每次翻阅时都能获得新启发的佳作。

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这本书最让我感到惊喜的,是它在处理严肃议题时所展现出的那种难得的人文关怀和诗意。尽管它探讨了艺术产业化的冰冷现实、市场对创造力的挤压,甚至是身份政治在艺术场域中的复杂博弈,但通篇贯穿着一股对人类想象力本身的赞美之情。作者的文字偶尔会流露出一种近乎散文诗般的优美,尤其是在描述那些超越语言的瞬间艺术体验时。他成功地在冰冷的分析与温暖的共情之间架起了一座桥梁。举个例子,当他描述一位艺术家如何在极度简朴的条件下坚持其独特的创作理念时,那种对人性韧性的肯定,让我几近落泪。这本书没有将艺术降格为纯粹的商品或意识形态的工具,而是将其视为人类精神不朽的证明。它不仅教我如何“看”艺术,更教会我如何以一种更富有同理心和敬畏之心去“面对”创造者本身。这是一次知识与情感的双重丰收。

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粉丝向的书。几篇小文章和演讲的合集,尼尔盖曼的一大本事是把一些老掉牙的道理说得很浪漫,魅力十足。

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the pep talk everyone in creative arts needs

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because you make the hollowness cute

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我很喜欢盖曼的书,但是对他的其他观点无感。真奇怪。不过为了图书馆那章,这本书也值,更不要说Chris Riddell的插画了。

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我很喜欢盖曼的书,但是对他的其他观点无感。真奇怪。不过为了图书馆那章,这本书也值,更不要说Chris Riddell的插画了。

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