本卷以艺术与四季的研究为主题。四季与物候是我国历代各类艺术作品中常见的表现对象。本卷选择r国内外研究我国不同历史时期画作的部分代表性成果,这些论文或持新见,或借助新方法、新视角而有新论。如“思想”与“史学”栏目中国内学者对“女性的四季”,“晚明清初版画中的黄山图中的区域意识与图像策略”、“百花图与明中叶苏州城的市井生活”等诸多题材的研究文章,以及“译林”栏目中三篇来自国外学者的论文。此外,万象栏目则介绍了一位中国农民通过手工剪纸“剪出的四季”,亦值得一读。
李砚祖,江苏泰兴人。擅长工艺美术。1987年南京艺术学院研究生毕业,留校任教;1991年中央工艺美术学院博士研究生毕业,并留校任教。历任该院学报《装饰》杂志副主编、主编,工艺美术学系主任、教授。主要从事美术、装饰艺术及艺术设计的历史和理论的研究与教学。
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坦率地说,我一开始对《艺术与科学(卷七)》抱有相当大的疑虑,毕竟“卷七”这个数字本身就暗示着这是一个庞大的系列,担心内容会过于碎片化或者过于偏向某一极端学科。然而,这本书的整体编排展现了惊人的平衡感和宏大的视野。它没有固步自封于某一特定的历史时期或艺术媒介。我惊喜地发现,书中花了相当大的篇幅来探讨现代和当代议题,例如,虚拟现实(VR)技术中的空间几何如何被用于沉浸式艺术体验的构建,以及生成式人工智能(AI)在音乐创作中对“随机性”的数学模型处理。这些前沿话题的加入,让整本书充满了活力和紧迫感,完全没有陈旧之感。特别是对算法美学的解析部分,作者以一种近乎诗意的语言,描述了傅里叶变换如何将复杂的声音波形分解成简单的正弦波,而这正是一个作曲家如何从混乱中提炼出旋律的隐喻。这种跨越时空的对话——从古希腊的比例到今天的代码——构建了一个异常坚固的知识框架,让人深刻体会到人类对秩序与创造的不懈追求是共通的。
评分我是在一个阴雨连绵的周末,抱着“随便翻翻”的心态开始阅读这本厚重的《艺术与科学(卷七)》,结果却被其如抽丝剥茧般的叙事结构牢牢吸引住了。这本书的叙述口吻非常平易近人,不像某些学术著作那样高高在上,它更像是一位经验丰富的教授,耐心地引导着一个充满好奇心的初学者,去探索那些原本看似晦涩难懂的领域。其中关于“光影的物理学与伦勃朗的布光艺术”的章节尤其精彩。作者没有仅仅停留在描述伦勃朗如何使用聚光灯营造戏剧性效果,而是深入讲解了散射光、漫反射以及人眼对亮度差异的感知阈值,并将这些物理学概念与伦勃朗在不同人生阶段画作中光线处理的微妙变化联系起来。这使得我们看每一幅画时,都不再仅仅是欣赏“美”,而是在解读一种经过精确计算的视觉信息传递过程。对我这个非专业人士来说,最大的收获是它极大地拓宽了我对“技术”的理解——技术不再仅仅是工具的堆砌,而是一种将自然规律转化为人类情感表达的强大媒介。这本书真正做到了让科学的严谨性,服务于艺术的感染力,读完后感觉自己的思维模式都被重塑了。
评分这本书的阅读体验是渐进式的、层层递进的,而不是一次性的信息倾泻。它的排版设计本身就是一种艺术的体现,这一点值得特别称赞。每一次从一个复杂的概念跳跃到另一个看似无关的案例时,中间总有巧妙的过渡性文字或引人深思的图表来衔接。例如,在讨论中世纪教堂的拱顶结构力学时,作者穿插了一段关于早期彩色玻璃窗如何利用光线折射来“描绘”神圣景象的描述。这种处理方式,使得原本枯燥的结构工程分析,立刻被赋予了精神性的光芒。我感觉自己仿佛置身于一个巨大的博物馆,每件展品——无论是毕加的雕塑、牛顿的棱镜实验记录,还是现代声学分析图——都被精心布置在一个具有逻辑关联的叙事流线中。这本书的价值不在于教会你如何成为一个科学家或艺术家,而在于教会你如何用科学家的严谨去欣赏艺术的细节,如何用艺术家的直觉去理解科学的深度。它挑战了我们固有的学科壁垒,鼓励读者成为一个更加全面和整合性的思考者。
评分要用三言两语概括《艺术与科学(卷七)》的阅读感受是困难的,因为它更像是一次智力上的马拉松,而不是短跑。我尤其欣赏作者在处理那些存在争议的交叉领域时所展现出的审慎态度。比如,在探讨“音乐的数学基础”时,书中没有武断地宣称某种音阶是“最科学”的,而是细致地分析了不同文化背景下,基于不同听觉生理学和数学体系发展出的调律系统的优劣和美学侧重。这种避免绝对化判断的写作风格,极大地提升了文本的可信度和深度。此外,本书的参考文献和索引做得极其详尽,这对于希望进一步钻研特定主题的读者来说,是无价的资源。它激发了我去查阅那些书中提及的、关于拓扑学在当代雕塑中的应用的原版论文。这本书的最终效果是,它不仅丰富了我的知识库,更重要的是,它让我对“理解”这件事本身产生了新的敬畏——原来,最深刻的洞察往往诞生于看似不搭界的思想的激烈碰撞之中。它是一本值得反复翻阅和深入思考的佳作。
评分这本《艺术与科学(卷七)》实在是让人大开眼界,它仿佛是一扇通往全新维度的窗户。我原以为艺术与科学是两条泾渭分明的河流,一个充满感性的色彩与想象,另一个则固守着冰冷的逻辑与数据。然而,这本书巧妙地将两者熔铸一炉,展现出一种令人惊叹的和谐。开篇对古希腊哲学家们如何看待美学与几何之间关系的探讨,就足足让我沉醉了半日。作者不仅梳理了欧几里得的几何学如何影响了文艺复兴时期对人体比例的描绘,更深入剖析了达芬奇那些著名的解剖速写背后隐藏的严谨数学原理。我特别喜欢其中关于“黄金分割”在不同艺术流派中应用的章节,它不再是枯燥的公式罗列,而是通过大量实际作品的对比分析,展示了这种比例如何潜移默化地塑造了人类的审美观。阅读过程中,我不断地停下来,翻阅那些插图——那些精密的工程草图与抽象表现主义画作并置的版面设计,本身就是一种视觉上的辩证法。它让我重新思考,那些看似纯粹的直觉创作,背后是否也遵循着某种深层的、可量化的宇宙规律。这本书不仅仅是知识的堆砌,更像是一场深刻的智力探险,激发了我对观察世界方式的根本性反思。
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