Merce Cunningham

出版者:Da Capo Press

作者:Richard Kostelanetz

页数:0

出版时间:1998-08-21

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780306808777

用户评价

坦白说，初读时会有些许挫败感，因为它完全摒弃了传统传记的线性叙事模式，更像是一系列主题研讨会的记录汇编。你不能指望从中找到一个完整的人物成长弧线或者戏剧性的冲突转折。相反，它将艺术家的思想碎片化、模块化地呈现出来，要求读者自行去寻找那些跨越时间线的连接点。我尤其欣赏它对“合作者”群像的描绘，书中对作曲家、舞美设计者、乃至服装师在创作过程中的权力动态和相互激发进行了细致的梳理。这打破了我以往对“天才编舞家”的单一崇拜，展现了一场集体智慧的结晶。其中有一段描述了早期“工作室”里，大家如何通过长时间的沉默和重复的动作测试来磨合彼此的感知频率，这种对“工作过程”的忠实记录，远比任何宏大叙事都要来得震撼人心。它提醒我们，伟大的艺术往往诞生于无数次枯燥、精确的重复劳动之中。

这本书简直是舞蹈艺术的教科书，它以一种近乎手术刀般精准的笔触，剖析了现代舞巨匠的创作历程与哲学思辨。我尤其被它对“机遇”在编舞中角色的探讨所吸引。作者没有采用那种煽情的叙事方式，而是通过大量详实的排练记录、信件往来以及与合作者的深度访谈，构建了一个立体而复杂的艺术生态系统。读到关于他在某一特定作品中如何运用“偶然性”原则来打破传统叙事结构时，我仿佛能亲眼目睹排练室里那种既充满控制又瞬间失序的奇妙张力。书中对音乐、视觉艺术与肢体动作之间那种近乎禅宗般的“共存”关系的论述，更是让我对“舞蹈不再是表达，而是存在本身”这一理念有了更深刻的体悟。它不是那种让你看完后只想鼓掌叫好的作品，而是那种读完后，你会立刻想要回到剧场，重新审视你所见的一切表演的“催化剂”。文字的密度非常高，信息量爆炸，每一个章节都像是一个精心设计的迷宫，需要读者全神贯注地去探索那些潜藏在动作背后的逻辑线条。

这本书的叙事节奏非常独特，它不是那种平稳前进的河流，而是由一系列的“爆发点”和“静默期”构成的。那些关于早期作品创作环境的描述，充满了那个时代特有的理想主义和对既有秩序的反叛精神。我特别喜欢作者采用的对比手法，将某一作品在欧洲首演时的热烈反响，与同一作品在美国大学校园巡演时的那种冷峻、甚至有些困惑的接受程度进行并置，这种对比极好地揭示了艺术观念传播的复杂性和地域性差异。书中对于技术层面的探讨也极其详尽，例如对灯光如何被用作“空间雕塑”而非仅仅是照明工具的分析，展示了一种极致的精确性。读完后，我产生了一种强烈的冲动，想要去搜集所有相关的历史影像资料，因为文字的描述似乎总带着一种抽象的边界感，而那些影像才是对这种“精确的非表达”最直接的佐证。这是一本需要反复阅读，才能完全吸收其精髓的重量级作品。

这本书的排版和装帧本身就是一种艺术宣言，它成功地捕捉到了那种冷峻、结构化的美学，仿佛直接从60年代的先锋艺术杂志里复印出来的。它的语言风格异常克制，几乎没有使用任何多余的形容词来渲染气氛，而是用一种近乎档案文献的口吻，冷静地陈述事实。这种克制反而产生了一种强大的力量，让你在阅读时不得不去主动填补情感的空白，与作者一同完成解读的过程。最让我印象深刻的是它对“空间”处理的深入分析。书中引用了大量的舞台设计图和场地考察笔记，揭示了舞蹈主体是如何被环境、被观众席位的几何形状所塑造、限定和解放的。我花了很长时间去揣摩其中关于“非中心化”舞台布局的描述，那感觉就像是在重新学习如何观看一个三维物体，每一个角度都揭示了全新的关系。对于任何一个对装置艺术或建筑空间理论有兴趣的人来说，这本书也绝对是不可多得的参考资料。

这本书的学术深度令人敬畏，它不仅在舞蹈史的语境下定位了这位艺术家，更是将其置于战后西方哲学思潮的宏大背景中进行审视。书中频繁引用了诸如现象学、后结构主义等理论框架来阐释其编舞原理，这使得阅读过程更像是一场智力上的攀登。我花了好大力气去消化其中关于“知觉的去中心化”如何影响身体在舞台上的表征，以及这种表征如何反过来挑战了观众固有的观看习惯。作者的论证严密，每一步逻辑推演都像是数学证明一样无懈可击。虽然对于非专业人士来说，某些理论章节可能显得晦涩，但正是这种深入骨髓的理论支撑，让这本书超越了单纯的艺术评论，成为了一部关于人类感知和身体极限的严肃探讨。它迫使你去质疑那些你习以为常的“自然反应”和“身体逻辑”。